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martes, 30 de abril de 2019

"Regreso al futuro 4" existe en formato cómic


Los fans llevan reclamando algo durante mucho tiempo: 'Regreso al Futuro 4'. La trilogía creada por Robert Zemeckis y Bob Gale es una de las sagas más queridas de la historia del cine. No solo ayudó a sentar las bases de los viajes en el tiempo en el mundo del cine, sino que además ha creado un fandom tan brutal que llega hasta nuestros días. Pero la trilogía sigue siendo eso, una trilogía. Pese a que actores como Christopher Lloyd, que interpreta a Doc Brown, han expresado sus ganas de rodar una última aventura.


Y parece ser que al co-creador de la saga, Bob Gale, guionista original de la trilogía, tenía más ganas que nadie, porque se ha lanzado al mundo del cómic para traernos varios tomos sobre la historia de Marty McFly y Doc Brown. No solo ayuda a contar historias paralelas de la trama que conocemos (y solventar agujeros de guión), sino que va más allá y propone posibles arcos argumentales para continuar la serie porque, como bien dice el autor, una vez que aceptas que existen los viajes en el tiempo, puedes hacer lo que quieras

¿Creías que la saga había terminado con Regreso al futuro III? ¡Pues estabas muy equivocado! Bob Gale regresa a 1986 para contarnos qué sucede cuando Marty recibe una carta de Clara enviada en 1893. ¡Doc está perdido en el espaciotiempo y Marty debe ayudarlo! ¡La saga continúa con esta trepidante historia que nos hará regresar al futuro de 2035!

Pero además de este cómic, nos encontramos con el primer tomo, llamado 'Historias nunca contadas y líneas temporales alternativas' en el que viajaremos del Viejo Oeste a la década de los ochenta, del siglo XXI al periodo jurásico… y pasaremos por todas las épocas intermedias…

lunes, 29 de abril de 2019

El País:Un cómic con más preguntas que respuestas


"Tute es el mejor dibujante de humor gráfico argentino surgido en los últimos años". Para quienes pudieran necesitar referencias acerca del autor de Dios, el Hombre, el amor y dos o tres cosas más (Lumen), ya las aporta –sobradamente– Joaquín Salvador Lavado, alias Quino. Hace unos meses, el autor de Mafalda aceptó prologar la primera novela gráfica de Juan Matías Tute Loiseau (Buenos Aires, 1974), aunque el llamado a sucesión prefiere referirse a su obra como una "antinovela" en la que se han asesinado elementos como el relato. En ella, los personajes aparecen y se pasan el relevo unos a otros a conveniencia del dibujante, entran y salen guiados únicamente por su pertinencia en la situación humorística. No hay un títere que descuelle sobre los otros: no hay Mafaldas ni Felipes ni Miguelitos, u otros amigos demócratas y antifascistas; únicamente un desfile de peleles sin nombre propio. Ya en el título se advierte: simbolizan al ser humano universal.

"La originalidad de sus ideas, el lenguaje de sus personajes que va, con natural fluidez, de lo culto a lo popular según haga falta –prosigue Quino, en las primeras páginas–, su refinado sentido del humor, los atrapantes silencios que sabe crear entre cuadro y cuadro, hacen que, a mi entender, merezca el título de Maestro ya, a su temprana edad". El dibujante argentino, hijo de republicanos españoles, no teme en deshacerse en halagos con su compatriota, aunque este último devuelve la pelota con habilidad: "Quino fue siempre mi gran Maestro con mayúscula. Incluso fue el maestro de mi viejo (Caloi quien, junto con Quino y Roberto Fontanarrosa, completa el trío de los humoristas gráficos más reconocidos de Argentina). Yo aprendí a leer con Mafalda". En aquel tiempo "estaba en la primaria" y ya había pasado de llamarse Juan Matías a Matías, de Matías a Matute y de Matute a Tute. Pero tuvieron que transcurrir años para que ambos viñetistas estrecharan lazos.

Ocurrió cuando tenía 17 o 18 años. Acababa de comenzar a dibujar, y aun así agarró sus trabajos más primerizos, los colocó bajo su brazo y se plantó en una feria de libros. Allí buscó a Sendra, a Maicas, a Tabaré, a Crist y a Quino. "Me acuerdo que se los mostré, que los miró, los pasó a uno… ni siquiera sonreía. Quino es un tipo que no regala nada, no va a decir nada que no piense", asegura. Cuando le devolvió los dibujos, le miró y le dijo: "Tenés que meter más el dedo en la llaga", y nada más. "Pasé días dándole vueltas: para meter el dedo primero tenía que encontrar esa llaga. Y creo que ese es el asunto, la herida desde la que uno habla o dibuja lo que le interesa y le duele". En su caso, la erosión proviene de incógnitas típicamente humanas. "Son preguntas que me interpelan, que me inquietan, que tienen que ver con una cuestión existencial". Dios, el Hombre, el amor y dos o tres cosas más es un intento por "descorrer esos velos" y responder a preguntas como qué somos, por qué somos como somos o por qué actuamos de determinadas maneras. A estas, Tute da "respuestas provisorias", a veces pinceladas con ironía; otras, con poesía, pero siempre con "el humor como el análisis ideal de la conducta humana".

El segundo encuentro tuvo lugar "con mi estilo ya pulido". Tute se encontraba haciendo la compra semanal en el supermercado del barrio, cuando el tono de su teléfono móvil interrumpió la compra. Descolgó y se quedó "helado". "Casi me muero. Era Quino, que me llamaba para hacerme un comentario sobre mi página del domingo en la revista de La Nación". Le felicitó. "Me dijo que le había gustado mucho mientras me hacía correcciones muy puntuales, con ese ojo tan detallista". Aquello comenzó a convertirse en rutina. Quino le llamaba a todas horas para hacerle algún comentario sobre sus viñetas. "Entonces me invitó a cenar a su casa y nos conocimos. Bueno, yo lo conocía porque era del ambiente, porque mi viejo lo conocía y demás, aunque nunca fueron amigos. No era un tipo que venía a mi casa a comer y nunca me regaló nada". Aun así, el prólogo "extralimita con exceso cualquier sueño volado que yo pudiera haber tenido cuando empecé". Ahora, confiesa "somos amigos, nos queremos y nos vemos cada tanto. Me siento honrado por él".

viernes, 26 de abril de 2019

Blacksad: Under the Skin: el personaje de cómic español dará finalmente el salto a los videojuegos el 26 de septiembre


Tal y como se esperaba en un principio parece que Blacksad, el personaje creado por Juan Díaz Canales y Juanjo Garnido, dará el salto de las viñetas a la pantalla de consolas -Playstation 4, Xbox One y Nintendo Switch- y PC el día 26 de septiembre.

Para celebrarlo sus responsables, Péndulo Studios y YS Interactive, han publicado un tráiler narrativo en el que se nos muestra un poco más de su historia, con ese aire tan noir que caracteriza al cómic original.

Nuestra misión como detectives privados consistirá en trabajar para Sonia Dunn, la nueva dueña de un gimnasio tras la sospechosa muerte de su padre, con el fin de investigar la desaparición de Bobby Yale, un boxeador que se desvanece momentos antes de la pelea más importante de su vida.

Blacksad: Under the Skin, como no podría ser de otro modo teniendo en cuenta quién está detrás, es una aventura gráfica point-and-click que, dicen, nos obligará a tomar distintas decisiones a lo largo del caso, afectando no solo a los acontecimientos sino también a nuestra relación con los involucrados.

Quienes quieran podrán hacerse también con la edición coleccionista, que incluye además del juego en formato físico una figura de resina -bastante chula- y un libro con arte del juego.

jueves, 25 de abril de 2019

RTVE:El guionista Antonio Altarriba gana el Gran Premio Comic Barcelona


El veterano guionista y novelista zaragozano Antonio Altarriba, autor de El ala rota (ilustrada por Kim) o Yo, loco (ilustrada por Keko) ha sido el ganador de el Gran Premio del 37 Comic Barcelona, que se celebra en Fira Barcelona Montjuïc, un galardón que se ha dado a conocer este viernes.

Junto a Altarriba (Zaragoza, 1952), Comic Barcelona ha concedido los premios al autor/a revelación a la sevillana María Medem que debutaba en la novela gráfica con Cénit (Apa Apa) mientras que el premio a la Mejor Obra de Autor Español de 2018 ha recaído en ¡Universo! (Astiberri), de Albert Monteys.

Por su parte, El árbol que crecía en mi pared (Sallybooks), de Lourdes Navarro, ha ganado en la nueva categoría de Mejor Obra Infantil/Juvenil y Lo que más me gusta son los monstruos (Reservoir Books), de Emil Ferris se ha llevado el premio a la Mejor Obra Extranjera.

El galardón al Mejor Fanzine ha sido para Saxífono, mientras que Desmesura (Edicions Bellaterra), un cómic sobre la locura de Fernando Balius y Mario Pellejer, ha obtenido el Premio Popular, que se decide por los votos de los aficionados y el público en general.

miércoles, 24 de abril de 2019

EL País:El Brasil donde reinaron los esclavos


Marcelo D’Salete cuenta que era un crío cuando oyó la primera mención a la extraordinaria historia del mayor alzamiento de esclavos negros en América. “¡Hoy es 20 de noviembre, el día de Zumbi de los Palmares!’, dijo una compañera de clase”, rememoraba hace unos días en São Paulo este autor de cómic. Brasil —el último país del mundo en liberar a sus esclavos— conmemoraba por esa época el centenario de la abolición en 1888. Aquella comunidad creada por fugitivos de los ingenios azucareros, y su líder Zumbi, protagonizan el episodio más popular de la historia negra de Brasil y el monumental cómic Angola Janga (pequeña Angola en lengua quimbundo), recién publicado en España. Palmares simboliza para muchos brasileños contemporáneos la resistencia, entonces frente los colonizadores portugueses y holandeses; hoy ante las injusticias racistas. Pero paradójicamente, pocos conocen en detalle lo sucedido.

