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martes, 29 de septiembre de 2020

El Torres y Guillermo Monje, primeros invitados del Festival de Cómic Europeo


 El Festival de Cómic de Úbeda anuncia hoy a dos de los cuatro invitados que tendrá el evento en su octava edición.Este año, y como ya se anunció hace una semana, el evento tendrá un formato más reducido y algunas de sus actividades estarán repartidas a lo largo de lo que queda de año.Eso no quita que los invitados con los que contará la cita estén a un gran nivel.

Por segunda vez en la historia del festival, El Torres volverá a visitarnos y a mantener un encuentro con los aficionados para hablar de sus últimas obras así como de su extensa trayectoria.

El Torres (Málaga, 1972) es uno de los más prolíficos guionistas españoles de los últimos años, su trabajo ha sido publicado en varios países, como Francia, Alemania, Japón y Estados Unidos. En este último, gracias a compañías como Image Comics, IDW Publishing y, desde hace poco, a través de su propia compañía Amigo Comics. Su éxito en cómics de terror con títulos como“El velo”, “El bosque de los suicidas”, “Nancy in hell”, “Tambores” y “Las brujas de Westwood”, entre otros, le han convertido en merecedor de la etiqueta de “Maestro del terror”. Aún así, no le ha temblado el pulso a la hora de cambiar de tercio y ha creado la serie cómica “Bribones” y el thriller psicológico “El fantasma de Gaudí”, por el que ha recibido el premio al Mejor Guionista en el Salón del Cómic de Madrid 2015 y el premio a Mejor Obra Nacional en el Salón del Cómic de Barcelona 2016. En 2017 recibe el premio a Mejor guionista Nacional en laHeroes Comic Con Madrid. Posteriormente ha publicado“Camisa de fuerza” que está siendo llevada a la televisión y “Roman Ritual”. “Goya, lo sublime terrible” es la nueva historia de terror que acaba de publicar, con el pintor Francisco de Goya como protagonista. En la actualidad reside en Málaga.El Torres recibió en 2018 el premio AACE por su trayectoria profesional.


Guillermo Monje, natural de Úbeda, es el segundo de los invitados.Estudió Ilustración y Cómic en la Escuela de Profesiones Artísticas de Madrid (ESDIP).Se tituló como Ilustrador en la Escuela de Arte “José Nogué” de Jaén.Sus obras se mueven entre la ilustración editorial, publicitaria, infantil y ornamental.Con muy buenas ideas para plasmar en el papel, en sus trabajos se observan fuertes lazos entre los dibujos animados, el diseño de lo sutil y un toque de arte “naif”.Sus publicaciones más recientes son “Mundo Urraca” (con guion de Carlos X. Díaz) y “El mejor Gol” (con guión de Rubén Bernabé), ambas publicadas con Sally Books, junto con el fanzine “Presa”, editado por Underbrainbooks. Tambiénha publicado en 2019, con Grafito Editorial,“Viaje a Xambala”.

Guillermo participará en una sesión de firmas especial del evento así como en alguna de sus otras actividades.

Ambos autores estarán presentes el sábado día 10 de octubre en la cita ubetense con el noveno arte.

lunes, 28 de septiembre de 2020

Bases combate de dibujantes


 ¿Estás preparado para demostrar tus dotes artísticas? ¿Crees que eres capaz de vencer a tus oponentes sólo con un lápiz? ¡Pues participa en el Combate de dibujantes!


En varias rondas eliminatorias, los luchadores tendrán que improvisar en base a un tema elegido por el público al azar, con todo tipo de materiales y técnicas, en un formato de 100x70cm.


El público será quien elija al vencedor con una votación… Hasta la ronda final, en la que el ganador se alzará con el primer puesto, ¡y un premio sorpresa!


Para participar, sólo tienes que escribir al correo: ubedabaezacomic@gmail.com, con tu nombre completo, número de teléfono y un correo electrónico, y presentarte el día y la hora que estipule la organización.


¡QUE COMIENCE LA LUCHA!

BASES DEL COMBATE DE DIBUJANTES:

1.    Los participantes deberán ser pares para las rondas.


2.    El tiempo de realización de los dibujos será de mínimo 10 minutos, y máximo, 30 minutos, según estipule la organización.


3.    Se puede utilizar cualquier técnica o material, que deberá aportar el dibujante, aunque la organización prestará algunos básicos (lápiz, rotulador grueso, goma, papel, soporte…)


4.    El formato será  de 100 x 70 cm.


5.    El público escribirá los temas en un papel que se le dará al principio de la actividad. De estos temas, se cogerá uno al azar, y en base al elegido, tendrán que hacer un dibujo los participantes.


6.    Cuando el tiempo toque a su fin, el público votará a mano alzada el dibujo que más le haya gustado. El ganador pasará a la siguiente ronda.


7.    El ganador final se llevará un premio (lote de cómics, productos del artistalley o zona comercial, etc).


8.    Mientras dibujan, habrá música para animar la actividad, y un presentador que comentará el combate, además de presentar a los participantes, y encargarse de interactuar con el público.


9.    Los participantes deberán apuntarse al menos con 24 horas de antelación a través del correo electrónico del Festival de Cómic Europeo.

sábado, 26 de septiembre de 2020

¿Qué documento histórico es visto como el cómic erótico más antiguo?


 Aunque los cómics tal y como los entendemos hoy en día nacieran a finales del siglo XIX, las historias ilustradas vienen de mucho más lejos. Ya en el antiguo Egipto, incluso en las mismas tumbas de los faraones, como la del gran Tutmosis III, aparecen grandes tiras envolviendo las paredes con dibujos esquemáticos que relatan historias dividas en escenas, con textos intercalados incluidos. Nihil novum sub sole, como dirían los romanos, a lo que también se puede aplicar en el interés que siempre ha suscitado el sexo.

A principios del siglo XIX, un obrero que excavaba en Deir el-Medina, el poblado donde vivieron los trabajadores que construían y decoraban los hipogeos del Valle de los Reyes hacia 1500 a C, se llevó una buena sorpresa. En el interior de un jarro había un papiro hecho añicos pero no lo suficientemente estropeado para que hubiesen desaparecido totalmente unas sorprendentes ilustraciones que fueron catalogadas como indecentes, inmorales y, evidentemente, pornográficas. Esto último saltaba a la vista.

El italiano Bernardino Drovetti, cónsul de Francia en Egipto por orden de Napoleón, incorporó la pieza en su colección particular de objetos faraónicos. La pasión por el antiguo Egipto empezaba a fraguarse. En 1824 su amplia colección fue adquirida por el Museo egipcio de Turín. El maltrecho papiro viajó hacia Italia. Nada más llegar, Jean-François Champollion, el hombre que descifró los jeroglíficos, lo describió como: “una imagen monstruosa, obscena, que me dio una impresión muy extraña acerca de la sabiduría y la compostura egipcia”.

El museo pasó a albergar, pues, un papiro muy incómodo, el pTurin 55001 de su inventario, y que ha acabado siendo conocido como el papiro erótico de Turín. Eso sí, sus responsables se encargaron de que pasara desapercibido y durante décadas se mantuvo bien guardadito en los fondos. Como si no existiera. Algo que, por suerte, ha cambiado.

El papiro, datado entre 1186-1069 a.C y ejecutado por una mano hábil, se encuentra dividido en dos tiras. La superior muestra una divertida sucesión de animales realizando acciones humanas. En la inferior, se despliega casi un tratado de posturas amatorias a través de doce viñetas ilustradas y con comentarios jocosos que casi no se han podido conservar. Como ejemplo, este fragmento de un diálogo según la traducción de 2012, la más moderna, realizada por Brawanski y Fischer-Elfert: “Buena es para ti mi vulva ¡Ven tras de mí con tu /deseo! ¡Oh, tu falo!”.

Existen diferentes teorías sobre el objetivo de este papiro de alta carga sexual. ¿Se trata de una compilación de posturas como el Kama Sutra? ¿Es un divertimento para un particular? ¿Representa una crítica social? De hecho, los dibujos muestran mujeres jóvenes y refinadas junto a hombres mayores que no responden a los cánones de belleza imperantes. Por eso, no se descarta que se trate de un burdel, o casa de cerveza, como se llamaba popularmente en el antiguo Egipto.

La escena principal, la que ocupa la viñeta central, muestra a una mujer en la cama que intenta animar a un hombre tendido en el suelo, desfallecido, incapaz de aguantar el ritmo. Ellas aparecen estupendas y emprendedoras. Ellos, ya algo acabados y ridículos. Los dibujos resultan tan satíricos y humorísticos como cualquier cómic del siglo XXI.

viernes, 25 de septiembre de 2020

'El niño que', el cómic de Juan Berrio que consigue que queramos volver a ser niños


 La imaginación de los niños no conoce límites y está abierta a todo tipo de nuevas experiencias. Eso lo sabe muy bien Juan Berrio (Valladolid, 1964) que vuelve a emocionarnos con la irresistible sencillez de sus historias y sus dibujos en El niño que (Nuevo Nueve), donde repasa algunos momentos de su niñez, que también es la de muchos de nosotoros. Un regreso a una época feliz que logra despertarnos todo tipo de sensaciones de nuestra niñez, incluso olores, sabores.... y que consigue que paremos un momento nuestras ajetreadas vidas y queramos volver a ser niños.

Berrio nos cuenta de dónde surgió la idea y por qué ese título tan curioso: "Parte de una idea antigua que se empieza a concretar cuando me piden que dé una charla para explicar mi trabajo, y yo, más que mostrar este, pretendo explicar cómo funciona mi cabeza ante el hecho creativo. De allí surge una pequeña historia que es el capítulo 2 del libro".

"En cuanto al título, yo, como Luis, el niño protagonista del libro, era un «niño que» no entendía los cuentos de hadas ni los mundos de fantasía, pero que era capaz de inventar entretenimiento sin fin a partir de elementos de lo cotidiano" -añade Berrio-.

Luis, un niño de seis años con una imaginación sin límites

El protagonista de la historia es Luis, un niño de seis años que vive pequeñas aventuras que tratan sobre la fantasía, la imaginación y el ingenio de los chavales de esa dedad. Preguntamos a Berrio si es un trabajo autobiográfico: "Justo lo que acabo de decir sobre mi relación con lo cotidiano es lo que tengo en común con Luis, esto y los lugares de mi infancia. El primer capítulo es un recuerdo de mi padre, en el que cuento cómo acompañarlo a comprar el periódico podía ser toda una aventura. El resto son historias inventadas".

Pero sí hay otras muchas cosas autobiográficas en el cómic: "La historia está ambientada en tres lugares de mi infancia: el barrio de Argüelles de Madrid, la ciudad de Huesca y el balneario de Panticosa. Situar en estos lugares tan míos estas historias setenteras ha sido como jugar en casa, aunque documentar el balneario de aquella época no resulta tan fácil, pues actualmente está muy transformado y muchos edificios ya no existen".

Juan Berrio también comparte una cosa con Luis, el protagonista del cómic: "Confieso que no era un buen lector. De pequeño no tenía facilidad para sumergirme en las historias de los libros, me resultaba más apasionante el vuelo de una mosca. Por lo que sea, no me concentraba o inventaba historias diferentes para los personajes que me presentaban. Pero los libros son importantes en El niño que porque ahora lo son, y mucho, en mi vida, y contienen todas esas historias, las que me llegan y las que no".

"La imaginación de los chavales es la protagonista del cómic"

Pero más que Luis, el verdadero protagonista del cómic es la imaginación de los niños. "Sí, sin duda la imaginación es la protagonista, un tipo de imaginación que yo trato de contraponer a la fantasía heredada -asegura Berrio-. Durante un tiempo viví con el complejo de no entender los mundos de fantasía, ahora afortunadamente lo veo como una peculiaridad mía. ¿Cómo dibujar esa imaginación? Yo he intentado hacerlo a través de las cosas que inventa mi personaje, no sé si lo he conseguido".

Pero... ¿se ha visto afectada esa imaginación de los niños con el exceso de aparatos móvles, películas, series...? "Me resulta difícil saber si ese exceso de estímulos es bueno o malo -confiesa Berrio-. No lo había pensado, pero ahora que me lo preguntas me da la impresión de que muchos de esos mundos propios surgen de las tardes largas de veranos infinitos, en horas al margen de los adultos, algo que reflejo en los últimos capítulos del libro. Tal vez ahora los niños, con tanto estímulo, carecen de la dosis de aburrimiento necesario".

Un dibujo que nos transporta a otra época

Parte de la magia del cómic es el dibujo, aparentemente sencillo, y los colores de Berrio, que nos transportan inmeditamente a otra época más feliz. "En el caso de El niño que no recuerdo el momento en que decidí el estilo, supongo que es un proceso sutil que se va conformando ente bocetos y bocetos en los primeros meses de trabajo. Lo que sí tenía claro es que, aunque el protagonista es un niño, no es un libro infantil".

"Quería que fuera un dibujo de línea -añade-, y tenía especial interés en que los personajes de los cuentos quedaran integrados, en que los lugares fueran reconocibles con los trazos justos, en que los cuadros que cito de pintores clásicos se identificaran pero estuvieran dibujados con mi estilo".

El color termina de completar esa calidez de los cómics de Berrio. "El trabajo del color es parecido al de Siete sitios sin ti, coincide que son también siete capítulos cada uno con su propio color. Quería hacer color directo por varias razones: una, por disponer de originales del libro; otra, para disfrutar del proceso manual y seguir aprendiendo; y la tercera, por salirme de la corriente de color digital, eficacísima y brillante, pero que uniforma un poco los cómics de ahora".

"Es un color de acuarela con dos tonos dominantes en cada capítulo -añade-. En algunos casos son combinaciones de color diferentes a las que me son habituales, que no terminan de armonizar bien, buscando un efecto que cree cierta extrañeza y remita a otra época. He usado una gama más completa para los elementos que surgen de la fantasía del niño protagonista, como en los dibujos que hace este o en los personajes de los cuentos que imagina".

En cuanto al futuro, Berrio nos avanza que: "Trabajo en un proyecto ambicioso y muy personal, un libro infantil de gran formato para la editorial Litera, con la que hice hace un par de años En construcción, que tantas alegrías nos ha dado. Después quiero recuperar a Tristán y Claudia, los protagonistas de mis historietas en La resistencia, Te quiero, Piso el barro… con los que me gustaría hacer un álbum".

jueves, 24 de septiembre de 2020

Inscripciones para el "Callejon del artista" del Festival


 Ya esta abierto el plazo de inscripción para participar en el "Callejón del artista" de la VIII edición del Festival de Cómic Europeo de Úbeda.