Para la historia tradicional, "Palmares era algo exótico, un enclave de bandidos en la selva. El planteamiento era siempre ‘Qué bien que fue destruido Palmares porque amenazaba al imperio portugués”, una visión sustentada únicamente en el relato de los soldados, los gobernadores… de los que “tenían como misión destruir aquella comunidad”, explica D’Salete (São Paulo, 1979) durante una entrevista en el estudio de su casa. Allí crea a mano sus viñetas cuando sale de su otro trabajo. Ganador de un premio Eisner en 2018 (los Oscar del cómic) con su anterior obra, Cumbe, da clase de Artes Visuales a adolescentes.

Angola Janga relata lo que fue Palmares, pero desde otra perspectiva. A través de la mirada de los hombres y mujeres que sobrevivieron a jornadas inhumanas hasta de 20 horas diarias de trabajo, de los que lograron huir de aquel infierno terrenal para crear en un rincón del Brasil colonial esta especie de república que duró más de un siglo y llegó a tener 20.000 habitantes dispersos en varias aldeas de la sierra de Barriga (en la capitanía de Pernambuco, hoy estado de Alagoas) en el XVII. Su capital estaba casi tan poblada como el Río de Janeiro de la época. El ilustrador narra los ataques sistemáticos de los conquistadores, la guerra de guerrillas desplegada por los palmaristas, pero también la vida cotidiana con romances, momentos de intensa ternura familiar, el trabajo en los cultivos o los intercambios comerciales con sus vecinos indígenas y colonos.

Esta obra combina sutilmente documentación histórica brasileña, mapas incluidos, y ficción. Como los testimonios de aquellos africanos de tradición oral no perduraron, el dibujante recrea los espacios en blanco de la historiografía tradicional. “Es mi interpretación, puede haber otras”, insiste. La suya es una historia coral de más de 400 páginas, sin héroes, en la que las mujeres tienen una presencia destacable. Una historia en blanco y negro, con muy pocos diálogos. “No quería hacer una historia idealizada, no me gustan los héroes. Nosotros aquí no necesitamos héroes, necesitamos buenas historias, personajes complejos”, recalca el autor, que coloca en el centro de su interpretación “los objetivos y los intereses de esos personajes, con sus dudas, sus miedos… Ése fue el gran desafío”.

D’Salete se mete así en la piel del jefe Ganga Zumba para ahondar en los motivos que le llevaron a alcanzar a un acuerdo de paz con la Corona de Portugal en 1678 que al autor le parece “crucial porque divide al grupo de Palmares”. A Soares, que en el imaginario brasileño es el Judas que traicionó a Zumbi, lo convierte en un personaje complejo, con contradicciones, sin desvirtuar hechos históricos como que obtuvo la ansiada libertad tras el asesinato del líder el 20 de noviembre de 1695.

A este autor del historias en cuadrinhos, como los denominan en Brasil, no le hablaron de Palmares en familia ni lo estudió en la escuela. Tampoco a otros de su generación. Descubrió “la perspectiva negra de la historia de Brasil y la sociedad brasileña actual” en la adolescencia a través del rap. Aquellas canciones que martilleaban historias de desigualdad social, discriminación y racismo fueron dibujando un relato de injusticias de las que empezaba a ser consciente.

Con una madre que a los diez años entró a trabajar como empleada del hogar, D’Salete fue el primer universitario de su familia. Para alumbrar Angola Janga buceó durante once años en archivos, museos y libros aunque no es historiador, sino licenciado en Artes Plásticas. Siempre fue estudioso. Humilde, constantemente enumera historiadores, escritores, músicos, ilustradores… que fueron desbrozando el camino por el que él transita. Porque, recalca, Angola Janga no es “la historia de Palmares, es una historia de Palmares”. Los miles de personas que lo habitaron procedían de las actuales Angola —de ahí el nombre— y Congo. Más de 12 millones de africanos fueron traídos a América a la fuerza entre 1500 y 1900, incluidos unos cinco millones que arribaron a Brasil.

Los efectos de aquella aberración asoman, por ejemplo, en el término negro para calificar a los esclavos. En portugués, como en español, no implica necesariamente una connotación peyorativa, pero D’Salete cuenta que ha tenido que calibrar cuidadosamente con los traductores a otros idiomas.

Del mismo modo que el rap logró romper para un chaval como él las barreras de la cultura más elitista, espera que el lenguaje de las historietas haga llegar Palmares al gran público. Aunque su precio, 90 reales (21 euros), lo dificulta. Un paso en esa dirección es que Angola Janga y Cumbe, otro cómic de historia, hayan sido incluidas en el catálogo de lecturas para escuelas públicas y privadas. Supone un avance en un país, como tantos, desmemoriado con la contribución de ciertos colectivos a la historia común. La enseñanza de la historia afro-brasileña solo es obligatoria desde 2003. Son logros que muchos brasileños ven en grave riesgo con un presidente como el ultraderechista Jair Bolsonaro.

D’Salete enlaza el olvido institucional de la historia de los negros con el racismo estructural de Brasil. Explica que los descendientes de aquellos esclavos siguen en muchos casos sin acceso a la tierra -son el origen de las favelas-, sin un acceso efectivo a la educación… son tratados con un rasero distinto. Recuerda cómo el Ejército disparó hace nada 80 tiros contra el coche de una familia negra en Río y mató al padre y a un transeúnte que intentó ayudarlos; o los cinco chavales acribillados con 111 disparos en su automóvil. También negros, también en Río. Fue en 2015. “No hubo conmoción… Eran de la periferia, de lugares donde hay mucha población negra, donde el Estado se ve con derecho de matar en una política terrorista y genocida”, se lamenta tras enumerar casos similares.

Entre los países a los que D’Salete viajará a presentar su último cómic, destaca Angola. Allí donde todo comenzó.

martes, 23 de abril de 2019

El Festival de Cómic Europeo de Úbeda celebrará su tercer workshop con editoriales en el marco del evento.


Este año el Festival de Cómic Europeo de Úbeda recupera una de las actividades de carácter profesional más importantes del evento. El año pasado no se pudo realizar, pero en esta nueva edición vuelve ,debido al impulso que está tomando la cita desde su cambio de ubicación el año pasado, además de por la apuesta decidida del  Ayuntamiento de la ciudad en impulsar la cita más importante con el noveno arte en la provincia de Jaén.

El  workshop se celebrará con editoriales nacionales, Grafito Editorial de Valencia y GP ediciones de Zaragoza,  en la que los participantes inscritos podrán mostrar sus trabajos a los tres editores presentes, en pequeños encuentros de 20 a 30  minutos. Para poder participar en el workshop, los interesados tendrán contactar con la organización, escribiendo al mail ubedabaezacomic@gmail.com. Se les contestará comunicándoles todas las indicaciones y requisitos necesarios.

El workshop tendrá lugar, concretamente, el sábado 18 de mayo, de 17:00 a 20:00 horas de la tarde y las plazas son limitadas. El plazo de presentación de solicitudes finalizará el jueves 16 de mayo.

Esta iniciativa forma parte del programa profesional del Festival en el que se quiere mostrar que el cómic y la ilustración son una industria y una salida laboral para los jóvenes y no tan jóvenes talentos de la provincia.

A lo largo de días atrás ha tenido lugar también un encuentro de la organización con alumnos de la  Escuela de Artes “Casa de las Torres” para incentivar su participación en el evento y en el workshop.

El Festival de Cómic Europeo se desarrollará los 18 y 19 de mayo, en la Plaza de Andalucía y dentro del marco de la XXI edición de la Feria del Libro de Úbeda.

lunes, 22 de abril de 2019

Las editoriales independientes alzan su voz en Comic Barcelona


He venido a cubrir el Comic Barcelona, pero este año hay menos cosas que me interesen: otras veces enseñaban más películas y había más merchandising», lamenta una crítica de cine a su paso por el salón, que celebra su 37ª edición en el recinto ferial de Montjuïc hasta hoy, domingo. A los organizadores del evento, sin embargo, quejas como esta les deben saber a miel, ya que han insistido por activa y por pasiva que este es el año de la renovación. El año de que el salón del cómic vuelva a centrarse en las viñetas y -a la vez- se abra a las nuevas tendencias de la historieta.

Uno de los argumentos que blande el evento a favor de esta idea es la nueva zona Alter ComicBarcelona. Se trata de un espacio -según los organizadores- que nace con la intención «de potenciar e impulsar a editoriales pequeñas, independientes, alternativas o de reciente creación». En la práctica, se les ofrece a estos sellos la posibilidad de un stand a precio reducido para que puedan presentar sus obras.

Gracias a ello, este es el primer año que editoriales como Apa Apa Comics o Sallybooks tienen presencia en el salón. En total, Alter ComicBarcelona cuenta con nueve stands: además de las citadas, completan la alineación Autsaider Cómics, Bestia Negra, Ediciones Dimensionales, Cuocio, Nootrac, Harriet Ediciones y Karras. «Nos insistieron desde Ficomic para que viniésemos, diciéndonos que querían cambiar el rollo del salón, y pensamos que este era el año para hacerlo», recuerda el editor y fundador de Apa Apa, Toni Mascaró.

Su presencia es un síntoma significativo, ya que este sello es uno de los que más está dando que hablar entre la crítica, por el aire fresco que traen sus propuestas. De hecho, Ana Galvañ -uno de los fichajes estrella de Apa Apa Comics- es también la autora del cartel de este Comic Barcelona, «una propuesta de una dibujante joven, que integra cómic e ilustración y que marca la nueva etapa ilusionante del salón», comentaba la directora del evento, Meritxell Puig.