Animaros y apuntaros a participar el próximo 10 y 11 de octubre.

miércoles, 23 de septiembre de 2020

El Festival de Cómic Europeo de Úbeda se celebrará finalmente el 10 y 11 de octubre


 La Organización del Festival de Cómic Europeo, tras tener que aplazar el evento el pasado mes de mayo debido a la pandemia, ha decidido ubicar las nuevas fechas del festival el fin de semana del 10 y 11 de octubre. Aunque algunas de las actividades programadas se realizarán durante los meses de noviembre y diciembre. De tal manera que el evento distribuirá su programación a lo largo de los últimos meses del año.

Pero los días centrales serán los anteriormente mencionados, y en esas fechas se concentrará la mayoría de las actividades: varios guionistas y dibujantes del noveno arte visitarán la ciudad de los cerros para que la provincia de Jaén no pierda su cita anual con el cómic.

Lo que se ha presentado en primer lugar, además de las fechas, es el cartel de la nueva edición que ha sido realizado por el ubetense Juan Carlos Quesada. También se ha adelantado que volverá a celebrarse, como viene siendo habitual en los últimos años, en la Plaza de Andalucía, con la instalación de diferentes casetas que acogerán a dibujantes, establecimientos comerciales y talleres y charlas de los que se está ultimando la preparación por parte de la organización. Además y al aire libre si las circunstancias meteorológicas lo permiten tendrán lugar los distintos encuentros con autores así como las sesiones de firmas.

Las actividades programadas para noviembre y diciembre se llevarán a cabo en colaboración con dos librerías ubetenses, “Libros Prohibidos” y “El Agente Secreto”.
Para el Festival la organización tomará todas las medidas sanitarias y de seguridad necesarias procurando un ambiente lo más cercano a la normalidad. El colectivo Cero Culture sigue con su compromiso de apoyo a la cultura, con el valioso respaldo del Ayuntamiento de la ciudad.

La semana que viene se ampliará la información sobre los autores participantes así como las actividades previstas.

martes, 22 de septiembre de 2020

Un cómic del granadino Gabriel Walta inspira la serie 'Bruja Escarlata y Vision' de Marvel


 Ha sido reconocido con dos Premios Eisner, los Oscar del cómic, en la categoría de mejor serie limitada y mejor reedición. También se llevó el galardón a la mejor obra extranjera en el Salón del Cómic de Barcelona en 2017. Hablamos de The Vision, una obra del guionista estadounidense Tom King y el dibujante afincado en Granada Gabriel Hernández Walta. Aplaudido por la crítica y el público, el tebeo aborda la historia de Vision, uno de los personajes del grupo de superhéroes Avengers de Marvel que en las películas ha sido interpretado por Paul Bettany.

El cómic inspira ahora Bruja Escalarta y Vision (WandaVision en inglés), una nueva miniserie de Marvel Studios. La plataforma Disney+ estrenará en exclusiva los nueve capítulos de esta atractiva producción en diciembre. Su primer avance se pudo ver por sorpresa hace unos días durante la retransmisión de la 72ª edición de los Premios Emmy.

Protagonizada por Elizabeth Olsen y Paul Bettany, la serie se inspira en las sitcom de la década de 1950 y el universo Marvel donde Wanda Maximoff (Bruja Escarlata) y Visión, dos seres con superpoderes que disfrutan de una vida cotidiana ideal, empiezan a sospechar que las cosas no son lo que parecen (después de los eventos de Avengers: Endgame, 2019). Olsen y Bettany repiten sus papeles como Bruja Escarlata y Visión, respectivamente, de la saga de películas. Teyonah Parris, Kat Dennings, Randall Park y Kathryn Hahn también aparecerán en la serie.

King ya adelantó en varios medios hace un año que esta serie de Disney+ producida por Marvel se dejaría guiar por el cómic The Vision. "Tuve mucha suerte y se convirtió en un gran éxito. Y ahora están haciendo una serie de televisión con ella", reconoció.

Fuente: https://www.granadahoy.com/ocio/serie-Bruja-Escarlata-Vision-Marvel_0_1503450112.html

lunes, 21 de septiembre de 2020

Emmy 2020: 'Watchmen' hace historia como la primera adaptación de un comic en ganar uno de los grandes premios

 


Además de ser una gala especialmente extraña al hacerse de manera virtual, los Emmy 2020 también han hecho historia premiando en una de las grandes categorías a una serie adaptación de un comic por primera vez en sus 72 ediciones. 'Watchmen' estaba nominada a 26 estatuillas de las que se ha llevado 11 incluyendo mejor miniserie. La ficción de HBO creada por Damon Lindelof se basa en la aclamada novela gráfica de 1986 de Alan Moore y Dave Gibbons sobre un mundo en el que los héroes enmascarados son reales. Sin embargo la adaptación no ha sido precisamente convencional trasladando la trama hasta el presente con nuevos personajes y escenarios, nada que ver con la película que Zack Snyder hizo sobre ella en 2009.

En lugar de centrarse en la guerra fría y los temores a una catástrofe nuclear, 'Watchmen' explora el legado de la violencia racial en EE.UU. tan desgraciadamente de actualidad hoy día al que se le da respuesta con el movimiento Black Live Matters. En el discurso de aceptación, Lindelof dedicó el premio a las víctimas y sobrevivientes de la masacre racista de Tulsa de 1921: "Los incendios que destruyeron Black Wall Street todavía arden hoy. La única forma de eliminarlos es si todos luchamos juntos".

Fin de la carrera

Los otros premios que ha ganado 'Watchmen' incluyen mejor actriz de miniserie para Regina King, mejor actor de reparto para Yahya Abdul-Mateen II (también estaban nominados Jovan Adepo y Louis Gossett Jr.) y mejor guion de miniserie o película para Damon Lindelof y Cord Jefferson. Además la serie ha logrado los galardones a mejor composición musical, mejor fotografía, mejor casting y mejor vestuario. Ahí es nada.

Pese al enorme éxito de crítica, pero también de público, Lindelof ha decidido dejar 'Watchmen' en una miniserie de 9 episodios y no continuar con más temporadas, aunque apoya completamente la idea de que HBO contrate a un nuevo responsable para posibles nuevos episodios. Desde la sala de prensa virtual de los Emmy, después de llevarse el galardón, Lindelof dijo a la prensa que "Se sentiría como una gran traición ganar miniserie y volver después y decir que al final no era una serie limitada... Esta ha sido mi aportación, pero invito a cualquier otro artista a tomar el relevo. Estoy mucho más emocionado por ver qué haría otra persona con ella".

sábado, 19 de septiembre de 2020

Las diferencias en 'The Boys' del cómic a la serie


'The Boys' es la serie del momento. En su segunda temporada, esta historia de superhéroes distópicos sangrienta y cruda, ha dado una vuelta al género superheroico, a menudo demasiado edulcorado.

Sin embargo, la serie de Amazon cuenta con importantes diferencias con respecto al cómic de Gart Ennis. Aquí comentamos algunas de ellas.

Por supuesto, aquí hay spoilers del cómic y de la primera temporada de 'The Boys'

La mujer de 'Carnicero'

El mayor cambio en The Boys es el destino de la esposa del Carnicero, Becca. En el cómic, ella muere después de dar a luz al bebé del Patriota. La sed de venganza por su violación y muerte a manos del líder de Los Siete es lo único que mantiene vivo a Carnicero.

Sorprendentemente, la serie la mantiene viva. Aparentemente, Vought escondió su supervivencia y más importante, su súper poderoso hijo. Está implícito que los superhéroes no pueden reproducirse biológicamente, lo que hace que el hijo de Homelander sea el primer superhéroe nacido fuera de un laboratorio.

El carácter y aspecto de Hughie Campbell

El corazón y el alma de The Boys es Hughie Campbell: el recién llegado de trato amable que se ha incorporado al equipo de Butcher después de que A-Train matara accidentalmente a su novia Robin. Originalmente basado en Simon Pegg (que ahora interpreta a su padre cariñoso en la serie), Hughie es un chico bien intencionado pero sin carácter que Butcher empuja a moverse.

Aunque le lleva ocho episodios desafiar la naturaleza intimidante de Butcher, en los cómics tarda mucho más, donde le llevó una eternidad liberarse de la manipulación emocional.

Los orígenes de 'La chica'

En los cómics, de bebé, La Chica comió accidentalmente un poco de Compuesto V y se convirtió en lo que es. Salvo Frenchie, nadie entiende lo que ella piensa pero se puede contar con ella para arrancarle la cara a la gente.

Mientras tanto, la serie le da una historia completamente nueva. En cambio, era una niña soldado a la que sus compatriotas guerrilleros le inyectaron el Compuesto V. Inadvertidamente, fue un subproducto de los planes de Vought para crear supervillanos, ya que la compañía envió el compuesto a los terroristas para reforzar la demanda artificial de superhéroes que sólo ellos pueden satisfacer.

Profundo

Para horror de Starlight, su ídolo Profundo, la versión idiota de Aquaman de los Siete, resultó ser una persona terrible que abusó sexualmente de ella. Aunque el acoso ocurre en los cómics, no fue en las viñetas él quien la violó.

Lo que le pasó a Starlight fue peor en el material de origen, donde otros tres héroes (A-Train, Homelander y Black Noir) la presionaron para que practicara sexo oral. Irónicamente, Profundo original era el más maduro y conocedor de los negocios de Los Siete. Su encarnación de acción en vivo tiene más en común con el A-Train original, que era igual de arrogante y egocéntrico.

El compuesto V y 'The Boys'

Con la excepción de 'La chica', Carnicero y sus hombres no tienen ningún poder. Pueden ser hábiles en misiones de operaciones encubiertas y en el manejo de armas, pero los chicos no tienen oportunidad contra los héroes en una lucha justa. Para ellos, los héroes son monstruos casi imparables que deben exterminar.

Esto es diferente en los cómics porque Los Chicos pueden ir mano a mano con cualquiera de Los Siete gracias al suero de súper-soldado Compuesto V, el cual, tras conseguirlo, comienzan a usar para obtener algunas habilidades aunque sea de forma momentánea. Algo que, de momento, no hemos visto en la serie.

viernes, 18 de septiembre de 2020

Artur Laperla: “Los cómics que gustan se releen una y otra vez y los niños son muy de repetición”


 El cómic y la novela gráfica viven un pequeño boom que, como no podía ser de otra forma, ha llegado al mercado de la literatura infantil. Muchas editoriales están incorporando este género a su catálogo por el gancho que tiene entre las niñas y niños. Hoy, además, tras haber sido sometido a un ninguneo inexplicable, el cómic es señalado como una herramienta incomparable para acercar a los pequeños a los libros, sobre todo a aquellos que muestran menos interés por la lectura. En ese contexto se enmarca la nueva colección de Beascoa, Mi primer cómic, que narra las historias de Félix y Calcita (Nunca enfades a un gigante), la saga que relata la relación entre un niño y una pequeña trol. Su autor, Artur Laperla, es uno de los referentes españoles en el mundo del cómic, sobre todo el infantil, que ya sabe lo que es conquistar a miles de niños con su serie Superpatata (Bang Ediciones). “El público infantil es muy agradecido”, asegura Laperla, que considera que un buen cómic infantil debería de ser “ágil, directo y divertido”.

PREGUNTA. Acabas de publicar con Beascoa la segunda entrega de lo que a todas luces es ya una serie de cómic para primeros lectores, Félix y Calcita. ¿Qué van a encontrar las niñas y niños y sus madres y padres en esta saga?

RESPUESTA. Van a encontrar sobre todo humor y aventuras. Encontrarán un mundo fantástico con un niño en pijama y una pequeña trol. Y también gigantes, gnomos, brujas, ogros, un perro robot y más troles de todos los tamaños y colores.

P. Félix y Calcita es el título sobre el que se sustenta la apuesta de Beascoa por el cómic, una apuesta que están haciendo también cada vez más editoriales dedicadas a la literatura infantil. ¿Dirías que estamos asistiendo a un redescubrimiento y revalorización del cómic?

R. El medio lleva décadas en España intentando destacar y revalorizarse. Y lo consigue a ratos. Puede que se consiguiera un poco con la irrupción de la novela gráfica. Eso abrió el cómic a editoriales más generalistas. Ahora parece que le toca al cómic infantil. Muchas editoriales apuestan ahora por el cómic dirigido a niños. Trabajé en una serie de libros con un escritor que decía, medio en broma, que el perfil del lector en España es el de una niña de ocho años y que para ganarse la vida escribiendo había que tenerlo en cuenta. Puede que también vaya por ahí la cosa.

P. Te preguntaba lo anterior porque no sé si como autor de cómic, has tenido la sensación de que muchas veces se trata el cómic como una lectura menor y a sus lectores como lectores de segunda…

R. No sé, alguna vez. Es una guerra bastante antigua, y también pasa con la novela de género o la prensa deportiva. Puede que exista cierto desconocimiento, pero hoy en día no creo que una persona que lee habitualmente crea que Tintín es una lectura menor. También es cierto que hay cómics que tienen más enjundia que otros. Pero también depende de las ganas y el momento. No debería ser un problema si es una lectura mayor o menor. Me parece que es bueno leer variado y sin demasiados prejuicios.

P. En este apogeo se está destacando del cómic su utilidad como herramienta para despertar en los más pequeños el amor por la lectura. ¿Por qué dirías que el cómic ha tenido siempre esa facilidad para atraer a los primeros lectores?

R. Lo primero y más obvio es porque es más fácil leer y acabar un cómic que una novela. Y eso da mucho gusto. Además,, están los dibujos, la parte visual puede hacer al cómic mucho más atractivo al primer vistazo. Y luego está la facilidad de relectura, que me parece que es parte indispensable del difrute de un cómic. Los cómics que gustan se releen una y otra vez, así que, si el cómic es bueno, siempre se pueden encontrar nuevos matices. Además,, los niños son muy de la repetición.

P. Tú tienes experiencia ya en el ámbito del cómic infantil. No en vano, tu serie Superpatata ha vendido más de 40.000 ejemplares enganchando a tantos o más niños y niñas. ¿Qué te llevó al cómic infantil? ¿Qué te gusta de este sector?

R. Siempre he querido hacer cómic. A mí el cómic me gusta en casi todas sus formas y variantes. Llegué al cómic infantil después de trabajar como ilustrador. Como ilustrador me especialicé en ilustración infantil y juvenil y como siempre había querido dedicarme a hacer cómics me pareció lógico probar con el cómic infantil. Además, es un tipo de cómic que nunca he dejado de consumir como lector. Me encantan los cómics infantiles y juveniles de Dupuis de los años 50, 60 y 70.

Lo que más me gusta, de todas formas, es que gracias al cómic infantil puedo dedicarme a hacer cómics. Y el contacto con el público. El público infantil es muy agradecido. Hago un montón de talleres y me lo paso muy bien con los niños. También me parece increíble que un padre me diga que el primer libro que ha leído su hijo en la vida es Superpatata. ¡Qué responsabilidad!

P. Y tras ese éxito de Superpatata, ¿qué ingredientes dirías que debe tener un buen cómic infantil para atrapar a los pequeños lectores?