Junto a Pulse enter para continuar -el primer y único álbum de esta autora-, en el stand de la editorial lucen La sangre extraña, de Sergi Puyol, y Cenit, de María Medem. Esta última, además, fue galardonada el viernes con el premio a Autora Revelación. No ha sido el único reconocimiento obtenido por una editorial del espacio Alter ComicBarcelona: El árbol que crecía en mi pared, creado por Lourdes Navarro y publicado por Sallybooks, se alzó con el premio a Mejor Obra Infantil y Juvenil.

«Tal vez es por el premio a María, pero lo cierto es que estamos teniendo un nivel de ventas similar al del festival Graf, que ha sido nuestro tope hasta el momento», comenta Mascaró, citando el evento barcelonés de cómic independiente y autoeditado que se celebra anualmente en la Fabra i Coats, donde propuestas como las de Apa Apa se mueven como pez en el agua.

«La experiencia es muy distinta, eso sí, porque allí nos conoce todo el mundo, mientras que aquí la gente se nos acerca con cara de no saber muy bien qué ofrecemos», ríe el editor. La comparación con este festival alternativo, de hecho, la traía también a colación Puig en la presentación del salón: «queremos un Comic Barcelona integrador, que incluya el cómic comercial y también otras realidades como el Graf, que visito y disfruto mucho», decía.

Otra de las editoriales con ganas de descolocar al personal presentes en la zona Alter Barcelona es la mallorquina Autsaider Cómics, cuyo editor jefe, Ata Lassalle, charla animadamente enfrente de su stand. Yendo un paso más allá de lo que apunta Mascaró, Lassalle cuestiona el encaje de su propuesta en la feria. «El público -dice- que busca en el salón juegos de Nintendo, fuentes de chocolate y series de televisión no comprará nuestros tebeos, está claro: no sé si estamos en otra liga o si, directamente, jugamos a otro deporte», y añade que -aunque todo sea cómic- es como comparar una película Disney con un estreno de Sundance.

Aun así, el objetivo de la directiva de este Comic Barcelona es confeccionar un paraguas en el que, precisamente, tengan cabida estos dos extremos. Otra de las metas de este espacio es dar una primera oportunidad a editoriales jóvenes, como Harriet Ediciones o Bestia Negra. «Creamos el sello entre tres socios hace dos años, creyendo que nos haríamos millonarios - bromea Jesús Córdoba, uno de los socios de Bestia Negra-, y de momento no es el caso... ¡pero disfrutamos con lo que hacemos!».

sábado, 20 de abril de 2019

Tintín, alunizaje en el Baluarte


El próximo 20 de julio se cumplirán 50 años de la llegada del hombre a la Luna, de aquel hito aún no repetido que otorgó a los estadounidenses la medalla de oro en su particular e histórica carrera espacial con los soviéticos. Aquello fue la historia, una realidad que no vino sino a confirmar lo avanzado en distintos momentos por la ficción, como la mítica novela De la Tierra a la Luna que Julio Verne firmó un siglo antes, y también el doble álbum de Tintín que Hergé publicó 15 años antes de que Armstrong clavara en el satélite la bandera de su país. Y para esta última ficción, la formada por Objetivo: la Luna y Aterrizaje en la Luna, ha reservado la próxima Feria del Libro de Cádiz un interesante espacio, una exposición sobre la intuición de Hergé que llevó al reportero Tintín a la Luna,Además, habrá una mesa redonda para debatir sobre el universal personaje del dibujante belga.

De esta manera, la cita literaria gaditana celebrará en el Baluarte de la Candelaria, del 3 al 12 de mayo, los 90 años de la primera viñeta de Tintín, un cómic que está a tan sólo una década de su primer centenario, y los 50 años de la llegada del hombre a la Luna, con esas viñetas premonitorias de Hergé y también la que el propio dibujante hizo años más tarde en forma de postal, cuando el alunizaje americano fue un hecho, en la que aparecen Tintín, el capitán Haddock, Tornasol y Milú, con sus correspondientes escafandras, dando la bienvenida a un atónito Armstrong tras bajarse del Apolo 11.

El gaditano José Paredes, que ya protagonizó una amplia exposición sobre la figura de Tintín en la Biblioteca Municipal Adolfo Suárez, será de nuevo el encargado de nutrir de su colección personal esta muestra que ocupará una de las salas del Baluarte. Así, Paredes expondrá una amplia bibliografía con las primeras ediciones de los dos volúmenes de Hergé sobre la Luna, una historia que el dibujante belga comenzó a a publicar por entregas en 1950 y que acabó en 1954 con la edición del segundo volumen de su fantasía lunar.

A estos libros se unirán objetos relacionados con estas dos historietas, como los personajes que intervienen en ella o el cohete en el que viajó Tintín, con un evidente encanto para curiosos y para el público infantil, pero también se expondrá parte de la documentación que utilizó Hergé para preparar sus dos álbumes lunares.

Porque ya es sabido que una de las constantes del dibujante belga fue la capacidad que tuvo para preparar a conciencia sus historias y dibujar sus viñetas, un exhaustivo proceso de documentación para lograr un guión fidedigno y unas ambientaciones prácticamente perfectas.

José Paredes explica que en el caso de sus historias sobre el viaje a la Luna, Hergé echó mano de un físico de la época, Alexandre Ananoff, profundo conocedor de la materia y que había publicado libros acerca de la Luna y los viajes espaciales. Hergé se documentó a fondo, habló con este físico y se aprovechó, además, de que en 1950 ya había creado los llamados Estudios Hergé, donde contó con un equipo de colaboradores “increíble, pionero”, explica Paredes, que le facilitó la creación de esta historia y que incluso le permitió contar con un modelo de cohete en tres dimensiones, basado en la bomba V2 de fabricación alemana, sobre el que dibujó su ya famoso vehículo espacial en rojo y blanco.

En esta historia de dos partes, la del viaje a la Luna, Hergé fue sin duda un dibujante de su época, en un tiempo en el que la guerra fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética era un hecho que tuvo en la carrera espacial, en la dura disputa por conquistar el universo y llegar los primeros a la Luna, una de sus porfías más insistentes.

La Feria del Libro de Cádiz completará su homenaje al lunático Tintín con un coloquio que se celebrará el 11 de mayo y en el que participarán José Paredes, Nino Paredes, también gaditano y presidente de la Asociación Tintinófila de España, y David Baker, escritor y también tintinófilo catalán que presentará en el acto su libro 111 personajes que inspiraron a Hergé.

jueves, 18 de abril de 2019

La revolución feminista llega a las viñetas de Asterix


Astérix no es ajeno a los vientos de cambio en la sociedad y, en su próxima aventura, cederá parte del protagonismo a una rebelde adolescente que reivindica el rol de la mujer y que da nombre al álbum: "La hija de Vercingetórix".

La nueva entrega, la 38 del pequeño héroe galo, saldrá a la calle el próximo octubre de la mano del dúo conformado por el dibujante Didier Conrad y el guionista Jean-Yves Ferri, que se encargan de dar vida a los habitantes de la irreductible aldea desde hace cuatro números.

Traducida a más de 20 idiomas y adaptada en más de 120 países, el título y la cubierta de la nueva aventura fueron presentados en el Parque temático Astérix, en las afueras de París, por sus creadores, que avanzaron pocos elementos sobre el argumento.

El anuncio de los detalles de este nuevo álbum coincidió con el aniversario de los 60 años del cómic y los 30 años de inauguración del Parque Astérix.

La hija de Vercingetórix, el legendario (e histórico) jefe galo que ya ha aparecido en anteriores entregas del cómic, vendrá acompañada de dos jefes arvernos.

Con este personaje femenino se busca representar y "reivindicar el rol de la mujer", según explicó Ferri en declaraciones a Efe.

La joven "lleva un símbolo diferente, una especie de joya gala, que es tal vez una herencia de su padre", y este signo "jugará un papel muy importante" en el desarrollo de la trama, agregó Ferri.

Entre las abundantes alusiones a temas de actualidad que suelen esconderse en las viñetas de Astérix, las siglas de un grupo guerrillero llamaron la atención de los asistentes: "Efectivamente se trata de un guiño a las FARC" colombianas, desveló Ferri.

Sin embargo, también matizó que esas siglas hacen referencia a los arvernos, la tribu gala que ha permanecido en el imaginario de su país por haber hecho frente a Julio César en el siglo I a.C.

El enfoque de la mujer en este ultimo álbum, explicó Ferri, no será el de una chica enamorada como en ediciones anteriores; esta vez los creadores han buscado mostrar un ángulo reivindicativo y menos sumiso.

"Llega a la aldea alguien muy importante", añadió, para resaltar el hecho de que este personaje va dar que hablar a lo largo de esta nueva aventura.

Tanto Conrad como Ferri se inspiraron para la elaboración de este proyecto en su experiencia como padres de sus cuatro hijas adolescentes.

Se espera que la edición en color esté terminada para el mes de junio, aunque Ferri afirmó que tanto los textos como las impresiones en blanco y negro del álbum ya se están finalizados.

"Lo nuevo serán los personajes, pero el estilo de Albert Uderzo es inimitable", afirmó Conrad, recordando a uno de los creadores originales del universo Astérix, junto a René Goscinny.

En honor a este héroe insignia de la cultura francesa, se anunciaron diferentes eventos que rodearán el lanzamiento y que conmemorarán sus 60 años de vida

Una serie televisada por parte de la cadena FRANCE 2, la creación de timbres postales con imágenes de los personajes y la acuñación de monedas de dos euros con el rostro de los personajes de la saga son algunas de las novedades alrededor del lanzamiento.