R. Supongo que hay muchos tipos de buenos cómics infantiles. Depende del autor. Te puedo decir que para mí un buen cómic infantil debería de ser ágil, directo y divertido.

P. No sé si piensas en los padres y madres de esos niños cuando los escribes. Por aquello de que muchas veces somos quienes se los leemos…

R. Primero intento que el cómic me guste a mí. Hacerlo y leerlo. Y claro, mi intención es que lo disfruten muchos lectores de cero a ciento tres años si puede ser.

P. Además, de ilustrar varios cómics, eres autor de una serie de cómics erótica, Melvin, y del cómic de terror interactivo Maldita casa encantada. ¿Cambian mucho las dinámicas de trabajo y el lenguaje, tanto visual como escrito, en función de si uno se dirige al público infantil o al adulto?

R. Siempre digo que para mí no hay diferencia más allá de la temática a la hora de enfrentarme a un cómic infantil o adulto. Intento hacerlo lo mejor que puedo teniendo en cuenta lo que quiero explicar, el tiempo y las condiciones de trabajo. De hecho, hace años que utilizo la misma cuadrícula para la composición de página en todos mis cómics. Y siempre hago línea negra de rotulador y color plano bastante chillón. Técnicamente no hay diferencia. Cambia sobre todo el contenido del guion y el diseño de personajes. En un cómic adulto puede haber sexo y violencia y más flashbacks. Pero intento ser siempre claro, sencillo y directo, tanto en la estructura del guion como en el dibujo, independientemente del público.

P. Cuando te he relacionado con Melvin me ha venido a la cabeza Tomi Ungerer.

R. ¡Qué bien, muchas gracias por relacionarme con Tomi Unger! Es verdad que tiene esa doble faceta y es buenísimo en las dos. Es un autor que me gusta mucho.

P. Es que sus libros infantiles llegaron a ser censurados durante años en EE UU debido a sus otros trabajos eróticos. Por tu experiencia, ¿sigue costando aceptar que un autor que escribe y dibuja para niños tenga también esa otra faceta artística o esa visión moralista está superada?

R. Con Melvin sí que llegué a plantearme en un primer momento si iba a ser un problema hacer cómic erótico y cómic infantil. Por suerte no lo ha sido y muchos niños y niñas se llevan Superpatata y los padres y madres compran Melvin. Sobre todo las madres, que es algo que me hace mucha ilusión. También es verdad que mi tratamiento del erotismo es humorístico, ligero y nada agresivo, quizás eso ayuda a que no resulte tan chocante tener esas dos facetas.

 Fuente: https://elpais.com/elpais/2020/09/11/mamas_papas/1599808869_734139.html

jueves, 17 de septiembre de 2020

Buffalo Bill se va a la selva a buscar al último dragón


 William Frederick "Buffalo Bill" Cody es uno de los grandes mitos del oeste.​ Fue explorador y cazador de bisontes y en sus últimos años montó su propio circo con el que triunfó en EStados Unidos y Europa. Ha protagonizado películas, novelas e incluso cómics, pero ninguno tan divertido como Buffalo Bill y el último dragón (Unrated Cómics), de Carlos Díaz Corbia y Francisco Maldonado, en el que viajará a África a matar al último dragón.

"La idea surgió de un boceto de Buffalo Bill que hizo Francisco -nos cuenta Carlos-. Llevábamos tiempo queriendo hacer algo juntos, y, dado que ya había trabajado en el “Far West” con Fantasy West, la posibilidad de mezclar a un personaje tan conocido como William Cody con un mundo fantástico parecía muy atractiva a priori… y ha resultado siéndolo. A partir de ahí fuimos confeccionando un grupo de personajes, mezclando históricos e inventados, que formaran un equipo con unas características muy definidas, que chocaran lo suficiente entre sí para atraer al lector".

Aunque algunos lo hayamos pensado, Carlos asegura que no tenían en mente la famosa Liga de los Hombres Extraordinarios de Alan Moore: "Quizás subconscientemente la Liga tenga algo que ver, pero no fue buscado, la verdad".

Una mezcla de comedia y aventuras

Carlos Díaz describe el cómic como "una mezcla de Aventura, fantasía, comedia… originalmente iba a ser algo más serio, pero el dibujo de Francisco, con un aire cartoon, hizo que se orientara más hacia la comedia, y, la verdad, estamos contentos con el resultado".

"La historia -nos avanza Carlos- cuenta la expedición, financiada por el National Geographic, de Bill y sus compañeros, en pos del último dragón, que se dice habita en África, compitiendo por llegar antes que la expedición británica, comandada por Allan Quatermain. En su camino encontrarán dragones, arácnidos, y muchos seres fantásticos que harán las delicias de los lectores".

Francisco confiesa que un cómic con esos elementos era una gran oportunidad: "Sobre todo me atraía la mezcla de géneros. Para mí como dibujante es de lo más sugerente poder ilustrar en la misma historia a un personaje como Buffalo Bill junto a criaturas mitológicas como dragones, elfos y demás".

"Buffalo Bill fue el primer famoso mediático"

Buffalo Bill es el gran protagonista de la historia. "Me encanta el Salvaje Oeste -confiesa Carlos-.Es un terreno que da pie a muchos tipos de aventuras. El año concreto resultó de la necesidad de buscar un hueco en el que Bill estuviera “libre” y ya fuera famoso, dado que estaba con giras por todo el mundo con su espectáculo. Finales del siglo XIX… una época magnífica para ambientar una historia: ni muy antigua, ni muy moderna".

"Y Bill… es un personaje muy peculiar -añade el guionista-. El primer famoso mediático. Conocido en el mundo entero. Atraía multitudes con su espectáculo. Y estamos hablando del siglo XIX, donde las comunicaciones no eran las de ahora. Tenía que ser alguien con un don de gentes increíble. Creo que es uno de esos personajes con los que a todos los escritores y guionistas nos gusta trabajar".

Algo con lo que está de acuerdo Francisco: "Psicológicamente Bill es hijo de su tiempo, cuando el machismo era una forma de ser tan omnipresente que ni siquiera encontraba un feminismo que le ofreciera resistencia. Y qué buena excusa es esa para poder enfrentarlo en nuestra historia a una mujer como la periodista Nellie Bly, feminista, ecologista, independiente y aventurera. El contrapunto perfecto para un Buffalo Bill que ya en aquellos años deberá comenzar a enfrentarse a un cambio drástico en la sociedad para el que no está preparado".

"En lo físico -añade el dibujante-, debía guardar cierto parecido con el personaje histórico en el que se inspira, pero también lo diseñé como una especie de Don Quijote, con ese sombrero que a veces recuerda al casco (o más bien "bacía" de barbero) que portaba el caballero andante".

Otros famosos personajes

Bill es solo uno de los personajes famosos de la época que encontraréis en la serie y que nos avanza Carlos: "Primero tiramos del “circo” de Buffalo Bill: Calamity Jane, otra famosa vaquera que viajó en ocasiones con ellos, nos daba el toque femenino. También un indio… entre todos los posibles, cogimos a Joe Black Fox, un sioux que formaba parte del espectáculo en aquellos años, y que, al no ser de los más conocidos, nos permitía jugar con su personalidad. Por último, Nellie Bly, la periodista más famosa de la época, capaz de dar la vuelta al mundo sola o meterse en un manicomio a denunciar las vejaciones a las que sometían a los internos, y que, con una personalidad totalmente opuesta a Cody, daba una dinámica muy interesante entre ambos".