Desde su creación en el año 1959, se han vendido aproximadamente 380 millones de libros de Astérix en todo el mundo. Actualmente, la historieta cuenta con cuatro películas de imagen real y diez de animación.

La última de ellas fue la película de animación francesa de mayor éxito desde 2006 ("Astérix: El secreto de la poción mágica") estrenada en el año 2018.

miércoles, 17 de abril de 2019

El País:Aztec Empire: el cómic de la Conquista creado por dos estadounidenses


A mediados de abril de 1519, en el territorio que hoy es Tabasco, Malinche fue regalada a los expedicionarios españoles, junto con otras esclavas. Ella es una de las protagonistas más interesantes del periodo de la Conquista para el ilustrador y escritor Paul Guinan (Chicago, 1960). “Marina, como la llamaban los castellanos, es el personaje más interesante de esta historia. ¿Una adolescente fue la clave de la caída del poderoso Imperio azteca? ¡Eso es tan fantástico como cualquier epopeya ficticia! Es un personaje enigmático y muchas veces polémico”, dice el artista estadounidense a Verne, vía correo electrónico.

Guinan, junto con el artista David Hahn, son creadores de la novela gráfica Aztec Empire, un proyecto que narra el periodo de la Conquista para el público anglohablante. “Esta historia, que es tan importante en la historia de la humanidad, aún no se ha contado en forma completa ni precisa en un medio visual: no en películas, programas de televisión o cómics. Creo que la historia exige una narración visual adecuada”, comenta.

Una historia que sigue viva 500 años después

Para estos artistas, la historia de la Conquista está más viva que nunca. Guinan creció interesado por la cultura mexicana desde temprana edad, y empujado por su afición por la historia, decidió emprender este proyecto hace unos meses, en el aniversario 500 del inicio de la llegada de los españoles a México. "Los fines de semana, mi padre me llevaba a un mercado al aire libre en Chicago llamado Maxwell Street. Estaba al lado de un vecindario llamado Pilsen, que era el principal vecindario mexicano" recuerda Guinan. "Para mí, como un niño pequeño, era un reino mágico. Había escaparates llenos de coloridas piñatas y máscaras de lucha, y edificios cubiertos con murales gigantescos que celebraban dramáticamente la rica historia de México", relata.

Apoyados por un grupo de historiadores e investigadores mexicanos del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), Guinan señala que ha encontrado que este periodo está cargado de muchos mitos. “Me sorprendió saber que muchos ‘hechos’ ampliamente aceptados son realmente ficticios. Es un mito que los aztecas pensaban que los españoles eran dioses, por ejemplo”, comenta.

Además de usar decenas de libros y textos como referencias biográficas, permanecen atentos a los comentarios que llegan de sus lectores. “Tuve que volver a dibujar y colorear la mayoría de los cascos en más de veinte páginas”, recuerda, después de que un lector le hiciera llegar una referencia documental de la forma de los cascos de los españoles.

La civilización mexica y la fundación de Tenochtitlan han apasionado a los creadores de Aztec Empire. “La ciudad estaba en medio de un lago, y tenía vastos palacios, templos, jardines y plazas, con un sofisticado sistema de vías y vías fluviales. Las áreas públicas se limpian todos los días y se decoran con pinturas y flores de colores” comenta. “Sin embargo, los aztecas también llevaron a cabo rituales sangrientos como parte de su religión. Es un contraste interesante y esencial”, señala.

El colorido de las ropas, de los edificios y de la atmósfera de la capital de la cultura mexica ha sido un reto para los creadores. Guinan indica que a Hernán Cortés se muestra regularmente con una forma de casco equivocado, o a Moctezuma vistiendo un enorme tocado verde. “Estoy tratando de evitar perpetuar esos conceptos erróneos y equivocaciones, en la medida de lo posible”, comenta.  

Hasta el momento han publicado cuatro episodios de diez páginas cada uno, con algunas anotaciones históricas al final de cada capítulo. Su objetivo, detalla Guinan, es publicar 50 episodios de la misma longitud en formato digital para posteriormente buscar su impresión. “Quería terminar las primeras 50 páginas antes de acercarme a los editores para imprimirlo para que pudiéramos mostrar todo el potencial de nuestro enfoque”, cuenta.

Para producir este proyecto, Guinan y Hahn cuentan con una página de fondeo para concluir este proyecto, ya que no cuentan con financiamiento adicional. Actualmente recibe alrededor de 500 dólares por mes de parte de sus lectores regulares. “Es una forma en que las personas pueden apoyar proyectos creativos directamente, incluso con pequeñas contribuciones, y convertirse en patrocinadores del arte”, señala.

Hecho en inglés, Guinan indica que buscará que este material se traduzca al español, al náhuatl o a otras lenguas, aunque cree que el idioma contribuye a que lectores de cualquier nacionalidad se acerquen a la historia de la conquista. “Hoy podemos hacer una suposición de la historia más educada de lo que pudimos hace 20 años. Tenemos mucha más información y una perspectiva más amplia. Podemos tratar de ver a los personajes principales de esta historia como personas reales, y no como simples villanos o héroes unilaterales. Como personas, con todas sus contradicciones, que cambiaron el mundo. Esa es la historia que quiero contar”, finaliza.

martes, 16 de abril de 2019

Últimos días para inscribirse en el callejón del artista del Festival


Os recordamos que el día 26 de abril se acaba el plazo de presentación de solicitudes para poder participar en el callejón del artista de las VII edición del Festival de Cómic Europeo de Úbeda.

Recordar que nos tenéis que escribir al mail ubedabaezacomic@gmail.com

lunes, 15 de abril de 2019

La Vanguardia:Mies van der Rohe, personaje de cómic


Mies van der Rohe se ha convertido en un personaje de cómic. El célebre arquitecto, autor del pabellón alemán en la Expo Internacional de 1929 en Barcelona, revive en el cómic Mies, escrito y dibujado por Agustín Ferrer Casas y publicado por Grafito Editorial.

Esta obra mezcla el retrato de su protagonista con la construcción de sus principales obras, refleja los tiempos convulsos del ascenso del nazismo, también los del exilio norteamericano, y describe las relaciones de Mies con algunos de sus principales colegas, desde Walter Gropius hasta Frank ­Lloyd Wright, pasando por Philip Johnson.

El perfil de Mies no está edulcorado. El gran renovador de la arquitectura fue también un tipo impulsivo, soberbio, intemperante, seductor y bebedor, y así aparece en el retrato de Ferrer Casas, basado en la biografía real de Mies, aderezada con alguna licencia dramática. Gráficamente, este volumen acredita las dotes de Ferrer Casas para el dibujo, tanto arquitectónico como de la figura humana, siempre detallista –“Dios está en los detalles” es quizás la segunda frase célebre de Mies, tras “Menos es más”–, así como su habilidad para el relato gráfico, la composición de páginas y el coloreado.

La narración se estructura a partir de una entrevista entre Mies y su nieto Dirk Lohan, durante un vuelo rumbo a Berlín, en 1965, para asistir a la colocación de la primera piedra de la Nueva Galería Nacional. Entre esta obra y la proyectada casi cuarenta años antes en Barcelona, Ferrer Casas revisa también la construcción de otros hitos miesianos como la casa Farnsworth, las torres del Lake Shore Drive en Chicago, el rascacielos Seagram en Nueva York o la casa Tugendhat en Brno, así como proyectos que nunca fueron más allá de la mesa de dibujo.

Prologada por la periodista Anatxu Zabalbeascoa y con una breve nota introductoria que firma el arquitecto británico Lord Foster, esta obra fue presentada días atrás en el Pabellón Mies van der Rohe, en Barcelona.

sábado, 13 de abril de 2019

Jack Kirby, de creador de superhéroes a símbolo del cómic alternativo


A Jack Kirby lo conoces sin saber quién es. Es un nombre que ha quedado solo para los libros de historia del cómic, pero fue un ídolo y no poca gente tiene que buscar su nombre en internet para averiguar quién es realmente. A la sombra de Stan Lee, Kirby fue el creador de algunos de los personajes más influyentes de Marvel como son Los Cuatro Fantásticos, Capitán América, Thor, X-Men o Hulk. Desarrolló decenas de ideas, tanto en Marvel como en DC, y constituye uno de los creativos más prolíficos del género.

Jack Kirby murió y su leyenda no se “endiosó”, sino todo lo contrario, se fue apagando. Sin embargo, las tramas extravagantes de sus últimas historias y el trazo desenfadado que dio en primicia las texturas psicodélicas, han quedado para el recuerdo de muchos ilustradores e ilustradoras, que se reúnen ahora en la exposición colectivo La influencia de Jack Kirby en el cómic underground, que se inaugura hoy mismo en la sala expositiva del estudio No Land Tatoo Parlour en València.

A pesar de no estar en una galería, la muestra ha conseguido reunir obras de algunos de los artistas valencianos muy sonados en la actualidad, como pueden ser Mik Baro, Zoraida Zaro, Elías Taño, Paula Carrizo, Narcís, o Don Rogelio J, siendo este último el comisario y promotor de la exposición. La idea era reunir ilustraciones o cómics que, de alguna manera, mostraran la influencia o la referencia de Jack Kirby en su esencia: “se trata de ver cómo ha determinado, tanto para bien como para mal y en distintas medidas, la obra de Jack Kirby en nuestra obra, porque el cómic underground tiene siempre muy en cuenta nombres como Daniel Clowes o Richard Corben, pero creo que muchos hemos crecido con las historias de Kirby y lo tenemos en nuestro imaginario visual”, cuenta Don Rogelio J.

Esta relación que plantea la muestra, es a su vez un desafío a la propia historia del cómic. El underground, a través de las revistas europeas y las historietas de ciencia ficción, se crearon como contestación al trabajo de dibujantes como Kirby, cuando el cómic de superhéroes era el único género que interesaba -comercialmente hablando- a las grandes editoriales de cómic: “es difícil establecer una relación directa a lo que fue el cómic underground en la época de Kirby y lo que es en la nuestra: entonces sí que era una contestación, pero creo que el cómic alternativo actual tiene mucho más que ver con las historia de Kirby que con aquella contestación”. Se refiere, indiscutiblemente, al trazo, el grafismo, y la creatividad del dibujante, que también fue autor de serie brillantes y alternativas que fracasarían comercialmente pero que se han convertido, con el tiempo, en obras de culto. De paso, se adelantaría a algunas de las líneas que seguiría luego el mundo de la psicodelia, casi de manera primigenia.

Es importante destacar que, en esta última etapa, el dibujante construyó historias mucho más arriesgadas, como El Cuarto Mundo o Destroyer Duck. Aunque la relación que se ha querido dibujar en esta muestra tiene más que ver, no tanto con la temática, sino con la concepción de libertad que respiraban aquellas historias y que ahora se desarrolla en el cómic underground, entendiendo la experimentación en la narración de las historias creadas por el dibujante. “En la muestra hay ilustraciones que poco tienen que ver con el grafismo de Kirby, pero que de alguna manera siguen como referencia, también hay obras que se ríen de su propio imaginario. Hacemos esta exposición sobre la influencia de Kirby como podríamos haberla hecho sobre Hergé, porque los dibujantes ahora manejamos una cantidad de referencias muy amplia”, explica Don Rogelio J.

La muestra servirá, de paso, para reivindicar la propia obra de Jack Kirby, que muy poco tienen que ver con sus adaptaciones al cine. Las películas de la factoría Marvel, en las que su compañero Stan Lee siempre hacía un simpático cameo, resumen 20 o 30 años del desarrollo de un personaje (“con sus momentos mediocres y sus momentos de genialidad”) en una trilogía de seis horas de duración en total cuyo super éxito poco tiene que ver con la creación del propio autor. En la memoria visual contemporánea, pocos jóvenes tienen en mente los dibujos y casi todos sus adaptaciones a la gran pantalla: “eso se nota en la propia exposición, en la que hay una diferencia clara entre los artistas más mayores, que crecimos con la referencia de Kirby, y los más jóvenes, que lo han tenido que descubrir después de buscar un poco en la historia del cómic”, concluye el impulsor de esta exposición, que será visitable hasta principios de junio.

viernes, 12 de abril de 2019

ABC:«La plaga de los cómics», sangre de colores


Esqueletos brotando de sus tumbas, cuerpos decapitados, esposas asesinadas o asesinando a sus maridos, vampiros y alienígenas y científicos loquísimos y... Todo eso y mucho más a todo color en páginas temblando en manos de niños que miran y leen con el más regocijado de los espantos. Mientras tanto, los adultos inquietándose por los efectos de las radiaciones de toda esa tinta color rojo derramándose en revistas como «Tales from the Crypt», «The Vault of Horror», «Weird Fantasy» o «The Haunt of Fear». Todas ellas -entre los años 40 y hasta mediados de los 50- con el sello de Bill Gaines y su EC Comics. Siglas primero de la Educational Comics y después -cuando se asumió que no eran muy «educativos»- de la Entertaining Comics.

Todas ellas de pronto en la mira del psicoanalista Fredric Wertham advirtiendo acerca de «la seducción de los inocentes» y de que «comparado con los efectos nocivos de estas publicaciones lo de Hitler fue obra de un principiante». Y, sí, muchos de los seguidores de Wertham eran congresistas quienes enseguida crearon el moral Comics Code para la preservación de lo que entendían eran mentes en formación en riesgo de ser deformadas. De ahí a sesiones inquisitoriales transmitidas por televisión donde se juzgaba en vivo y en directo a un anfetamínico Gaines (creador también de la satírica y demencial «MAD») y quema de revistas y prohibición de su venta y casi la destrucción de la industria transcurrieron apenas unas pocas viñetas.


Malos tiempos para ser raro

David Hajdu (New Jersey, 1955) cuenta esa historieta en este exhaustivo pero apasionante «La plaga de los comics» (Es Pop ofrece en su «web» edición potenciada con el complementario catálogo de portadas «Los comics de la plaga» a cargo de Óscar Palmer). Profesor de periodismo en la Columbia University -quien ya dedicó libros al «jazzman» Billy Strayhorn, a la prehistoria de Bob Dylan y su relación con las hermanas Báez y Richard Fariña, y al poder de ciertas canciones-, Hajdu es un especialista en la exploración de los pliegues más secretos en los Grandes Temas. Así, aquí descubre y reivindica a las víctimas creadoras y menos conocidas de la caza de brujas de entonces. A la vez que rescata la figura de la casi secreta Janice Valleau Winkleman, una de las pocas mujeres en un elenco de machos delirantes.

Lo sucedido entonces fue algo -explica Hajdu- «tan triste como extraño». «Eran malos tiempos para ser raro», comenta uno de los dibujantes entrevistados por el autor. Pero enseguida, claro, los raros acabaron ganando la guerra con la llegada de los mucho más transgresores y psicodélicos años 60. Antes de todo eso -puntuado por onomatopéyicos EYYYYYYYYYARGH!s-, he aquí el diario de batalla de lo que fue según Hajdu «uno de los más encarnizados conflictos entre la juventud americana y sus padres». Tiempos en que un «Help! Help!» brotaba de los labios de una joven semidesnuda manoseada por un zombi. Pedido de auxilio que poco tiempo después saltaría a las gargantas de todos aquellos que cantaban «Help!» junto a unos hoy inmortales The Beatles.

jueves, 11 de abril de 2019

Tintín, el reportero más famoso del cómic, vive también sus aventuras en aragonés


Las peripecias del reportero más famoso del cómic, nacido en 1929, se pueden leer en más de 110 idiomas. Desde los más populares, como el francés (su lengua original, ya que el personaje es belga), el español o el inglés, hasta otros con muchos menos hablantes, como el luxemburgués, el feroés o, incluso, el latín. Pero han tenido que pasar 90 años para que Tintín y los otros personajes que le acompañan en sus aventuras se lancen a charrar en aragonés.

‘As choyas d’a Castafiore’ (‘Las joyas de la Castafiore’, en castellano) se presenta hoy en la librería Milcómics de Zaragoza (avenida de San José, 15). Se trata de una traducción que se publica junto a las de otras cinco lenguas españolas: el gallego, el aranés, el castúo (dialecto extremeño), el valenciano y el vasco.

Detrás de esta publicación está el afán de promover una lengua que está en grave riesgo de desaparición. "Es muy importante para la visibilidad del aragonés el hecho de que un cómic internacional como este, traducido a más de cien lenguas, también esté en este idioma", explica Chusé Aragüés, que se ha encargado de la traducción.

Asín y Acín
La tarea no ha sido sencilla para Aragüés –que intervendrá en la presentación de esta tarde del álbum–, a quien la idea ya le rondaba por la cabeza "desde hacía muchos años". "Es un cómic que tiene mucha ironía. A la hora de traducir, tienes que encontrar las palabras adecuadas y mirar que coincidan, sobre todo, con su espíritu", explica.

La traducción la ha realizado directamente desde el francés belga original de Hergé al aragonés, empleando como referencia y apoyo las ediciones previas en español y en catalán. "La traducción en cada uno de ellos es muy diferente, aunque en todos se diga lo mismo", asegura Aragüés.
La fonética, por ejemplo, es especialmente relevante en esta obra, ya que Hergé la empleaba como divertimento en sus cómics. Así, los nombres de los inspectores Dupont y Dupond son causales y no casuales, ya que se busca un sonido prácticamente idéntico en sus apellidos. ¿Cómo se ha resuelto este juego en otros idiomas? En inglés, retirando una consonante: Thomson y Thompson. En alemán, añadiendo otra: Schulze y Schultze; y en español, cambiando una letra que no suena por otra que sí lo hace: Hernández y Fernández. Y en aragonés son Asín y Acín. "Son dos apellidos y también dos pueblos. Cada lengua tiene su forma de traducirlo, aquí buscábamos la mínima variante entre ambos", cuenta el traductor.

En cuanto a las variaciones del aragonés y a la estandarización de la lengua, Aragués sostiene que no le ha resultado un problema, ya que "apenas se emplean dialectismos" en este ejemplar y se ha intentando utilizar "el aragonés más extendido". "Si hay una expresión que se dice en todos los sitios, empleamos esa", aclara.

El tebeo es una de las vías de entrada a la lectura por excelencia. De ahí la importancia de que también haya ejemplares en aragonés de esta rama de la literatura. Para Daniel Viñuales, editor de GP Ediciones, esto es "fundamental". "Para la gente que no está acostumbrada a leer, o para los niños que está empezando, el cómic es una muy buena entrada para el mundo de la lectura", explica.

‘As choyas d’a Castafiore’ está editado por Zephyrum Ediciones y Trilita Ediciones, pero ha sido corregido por la aragonesa Gara d’Edizions, mientras que GP Ediciones, editora de la Comunidad especializada en el género, ha participado en las "negociaciones", como explica Viñuales, con los herederos de Hergé para que esta aventura vea la luz.

¿Tendrá continuación?
"Que ellos hayan decidido apostar por el aragonés me parece que demuestra que el trabajo se hace con seriedad. Está muy bien conseguir este tipo de reconocimientos. Si no hubiera detrás una gramática consolidada y un trabajo sobre el idioma, no lo habrían permitido", explica el editor, en referencia a la labor de la Dirección General de Política Lingüística de la DGA en este campo. Su director, José Ignacio López Susín, además de él mismo, estará hoy en la presentación de ‘As choyas d’a Castafiore’.