"Aparte, un par de personajes creados exprofeso para la aventura, y alguna sorpresa que mejor averiguar al leer el cómic" -concluye el guionista-.

A Francisco le tocó la labor de dar vida a esos personajes en las viñetas: "Por lo antes mencionado, disfruté mucho dibujando los enfrentamientos dialécticos entre Bill y Nellie Bly -confiesa Francisco.. Pero además, esa imitación torpona y pícara que hemos creado del famoso Tarzán dio para muy buenos momentos durante la serie".

"He crecido con los cómics de Marvel y los de Ibáñez"

En cuanto a sus influencias, el guionista confiesa que: "He crecido con los cómics de Marvel, y los de Ibáñez. Una mezcla explosiva, la verdad. Me encanta Chris Claremont, el manejo que hace de las tramas y de los personajes, especialmente los femeninos. Supongo que es la mayor de mis influencias".

En cuanto a Francisco: "Mis influencias son muy variadas, como ocurre con la mayoría de dibujantes de cómic. Van desde los dibujos animados de Scooby Doo hasta los cómics de superheroes Marvel ochenteros, sobre todo los dibujados por John Byrne, cuyo estilo de dibujo todavía me encanta e influye".

Dibujando Buffalo Bill

En cuanto a lo m´s complicado de dibujar el cómic, Francisco Maldonado confiesa que: "Sobre todo ha sido un gran desafío incluir a tantos personajes juntos en la misma viñeta. En ocasiones me sentía como si estuviera dibujando un cómic de Los Vengadores, al menos en lo que se refiere a la planificación y distribución de tantos personajes".

El dibujante destaca también el color de Carmen Cantero Díaz: "Como puede verse, el color de Carmen prescinde de la tridimensionalidad y efectos infográficos que abundan en el cómic hoy en día. Desde el principio buscábamos algo más parecido al color tradicional de los cómics clásicos europeos, con colores planos pero sugerentes, donde lo bonito radica más en la elección de esos colores que en los efectos empleados".

"Los colores elegidos por Carmen -añade- son lo que más contribuye a trasportarnos a las selvas africanas que conforman el paisaje de esta serie, y por tanto hacen la historia más creíble e inmersiva. Sin su trabajo sería muy difícil evocar los cielos y vegetación africanas así como el verdadero carácter de este cómic".

"Nos gustaría enfrentar a Bill con Drácula"


Esperamos que esta miniserie de cuatro números tenga el suficiente éxito para poder leer más aventuras de esta curiosa pandilla. "¡Esperamos que sí! -confiesa Carlos-. Nos gustaría verlos enfrentarse a Cthulhu, a Drácula, a los ninjas… ideas tenemos, ahora falta ponerlas en práctica, y que el público responda".

"Aparte -añade el guionista-, estoy acabando la adaptación del viaje de Gulliver a Brobdingnag, el país de los gigantes, para la Asociación exTreBeO, y otra que narra la historia de la ciudad de Badajoz desde su fundación, con un toque superheróico".

A Francisco Maldonado tampoco le faltan proyectos: "Ahora estoy trabajando en nuevos proyectos para Unrated Comics, la misma editorial que ha publicado esta serie de Buffalo Bill y el último Dragón. Son secretos por ahora, pero lo que más ilusión me hace es que hay intenciones por parte de estos editores de publicar nuevas aventuras de Buffalo Bill y sus peculiares compañeros de viaje, si las ventas continúan tan bien como hasta ahora".

 Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20200917/comic-buffalo-bill-se-va-selva-buscar-ultimo-dragon/2042299.shtml

miércoles, 16 de septiembre de 2020

Conan vuelve a Almería


Obras de dominio público
¿Qué tienen en común don Quijote de la Mancha, el Lazarillo de Tormes o Conan el Cimmerio? Sus creadores originales murieron hace más de 80 años, y cuando esto sucede, dichas obras pasan a ser de dominio público.

Este es el caso de Robert E. Howard y H. P. Lovecraft, que fallecieron en 1936 y 1937 respectivamente, razón por la cual Conan de Cimmeria, Kull de Atlantis, Solomon Kane o en Gran Cthulhu ya son considerados clásicos de la humanidad.

Conan es de Almería
Estamos en la Almería de 2018. Un atónito J. J. Alonso lee la noticia de que Conan de Cimmeria pasa al dominio público. «Fue como volver a mi adolescencia, allá por los años 90, cuando cayó en mis manos el primer libro de Conan que leí en mi vida. No paraba releerlo una y otra vez, y de inventarme historias sobre el bárbaro cimmerio. Escribía y garabateaba en mis libros de texto, en mi pupitre del instituto… Conan fue mi juguete favorito, y ahora sentía que, por fin, su legítimo dueño nos lo había regalado a todos».

Pero la relación que J. J. Alonso tenía con el bárbaro se remontaba aún más atrás en el tiempo. «Yo nací en 1981, y recuerdo que los niños del barrio nos íbamos a jugar a las Cuevas de Conan. Para mí nunca tuvieron otro nombre».

Pero, ¿de dónde venía este nombre con el que los vecinos del lugar rebautizaron las Canteras-cueva del Polvorín y de La Columna? “No recuerdo la fecha exacta, pero un día alquilamos del videoclub de mi barrio una película llamada Conan el Bárbaro, y lo primero que pensé al ver el título fue «anda, si se llama como las cuevas».

Doy por hecho que, tras unas risas condescendientes ante mi inocencia, mis padres me explicaron que algunas de las escenas de la película que estábamos viendo se habían rodado aquí, en Almería, y concretamente, en mi barrio. E

Eso, para un niño de 7 u 8 años, fan de los cómics y las películas de aventuras, hizo que le explotara la cabeza. «¿Me estáis diciendo que Conan es de Almería?. Las risas a mi costa durarían años, lo cual no quita que, en mi cabeza, sienta que siempre he tenido algo de razón».

Conan VS Cthulhu
De manera tácita, Conan y Cthulhu comparten universo. Es decir, el mundo que habita Conan es el mismo que el de Cthulhu, pero nunca llegaron a aparecer juntos en ningún relato. Por eso mismo, desde el momento en J. J. Alonso supo que podía escribir su propia historia sobre ambos personajes decidió que tenía que ponerlos a pelear el uno contra el otro. «Un bárbaro cimmerio y un dios primigenio que viene a destruir el mundo. ¿Qué otra cosa podrían hacer salvo partirse la cara mutuamente?»

El formato también era algo que este autor tenía claro. Tras debutar en el mundo del cómic internacional en 2017 con la serie de Alpha Gods: Revelation, no ha parado de dibujar, intentando abrirse un hueco en el terriblemente competitivo mundo del cómic profesional. «Siento que mis dotes como novelista no están a la altura de la historia que quiero contar sobre Conan».

Pero sí tenía experiencia dibujando guiones de otros escritores de increíble talento, como por ejemplo Ian Sharman, de Markoshia Enterprises, o So Blonde, autora de La Tríada y articulista de El Jueves, por mencionar algunos.

“Finalmente caí en la cuenta de que sí podía escribir y dibujar una novela gráfica. Este mismo año he debutado como guionista y dibujante de la serie Dracomunda, de la editorial Tebeox, y acabo de publicar un manga titulado Dragonseed, the Raven and the Dragon. Por todo ello, siento que por fin puedo narrar la historia del Conan que yo quiero a mi manera».

Almería, tierra de cómic

J. J. Alonso tenía una cosa clara: por mucho que ésta fuera su idea, su historia, una novela gráfica de éxito no puede producirse sola. Por eso acudió a la asociación de dibujantes de cómic La Duna Cómics Almería y La Asociación Diablo, de El Ejido.

«Tengo una deuda de gratitud impagable con estos artistas de talla mundial. Desde el momento en que les conté mi idea, no sólo han aceptado a ayudarme en todo cuanto les pidiera, sino que no han parado en animarme a seguir adelante», explica el autor.

Incluso la editorial que llevará a cargo la edición del libro es de Almería. Se trata de Soldesol, dirigida por Sol Ravasa, que ha decidido crear una línea dedicada en exclusiva a la edición de cómics dirigida por Santiago Girón, el veterano autor de obras como Tartessos o Garrido.

La novela gráfica

Todos los relatos originales de Robert E. Howard ya han sido adaptados al cómic en innumerables ocasiones. ¿Qué puede ofrecer de nuevo la visión de J. J. Alonso? «Sabía que quería hacer mi propia historia original, cogiendo a Conan, a Cthulhu, y a cuantos personajes necesitase para crear mi propio universo… y fue cuando usé esa expresión, mi propio universo, que caí en la cuenta de que podía extrapolar toda la obra de Howard de un mundo fantástico y primitivo a un futuro distante. Caí en la cuenta de que podía llevarme a Conan al espacio».

De este modo, J. J. Alonso crea Los Mitos de Conan, Conan VS Cthulhu, de J. J. Alonso, cuya campaña para recaudar fondos comenzará el miércoles 16 de septiembre a las 9 de la mañana.

Los interesados podrán adquirir el cómic desde 5€, la edición más económica, o acceder a paquetes más exclusivos, sólo para coleccionistas, donde se ofrecen ilustraciones, portadas, e incluso las páginas originales.

martes, 15 de septiembre de 2020

Muere Fer, mítico historietista de la revista 'El Jueves'


El dibujante Fer, uno de los fundadores de El Jueves, ha fallecido este lunes a los 71 años de un infarto, según ha informado el Punt Avui, periódico en el que publicaba una historieta diaria y donde hoy mismo había dedicado una viñeta a la vuelta al colegio en tiempos de pandemia.

José Antonio Fernández (Mansilla de las Mulas, León, 1949), más conocido como Fer, comenzó su trayectoria en publicaciones como Mata Ratos, En Patufet, Oriflama, La Prensa y Barrabàs, antes de entrar en la revisa satírica El Papus, de la que fue director.

Fue uno de los dibujantes de mayor éxito de El Jueves, emblemática revista que después también dirigiría y donde publicó las series PutiClub e Historias fermosas.

"Descanse en paz Fer, maestro y gran inventor de historias. Fermosas, además. Hasta pronto, compañero", le han deseado sus compañeros de El Jueves a través de la cuenta de Twitter de la revista.

Una carrera dedicada al humor

En 1987 empezó a dibujar para el diario Avui, donde siguió trabajando cuando se fusionó con El Punt y desde donde, durante más de treinta años, dio su contrapunto humorístico a actualidad diaria.

También formó parte de la plantilla de colaboradores de El Temps durante la primera década de este siglo, tal como ha recordado hoy la revista, que ha compartido en las redes sociales uno de sus personales dibujos.

Este mismo lunes, día de su fallecimiento, El Punt Avui ha publicado una historieta de Fer, en la que un niño dispara con tirachinas al coronavirus.

"Un referente del historietismo y el humor gráfico. Siempre lo recordaremos por su particular manera de plasmar su punto de vista sobre la actualidad en todas las publicaciones para las que trabajó", ha dicho el presidente de la Generalitat, Quim Torra, en Twitter.
Uno de los humoristas más premiados

A lo lago de su trayectoria también editó varios recopilatorios como Per aquí, per allà (1996), Adéu Presi (2003), Any d'estelades (2012), Any de sobres (2013) y Any de consulta (2014), algunos sólo con historietas suyas y otros compartiendo publicación con dibujantes como Ferreres, Batllori, Kap, Farruqo, Ermengol o Napi.

También coordinó el libro Comunica con Humor y fue uno de los principales impulsores del Premio Internacional del Humor Gat Perich.

Entre los galardones que recibió destaca la Creu de Sant Jordi, que le fue concedida en el año 2018.


Fuente:  https://www.rtve.es/noticias/20200914/comic-muere-fer-mitico-historietista-revista-jueves/2042175.shtml

lunes, 14 de septiembre de 2020

El dueño de la tienda de cómics sevillana Nostromo, entre los cien españoles más creativos en negocios


La edición española de la revista Forbes, especializada en negocios, finanzas y el mundo de los emprendedores, ha incluido al responsable de la tienda sevillana de cómics y literatura de ciencia ficción Nostromo, declarado mejor establecimiento de venta al por menor en la Convención Internacional del Cómic de San Diego (Comic Con), en su lista anual de «cien españoles más creativos en el mundo de los negocios».

El pasado 25 de julio, recordémoslo, la tienda sevillana Nostromo se alzaba con el premio Espíritu del Cómic de Will Eisner de la edición 2020 de la Comic Con de San Diego, un galardón destinado a reconocer el papel de los establecimientos de venta al por menor de dicho sector, en este cónclave que constituye uno de los principales eventos del mundo del cómic a escala mundial.

A tal efecto, recordemos que en 2019, cuando dicha tienda hispalense quedó como finalista en este certamen, el propio Sergio López explicaba que los principios del premio Espíritu del Cómic de Will Eisner valoran especialmente «la aportación» de los establecimientos a la comunidad del cómic, defendiendo a continuación la «programación cultural» desplegada por Nostromo desde Sevilla a base de actividades como conferencias y sesiones con figuras internacionales del mundo del cómic o la narrativa de ciencia ficción.

Tras el galardón cosechado por Nostromo el pasado 25 de julio, en cualquier caso, la edición española de la revista de finanzas y emprendimiento Forbes ha incluido al propietario de este establecimiento hispalense en su relación anual de «cien españoles más creativos en el mundo de los negocios».

Para Sergio López, según ha manifestado él mismo a Europa Press, figurar en dicha publicación «ha sido toda una sorpresa y también todo un honor, pero no desde un punto de vista personal», pues el éxito cosechado por Nostromo, según precisa, «no es el mérito de una persona, sino de todo un equipo por su implicación y pasión en todo lo que hacen, por no darse nunca por satisfechos y por estar siempre obsesionados en lo siguiente que podemos mejorar».

Además, ha extendido ese mérito a la clientela y asiduos de Nostromo, dado su «enorme respaldo a todas las actividades» promovidas desde el establecimiento. «Lograr entre todos el premio Eisner a la mejor tienda de cómics del mundo nos ha dado lugar a figurar no sólo en Forbes, sino en prácticamente todos los medios de comunicación de España y de medio mundo, como en la prensa norteamericana, británica, holandesa, brasileña e incluso en Japón», se ufana Sergio López.

Según ha defendido, el reconocimiento logrado en la Comic Con de San Diego es fruto de «la gran imagen» de Nostromo en todos los aspectos, «desde la decoración, el amplio catálogo, la diversidad de temáticas, las recomendaciones a los clientes siempre orientadas a sus gustos y por supuesto un amplio programa cultural orientado al mundo del cómic».

«Estamos muy orgullosos de todo lo logrado con el premio, pero somos conscientes de la responsabilidad que conlleva el premio Eisner, así que desde el primer día ya estábamos manos a la obra en nuestro siguiente proyecto para seguir mejorando. Prueba de ello es nuestra recién estrenada tienda online, que ya cuenta con el 80 por ciento de los productos de la nuestra tienda física y que esperamos que en muy poco tiempo pueda contar con el 100% del material», explica el dueño de Nostromo.