Si la experiencia tiene éxito, quién sabe qué otros personajes de cómic hablarán en aragonés. Astérix y Obélix son serios candidatos, aunque Viñuales tiene claro su favorito. "Cualquiera de los de Francisco Ibáñez. ‘El sulfato atómico’ es el cómic que más me gusta".

miércoles, 10 de abril de 2019

Astérix regresa de la mano de una joven rebelde


El 38º álbum del mayor éxito de la historieta francesa tiene nombre: “La hija de Vercingetorix”, presentado a la prensa este miércoles viene como de costumbre envuelto en el secretismo de su editorial, Albert-René, filial de grupo Hachette Livre.

De la nueva entrega ha trascendido que, como en las tres últimas oportunidades, estará firmada por el dúo Jean-Yves Ferri (guion) y Didier Conrad (dibujo), que intentan suplir el genio de los autores originales, René Goscinny y Albert Uderzo.

En esta oportunidad, la trama se centra en la adolescencia. "Mostrar a un adolescente en el universo Astérix es algo nuevo", declaró Jean-Yves Ferri a AFP. Entre los pocos adolescentes que aparecen en álbumes anteriores, los especialistas en la obra creada hace 60 años por Goscinny y Uderzo recuerdan a Goudurix, un adolescente temeroso y perezoso cruzado en "Astérix y los Normandos".

"Es una adolescente en rebelión. Todo comienza con su misteriosa llegada al pueblo... Se podría pensar que los galos del pueblo de Astérix eran los más resistentes de toda la Galia, pero en realidad no, hay incluso más resistentes que ellos y es hija de Vercingétorix", explica Jean-Yves Ferri.

Vercingétorix es el histórico líder que supo unir a las distintas tribus galas para enfrentar a Julio César, quien lo derrotó en Alésia (52 a.C.) antes de ejecutarlos. Los hijos de Vercingétorix fueron criados luego como romanos.

El tema del libro "es la resistencia mezclada con la adolescencia... y la adolescencia no es muy sencilla....". “La hija de Vercingétorix tiene un carácter adolescente y tiene problemas para llamarse a sí misma como se le llama", continúa.

La niña llegó al pueblo escoltada por dos guerreros arvernos, uno de los cuales llevaba un cartel de jabalí, la famosa bandera de guerra característica de las tribus galas. Incluso en Astérix y Obélix ("a donde no llegó por casualidad"), la adolescente no está a salvo. "Esta pobre chica de Vercingétorix es necesariamente objeto de la codicia romana. A César le interesa que desaparezca toda la posteridad del luchador de la resistencia gala", confiesa Jean-Yves Ferri.

En cuanto a la apariencia de la joven, de la que tampoco se conocer por ahora el nombre, el editor sólo dejó pasar una sombra de la adolescente. Podemos ver la silueta de una joven delgada con una larga trenza que termina en un nudo y lleva una espada en el costado izquierdo.

"Lleva un signo distintivo, una joya gala, que es quizás una especie de herencia de su padre. Este es el símbolo que César quiere encontrar", revela Jean-Yves Ferri.

Es fácil suponer que los oscuros diseños de César serán contrarrestados por Astérix y sus compañeros, aunque el guionista no diga demasiado sobre la trama de este álbum, que se imprimirá en más de 5 millones de copias y se lanzará en más de 20 idiomas.

El lanzamiento de un nuevo álbum de Astérix sigue siendo un fenómeno en el mundo editorial. Ningún otro libro tiene una circulación tan grande en el mundo francófono.

Cada nuevo álbum de Astérix (hay un nuevo título cada dos años) ha vendido al menos 2 millones de copias en Francia y casi el mismo número en Alemania porque, desde su creación, Astérix ha sido casi tan popular en Alemania como en Francia.

Desde su creación en 1959, se han vendido 380 millones de discos en todo el mundo. Los álbumes han sido traducidos a más de cien idiomas.

martes, 9 de abril de 2019

Paco Roca: "El cómic es el medio audiovisual más rico"


El escritor e ilustrador Paco Roca, Premio Nacional de Cómic 2008, afirma que la novela gráfica es el medio audiovisual "más rico" al tener la ventaja de la imagen sobre las novelas tradicionales, ser más pausada y permitir más reflexión que el cine, aunque en los tres formatos se pueda contar la misma historia.

Roca (Valencia, 1969) ha hecho esta reflexión en una entrevista con EFE en Cartagena, donde este martes y miércoles participa en varios encuentros con lectores de su cómic "Los surcos del azar", finalista del Premio Mandarache de fomento de la lectura, que este año está dedicado a la novela gráfica.

Con esta obra, que recupera la historia de un republicano que, tras la guerra civil, combatió en África y Europa contra las tropas de Hitler, ganó el Premio Zona Cómic al Mejor Cómic Nacional en 2013 y en 2014 se hizo con el Gran Premio Romics de Roma, el Premio a la Mejor Obra de Autor Español en el Salón Internacional del Cómic de Barcelona, y el de la Crítica a la Mejor Obra y Mejor Guionista Nacional.

Roca se interesó por ese tema que, como en todas sus obras, abordó "desde el desconocimiento", porque su objetivo al escribir historietas es "recorrer un camino hasta aprender algo" y "no dar nada por supuesto" porque en este tipo de literatura, ha asegurado, "no hay normales, todo vale y es posible replantearse por completo el propio lenguaje".

En su opinión, el cómic es uno de los medios audiovisuales más ricos porque permite contar cualquier historia "con total libertad" y sin la dependencia económica que suponen otros medios de ese tipo, como el cine.

Roca conoce bien ambos ya que en 2012 el director Ignacio Ferreras adaptó a la gran pantalla su cómic "Arrugas", con el que ya había ganado el Premio Nacional de Cómic en 2008 y que aborda el tema del alzhéimer.

La adaptación a película de animación se hizo con dos premios Goya al Mejor Guión Adaptado y Mejor Película de Animación.

El autor ha explicado que cuando Ferreras buscaba financiación para esa obra, el tema "espantaba" a los posibles productores y hacer la película habría sido imposible pero, contar con un cómic previamente en el que ya se apuntaba al resultado final y que pudo publicarse con muy pocos medios y un coste bajo ayudó a encontrar la financiación necesaria.

Además de esa ventaja respecto al presupuesto, Roca cree que el cómic permite, a diferencia del cine o los documentales, una reflexión más pausada y profunda de los temas que aborda porque permite parar al lector en cualquier momento, releer o buscar nueva información.

Con respecto a la novela tradicional, el cómic tiene la ventaja del elemento visual, que ayuda a entender mejor las historias, ha apuntado.

Precisamente por ese elemento, la novela gráfica atrae también en ocasiones a un público que, de entrada, rechaza la literatura, por que suele ser más accesible, por ejemplo, para los jóvenes.

No obstante, Roca ha rechazado que el cómic sea "la puerta de entrada" a otro tipo de lecturas, porque la novela gráfica "tiene un valor literario en sí mismo".

"Sería como decir que el único valor que tiene la película de 'Guerra y paz' es que te entren ganas de leer a Tolstoi. El cine tiene un valor en sí mismo y el cómic, también".

Roca es el último de los finalistas de esta edición del Premio Mandarache en pasar por Cartagena tras los encuentros de los lectores con Isaac Rosa y Mikko ("Tu futuro empieza aquí") y Rayco Pulido ("Lamia).

Los lectores de las tres novelas gráficas tendrán ahora que votar por su favorita del 22 al 25 de abril y esos votos, sin intervención de ningún jurado profesional, serán los que decidan el autor ganador, que recogerá su premio el próximo 8 de mayo en una gala que se celebrará en el auditorio El Batel de Cartagena.

lunes, 8 de abril de 2019

El País:El cómic para aprender historia que triunfa y ninguna editorial quiso antes


A Pedro Cifuentes siempre le gustaron los cómics. Cuando se dedicaba al diseño gráfico no se alejaba mucho de la materia y, hace 10 años, tras aprobar las oposiciones como profesor de Secundaria empezó a pensar en cómo utilizar el cómic como herramienta para facilitar el aprendizaje. Concibió el proyecto de utilizar todo el potencial de las viñetas como herramienta educativa en la enseñanza de la historia del arte. El autor promovió su idea en el ámbito editorial, pero la respuesta que obtenía de los sellos más especializados en educación no era muy alentadora: “Demasiado cómic”, le decían. Y las editoriales del género la consideraban “demasiado didáctica”.

De modo que este profesor de Ciencias Sociales del centro Miquel Peris i Segarra de Castellón decidió apostar por la autoedición con la ayuda del micromecenazgo. “Pedía unos 4.000 euros en 40 días en Verkami para garantizar costes de impresión de tirada y en 48 horas se triplicó la cifra. La edición reducida de 250 ejemplares para profesores que había pensado se transformó en una de 1.500 ejemplares que hoy está completamente agotada".

El primer volumen de Historia del arte en cómic. El mundo clásico, dedicado a Roma y Grecia, salió en mayo del pasado año y fue un éxito inmediato e inesperado. Su difusión por las redes sociales fue clave también. “Me han pedido el libro desde países como Argentina o Chile”, comenta este profesor de Burriana de 43 años, Premio Nacional de Educación para el Desarrollo 2010 y autor de webcómics Masquemascotas y En clase no se dibuja.

Tuvo tanto éxito que llamó la atención de la editorial Desperta Ferro. Este sello especializado en temas de historia volverá a editar el primer volumen de la obra de Cifuentes, que consta de un centenar de páginas, el próximo mes de mayo y le ha encargado cinco más para completar la historia del arte hasta la actualidad. El cómic está protagonizado por un profesor que imparte clase a cinco o seis alumnos que recorren el arte antiguo gracias a la magia de las viñetas. Pasan de una a otra, de las ruinas al esplendor de un antiguo coliseo romano, por ejemplo. El tebeo y el material didáctico están pensados fundamentalmente para alumnos de Primero y Segundo de ESO, de 11 a 13 años.

    

Valorar el patrimonio

“El tebeo te permite fabular mucho con la imaginación y además te facilita la enseñanza de arte en Secundaria. Por cierto, no es de recibo que, en todo el currículo, la asignatura de arte solo esté presente en segundo de Bachillerato. En Sociales, vemos cómo a los chavales les cuesta entrar en el arte, pero el cómic lo facilita todo. Les sirve para valorar el patrimonio y aprender al tiempo que disfrutan”, señala el profesor, autor tanto de los dibujos como del guion.

La idea de la aplicación práctica del cómic a la enseñanza se le ocurrió mientras estaba preparándose las oposiciones. “Me di cuenta de que no tenía una pizarra sino unas viñetas cuando estudiaba las unidades didácticas. De modo que se puede decir que llevo cristalizando el proyecto desde hace 10 años”, explica. Su proyecto también se estudia en la Cátedra dedicada al cómic que, dirigida por el crítico Álvaro Pons, acaba de poner en marcha la Universitat de València en colaboración con la Fundación SM.

El autor hace una vehemente defensa del cómic como instrumento educativo: “Yo lo escribo todo con cómics. Los alumnos exponen sus temas mediante dibujos y cómics y deben defenderlos también oralmente, por lo que se trabaja mucho la oralidad y la creatividad. Ellos mismo han de desarrollar sus historietas, con un trabajo interactivo. Muestran mucho interés por todo lo que tiene que ver con la imagen. Hay que recordar que el 80% de los estímulos que recibe un alumno es visual. Es curioso, a la generación que más escribe y lee todo el santo día con el WhatsApp le cuesta mucho entrar en una novela e incluso también en el cómic, muchas veces hasta que lo descubren”.

Su enseñanza se ha centrado sobre todo en 1º de ESO, circunscrita al ámbito de Sociales, a Historia del Arte, concretamente, aunque también la ha empleado en Geografía. “Pero si las cosas funcionan bien, el futuro es abrir esta dinámica a otras asignaturas. El lenguaje del cómic y su creatividad facilitan la enseñanza y aumentan el interés del alumno”, sostiene Cifuentes.


viernes, 5 de abril de 2019

Stan Lee y Corto Maltés, estrellas de Comic Barcelona


Año de cambios para el Salón del Cómic de Barcelona. Para empezar, cambia su nombre: a partir de ahora se llama Comic Barcelona. Y la edición que abre hoy, la número 37, sólo dura tres días en vez de cuatro, para concentrar esfuerzos.

Además, hay una renovada apuesta por el área profesional, que contará con editores internacionales en busca de talento local. En total, hasta el domingo estarán abiertos 52.000 metros cuadrados en los pabellones de la Fira de Barcelona de Montjuïc, que contarán con la presencia de dos mitos del cómic como Milo Manara y Daniel Clowes.

El nuevo Comic Barcelona tiene tres grandes apuestas expositivas. La mayor, una amplia muestra que homenajea al desaparecido Stan Lee y revisa su enorme influencia en el mundo del cómic. Creador junto a otros grandes como Steve Ditko y Jack Kirby de superhéroes como Spiderman, Los 4 Fantásticos, Hulk o Los Vengadores, la exposición recuerda que fue el primero en atreverse a publicar un cómic sin la censura de la Comics Code Authority (CCA).

Los especialistas de la época asociaban la delincuencia juvenil con la influencia de los tebeos y las editoriales crearon una comisión que tenía que aprobar los temas y poner su sello en portada. Paradójicamente, cuando a Lee le pidió el gobierno que abordara en sus cómics el problema de la droga, la CCA no le quiso dar el sello debido al tema. Lee se lo saltó con éxito.

La segunda apuesta expositiva de Comic Barcelona está fuera de su recinto, aunque cerca: en el MNAC. El museo expone originales de las nuevas aventuras de Corto Maltés, el mítico personaje de Hugo Pratt que ha vuelto a la vida gracias al dibujante Rubén Pellejero y el guionista Juan Díaz Canales. Una pequeña muestra en la que además de dibujos y storyboards se pueden descubrir anécdotas como que el álbum Bajo el sol de medianoche tenía como título de trabajo Las yu­konianas.

Y para acabar, de nuevo en la Fira, hay una exposición tan potente como Vibraciones underground: interferencias entre cómic y rock , que explora cómo cómic y música se han nutrido mutuamente. El impacto del cómic underground en los sesenta hizo que Robert Crumb ilustrara la portada del álbum Cheap thrills, de la banda encabezada por Janis Joplin Big Brother The Holding Company. Crumb dividió la fascinante portada en viñetas que explicaban cada canción. Es el inicio de un recorrido por portadas de discos que pasa por el punk y la psicodelia. También se muestran cómics con bandas musicales. Una de las portadas de discos expuestas une, y no positivamente, a Nazario y Lou Reed. Nazario le regaló al que fuera líder de la Velvet underground una revista en cuya portada le dibujaba en actitud desafiante con un muro detrás y basura volcada al lado. Reed, sin decirle nada, la usó como portada de un disco. Pleitearon dos décadas. Comic Barcelona contará también con muestras de los ganadores de los premios del Salón del año pasado, desde Laura Pérez Vernetti a Ana Penyas y Ángel de la Calle.

Corto Maltés en el MNAC


Está a un tiro de piedra del recinto del Cómic Barcelona, que abre sus puertas este viernes hasta el domingo. Subiendo por la avenida de Maria Cristina y cruzando la Font Màgica se alza el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), este año, de nuevo, una extensión del salón. En una de sus salas, hasta el 21 de abril, navegará uno de los marineros más famosos de la historieta, Corto Maltés, el aventurero creado por Hugo Pratt en 1967. Lo hará de la mano de sus nuevos autores, el guionista Juan Díaz Canales (‘Blacksad’, premio Nacional 2014) y el dibujante Rubén Pellejero (‘Dieter Lumpen’), que en el 2015 asumieron con éxito el reto de seguir dando vida al personaje, con ‘Bajo el sol de medianoche’ y 'Equatoria' (Norma).

Codeándose con las obras del románico o con las piezas de la muestra temporal de Antoni Miralda que inaugurará este viernes el MNAC, el propio Pellejero enseñaba ya este jueves, más de 20 de sus originales de Corto Maltés, por primera vez expuestos en la ciudad, junto a un despliegue de imperdibles bocetos y dibujos previos y de guiones preparatorios.

El cómic es un arte y debemos promover su entidad cultural”, opina Meritxell Puig, directora del Cómic Barcelona. Por ello desde la organización, Ficomic, trabajan para hacer realidad otras citas con la historieta más allá de los días del salón. De ahí un acuerdo con el MNAC, con quien ya han cerrado otra exposición para junio, la que celebrará los 40 años de ‘El Víbora’, icono del ‘underground’, y, desvela Puig, con quien están cocinando una tercera muestra de la que guarda, por ahora, los detalles.

“Estamos hablando o vamos a hacerlo también con el Macba, CaixaForum, el Arts Santa Mònica, con la red de bibliotecas públicas... porque queremos que Barcelona respire cómic a lo largo de todo el año y queremos ayudar a organizar cosas que tengan que ver con él, a hacer que el cómic crezca. El cómic debe estar vivo”, añade con un ojo puesto en Madrid, donde lugares como el museo Abc, el Prado, el Reina Sofía o el Círculo de Bellas Artes vienen normalizando y acercando el mundo de la historieta al ciudadano desde espacios culturales, o en València, con la importante labor del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) y donde Álvaro Pons dirige la primera cátedra universitaria de cómic.

En Catalunya, tras 13 años, sigue abandonado el proyecto del museo del cómic en el que la Generalitat siempre se ha escudado en la falta de presupuesto para no seguir adelante con él, mientras el edificio que debía albergarlo en Badalona, la antigua fábrica CACI, sigue cerrado y el gobierno municipal busca inversores para mantenerlo en condiciones. Ante la falta de implicación de las administraciones, que precisamentge denunciaba hace pocos días Sergio Escobar, nieto del dibujante Josep Escobar, creador de Zipi y Zape y Carpanta, la iniciativa privada se mueve. Este año abrirá un museo del cómic en Sant Cugat, impulsado por Paco Baena y José Luis Villanueva, que además del edificio aportan sus propias colecciones.
Espónsors privados

También Puig se plantea recurrir a espónsors privados para materializar la tercera exposición prevista con el MNAC. El presupuesto del Cómic Barcelona de este año es de poco más de un millón de euros y las subvenciones públicas (de Generalitat, Ayuntamiento de Barcelona, Ministerio de Cultura, Institut Ramon Llull y Acción Cultural Española), detalla, solo representan el 10%, cuando habían llegado al 15%.

“Teniendo en cuenta que Barcelona tiene una gran cantera de autores, editoriales muy importantes y que es historia del cómic, y que es una ciudad con tantos visitantes de fuera, hay que buscar fórmulas para posicionar el cómic español a nivel internacional”, opina la directora del salón.

jueves, 4 de abril de 2019

Milo Manara, leyenda del cómic erótico: "El culo femenino me recuerda la perfección del universo"



Antes de que el edredoning llegara a nuestras vidas, de que los tacones de aguja se colasen en la información del tiempo y de que las influencers pusieran morritos; antes de todo eso, Milo Manara ya había excitado a unas cuantas generaciones de lectores, confirmando que el mejor artefacto para despertar la sensualidad... es un lápiz. «Dibujar es muy parecido a hacer el amor, porque supone apropiarse de cada milímetro de un cuerpo», confiesa el legendario historierista italiano, que ha esbozado a cientos de mujeres (Jolanda de Almaviva, Claudia Cristiani, Sandra F., Miele...) con la finezza de un cartógrafo.

El maestro del cómic erótico cumple ahora 50 años de carrera, y su trazo esbelto puede disfrutarse bien como vestigio de un tiempo en el que un pezón al aire no equivalía a escándalo, bien como enmienda a esta era de ultracorrección política.

«Creo que es inevitable que se produzca una vuelta a la censura. Veo una recesión que se explica por la tendencia de los medios de comunicación a ser globales y buscar audiencia en países en los que la sensibilidad es diferente a la nuestra», comenta el autor en conversación telefónica desde su estudio, un antiguo palomar desde el que divisa los tejados de Verona.

Allí, Manara (73 años) despacha como puede las entrevistas y homenajes que estos meses le alteran su rutina frente a la página en blanco. En diciembre la galería El Arte del Cómic organizó su primera exposición en Madrid; en enero el festival BD de Angulema -meca del tebeo en Europa- le dedicó una gran retrospectiva. Y este mismo fin de semana el Salón de Barcelona le acoge como invitado.

Lo virtual ha desplazado a lo corpóreo en este mundo lleno de pantallas. ¿Cómo se maneja usted?
Vivimos en una sociedad extraña en la que tocar se ha convertido casi en un tabú. Me parece una paradoja.

Asegura que lo más difícil de dibujar en una mujer desnuda es la mirada. ¿Por qué?
Porque todo el secreto del erotismo está en los ojos. Son la inteligencia, la seducción. Siempre que dibujo una mujer vista desde atrás intento que su cabeza esté ligeramente girada para que al menos se le vea un ojo. La mirada es fundamental.

En la saga El clic, publicada a partir de 1984 (Norma Editorial), el visionario Manara imaginó cómo un chip cerebral activaba el deseo sexual de una muchacha. Así se convirtió en superventas internacional este hijo de la posguerra nacido en la frontera de Italia con Austria. Un tipo excepcionalmente dotado para las artes plásticas que primero había trabajado como asistente del escultor español Miguel Ortiz Berrocal, cuya esposa le descubrió a Barbarella y otros hitos comiqueros, y después se matriculó en la carrera de Arquitectura.

Entonces, años 70, cuando en la universidad se alternaban Roland Barthes y la ayahuasca, su producción se ensanchó hacia lo político. Como estudiante-activista firmó carteles para el grupo socialista Milagro y alguna denuncia sobre los abusos del capitalismo en la serie Il Montatore.

¿Qué le atrajo entonces del formato póster?

El hecho de que podía tener, digamos, un papel activo en la sociedad. Me daba la impresión de que lo que hacía como pintor no le interesaba a nadie, que el arte era un espacio aislado. En cambio, como dibujante de pósters -o de cómics- me podría ver o leer cualquiera.

¿Volvería a hacer ese tipo de trabajos en la Italia de la Liga Norte y el Movimiento Cinco Estrellas?

Ahora la sátira política ha sido superada por la realidad. Se hace sola.

Diseñador de cascos para el piloto Valentino Rossi y creador invitado en el universo de los X-Men, Manara no sólo se ha interesado por los secretos de la anatomía femenina. También se ha dejado llevar por la aventura clásica (HP y Giuseppe Bergman), las intrigas históricas (Los Borgia, Caravaggio) y el poder de manipulación de la tele (Revolución). Ahí quedan colaboraciones con otros gigantes como Federico Fellini, al que acompañó en sus tres últimos rodajes, Alejandro Jodorowsky o Hugo Pratt, su mentor y amigo.

El padre del marino Corto Maltés le escribió el guión de dos de sus títulos más destacados: Verano indio y El gaucho. Pratt abordó una y otra vez el encuentro entre civilizaciones.

  ¿Qué cree que pensaría sobre lo que está pasando con los inmigrantes en el Mediterráneo?

Vería que el mundo, tal y como está, no puede seguir avanzando. Gente que arriesga la vida para llegar a Europa, que atraviesa a pie Centroamérica para llegar a EEUU... Es un mundo insostenible. Hay falta de confianza en la manera de afrontar el futuro. Ya no lo esperamos con alegría y serenidad, sino casi con miedo. El fenómeno de la emigración es el resultado de la desigualdad. La sociedad está gestionada por el dinero, y necesitamos que la gestionase la política, pero no tiene la fuerza que haría falta, al menos en el ámbito continental. La política en Europa no existe.

Y aquí volvemos a lo más curvilíneo de su bibliografía, a sus vecinitas retozonas y como creadas por un dios lujurioso. Manara matiza que su intención siempre ha sido mostrar los efectos sociales del erotismo, no los aspectos privados. «De hecho, nunca he dibujado a dos personas haciendo el amor», ha dicho alguna vez.

¿Le han criticado muchas veces por machista?

He tenido desencuentros con colectivos feministas, sí, pero han terminado bien. Me daba miedo cuando empezaban una campaña en mí contra, pero el mensaje final que me han hecho llegar es que el erotismo también les gusta a ellas.

¿Se ha planteado dibujar también hombres desnudos?

Los he dibujado cuando la historia lo requería. Por ejemplo, en Los Borgia y en otras ocasiones. Pero debo decir que encuentro mucho más fascinante dibujar el cuerpo de la mujer. Por ejemplo, hablando del culo: está claro que dibujar un culo femenino es más fascinante que uno masculino. Lo encuentro de una perfección absoluta. Me recuerda a la perfección del universo.

miércoles, 3 de abril de 2019

Comic Barcelona inaugura una nueva etapa con aire renovado e integrador


El cómic en España pasa por un buen momento editorial en autores, géneros, a pesar de la fuerte competencia del sector del ocio derivada del auge de las plataformas digitales, reconoce Meritxell Puig, directora de Comic Barcelona, la cita que se inaugura este viernes con aire renovado e integrador.

El primero y más llamativo de ellos, el cambio de nombre -atrás queda el poco comercial "Salón Internacional del Cómic de Barcelona"- con el que la organización quiere "darle una entidad y modernizar su perfil", asegura Puig en una entrevista a EFE.


"Era complicado comunicar con un nombre tan largo; de hecho mucha gente se confundía y acababa llamándolo FICOMIC que es la entidad organizadora (Federación de Instituciones Profesionales del Cómic)", explica la directora sobre este cambio que quiere servir también como "punto de inflexión" y de guiño al nuevo cómic.

En el fondo, recalca Puig, que lleva un año en el cargo tras sustituir a Carles Santamaría, se trata "de modernizar y dar un aire nuevo a esta etapa integradora, más dedicada al sector profesional y que quiere además atraer a nuevos aficionados, sin olvidarse de los visitantes fieles que son los lectores habituales".

En esta línea de facilitar experiencias a los asistentes -108.000 personas en 2018- en la edición número 37 que comienza el viernes, se ha reducido de cuatro a tres las jornadas del certamen, para que las actividades estén concentradas. "Con tres días entendemos que es suficiente, si concentramos el programa el público puede participar de forma más activa", argumenta la directora.

Comic Barcelona ocupa este año 52.000 metros cuadrados, con un aumento de un 7% de los expositores, y con un programa que incluye una docena de exposiciones -la más destacada la dedicada a Stan Lee- masterclass, talleres, conferencias, y las tradicionales firmas y contactos entre los lectores y sus autores favoritos, una larga lista entre la que destaca Milo Manara o Daniel Clowes.

La de Barcelona es la principal cita del sector en España, y su intención es "abrirse más", ser cada vez más ese es punto de encuentro de la profesión (se ha incrementado Comic Pro, centrado en el ámbito profesional) y dar cabida a todas la editoriales que el nuevo cómic esté presente (a través del espacio Alter CómicBarcelona, dirigida a nuevos proyectos).

La responsable del Salón subraya que el cómic es una herramienta pedagógica muy buena para iniciarse en la lectura o "para tratar temas difíciles" y que al igual que trabajan con la Generalitat para introducirlo en las aulas, les gustaría que centros docentes de toda España se sirvieran de esta disciplina que aborda asuntos de todo tipo, desde historia, literatura, naturaleza o asuntos sociales.

Puig remarca que el cómic en España vive un buen momento. "Las ventas crecen, los jóvenes están interesados, y esto es lo que hay que aprovechar, seguir promocionando, para que autores y editoriales tengan más oportunidades"

"Es verdad que se publica bastante, pero en Francia se publica muchísimo más, aunque, no hay que olvidar, que su cultura de cómic es mayor. La idea es que cuanto más público tengamos más fácil será incrementar las rotaciones de novedades, pero todo requiere tiempo, que el lector general sea consciente de los nuevos géneros, que dan una mayor potencialidad", precisa la directora.

Como responsable de FICOMIC, Puig es también la directora del Salón del Manga, un evento que nació como el "hermano pequeño", pero que con 24 ediciones a sus espaldas es ya un fenómeno que supera en visitantes a Cómic Barcelona, sobre todo del público más joven, ese comprendido entre los 15 y los 26 años.

"El del Manga es el gran acontecimiento del año para aficionados de toda España. Pero no es comparable a Comic Barcelona porque este salón es un festival del manga, de la animación, del cosplay, de la cultura japonesa en general. Un evento que sus seguidores esperan porque es el punto de encuentro una vez año. Es su momento en el que se pueden expresar", argumenta la directora de ambos certámenes.

El otro reto que tiene el cómic es la competencia ante la diversificación del ocio, sobre todo de las plataformas on line (series, videojuegos), a las que las nuevas generaciones dedican muchas horas.

"Creo que es algo complementario, sobre todo en las nuevas generaciones digitalizadas, que viven con total normalidad combinar su tiempo", comenta Puig sobre este trasvase temático, en el que series, películas, videojuegos y cómics, viven en mundos entremezclados.