Finalmente, Sergio López ha señalado de nuevo su deseo de que el mencionado premio invite a las instituciones públicas a «apoyar» las actividades de Nostromo, al objeto de promover «más y mejores actividades orientadas al cómic, para el disfrute de los ciudadanos y visitantes de la ciudad», lo que a su juicio puede ayudar a «recuperar un poco la actividad en el centro de Sevilla».


Fuente:https://sevilla.abc.es/sevilla/sevi-dueno-tienda-comics-sevillana-nostromo-entre-cien-espanoles-mas-creativos-negocios-202009131738_noticia.html

jueves, 10 de septiembre de 2020

Spirou sigue con la esperanza


Hace unos meses dejamos a esa pareja intrépida de amigos en la estación de tren de Bruselas, en la que uno de ellos, Fantasio, se disponía partir hacia la ciudad de Berlin donde poder trabajar. Desde el andén, su amigo Spirou intenta convencerlo de que es una locura. Después de todo lo que les pasó en la primera parte de «La esperanza pese a todo» (Dibbuks). Su autor Émile Bravo (1964, París) a través de «su» Spirou, hizo un recorrido por el momento previo a la invasión alemana y los bombardeos sobre Bruselas. Trazando un retrato de un Spirou antihéroe que busca ayudar, y que sin querer se mete en problemas, eso si, en su mayoría por la culpa de su despistado amigo Fantasio.

La aventura continua en la segunda parte de «La esperanza pese a todo». En la que sigue esa lucha por no perder la fuerza por vivir, por la lucha de la supervivencia envuelta en un cómic más profundo que el anterior, en el que el poso de la guerra está en continuo movimiento a lo largo de toda la historia. Es otoño de 1940. El frio ha llegado y el hambre empieza a hacer mella en nuestros protagonistas. Spirou consigue convencer por fin a Fantasio para que se quede con él y no se vaya a trabajar a Alemania. Pero los tiempos son difíciles y el sacerdote que le alquila a Spirou la habitación amenaza con echarle. Por lo que Spirou y Fantasio tienen que ingeniárselas para poder seguir sobreviviendo y deciden montar un teatro ambulante en el que hacen un retrato de la situación de hambre y desesperación que están pasando. Todo ello tratado por su normalidad mediante unas manioretas que hacen de altavoz y crítica de la situación que están viviendo, todo ello envuelto en un espectáculo que hace las delicias de los niños y que los mayores llegan a interpretar como quieren, unos como una crítica a los nazis y otros como una crítica a los judios.

Esta segunda parte es más introspectiva que la primera, sin dejar de lado las pinceladas de humor que se transmiten a través de Fantasio, Bravo logra hilar una trama efectiva y en ocasiones dantesca sobre cómo empezaron a ser tratados los judios a través de la aparición de los niños amigos de Spirou, en los que algunos representan ese enfrentamiento y pensamiento que llegan a tener sus mayores.

Bravo desde su experiencia y habilidad continúa mostrando un trabajo excepcional, describiendo un momento de la Historia Universal de lo más oscuro y difícil para aquellos que tuvieron que vivirlo. Muchos dicen que están cansados de que les cuenten historias de las guerras, pero creo que es un tema que nunca se debe dejar atrás, para no olvidar lo que pasó y para así intentar que no se vuelva a repetir.

En la visión de Bravo vemos al autor retratar una Segunda Guerra Mundial desde varios puntos de vista, otorgando a la historia una conducta humana de manera reconocible. Los dibujos son reflejos en un espejo que ayudan a visualizar la idea del autor en la que se mezcla el humor, la reflexión humana y una realidad histórica contundente y complicada, lo que hace convertirla en un proceso rápido que requiere las participación del lector mediante su memoria provista de un buen caudal de inteligencia y reflexión.

La simplicidad, el detalle, el color y la franqueza del dibujo crean una intimidad y una tensión constante -por el contexto histórico en el que se desarrolla la historia-, con el lector, que correría peligro con un estilo más espectacular o cargado, siendo el estilo de la línea clara la elección más acertada para contar este tipo de historias en este soporte cómic. Una lectura que para los más jóvenes les abre esas ventanas del conocimiento, en las que poder explorar y estudiar más a fondo qué pasó y qué pudo llevar a algunas personas a pensar de una forma y a actuar de otra forma tan odiosa sobre sus semejantes. Pero Bravo en esos momento difíciles deja hueco para la esperanza, el compañerismo, la amistad, la ayuda entre los necesitados, y para el amor, a través del enamoramiento de Fantasio, y de la esperanza de Spirou de poder volver junto a su mamada que tiene lejos, pero esto último tendremos que esperar a la siguiente entrega.

En definitiva, un cómic ejemplar que una vez compiladas todas las partes, se convertirá (si no lo ha hecho ya) en uno de los cómics de calidad -sin dejar de lado el entretenimiento- que se ajustan bien a las cosas que representan y en cuanto el lector las lea, asimilará y pensará en ellas, y en los habitantes que pueblan sus páginas y la andadura a la que han tenido que hacer frente.

Fuente: https://abcblogs.abc.es/fahrenheit-451/comic/spirou-sigue-con-la-esperanza.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F

"El próximo Blacksad saldrá en mayo de 2021"


–Dadas las circunstancias, ¿ha podido ver la muestra de Bruselas?

–No. Hace como tres semanas, cuando supieron que iban a abrir el museo intenté ir para la inauguración aunque no se pudiese hacer ningún acto abierto al público, pero ni siquiera el viaje parecía viable. Temía quedar bloqueado con todas las citas cerradas. A ver si la semana que viene puedo ir, pero tampoco es seguro.

–Por lo menos no ha habido problemas para el montaje, como sí ha ocurrido con otras muestras programadas.


–Bueno, como estaba prevista para el 24 de marzo todo estaba preparado y le montaje casi hecho. Tuvieron que pedir permiso a los propietarios de algunos de los originales que están en colecciones privadas, pero todo el mundo accedió a alargar los préstamos sin problemas.

–Como a la mayoría, al principio del confinamiento pensaba que iba a adelantar mucho trabajo. ¿Cómo va el próximo Blacksad?

–Imaginaba que iba a trabajar como una mula y he trabajado mucho y bastante bien, todos los días, pero no he rendido tanto como esperaba. Por el encierro creía que me concentraría más pero no ha sido así. Aunque tampoco ha resultado desastroso ni días estériles.

–¿Cuándo estará listo?
–Bueno, creo para mayo del año que viene. Y doy la fecha con reservas porque depende de si no me retraso más por otras cuestiones.

–¿Cómo ha vivido esta situación, que parecía de ciencia ficción?


–Ha sido surrealista. Aunque luego la gente se relajó un poco, al principio París parecía una ciudad fantasma. Era muy impresionante y eso te generaba una sensación de opresión, aunque en realidad uno estuviese tranquilamente en su casa. Y luego me ha agobiado mucho el tema de España, que me parece bastante problemático.

–¿En qué sentido?

–No me gustaría usar la palabra polarización pero, por lo que he visto, la gente estaba enzarzándose en discusiones muy violentas. Cuando en un momento dado la realidad es la que es, por muy favorable que seas bien al Gobierno bien a la oposición, hay que ver estas cosas con un mínimo de lucidez. Eso me producía bastante agobio por la situación que había y por la que se nos avecina, porque todavía no hemos empezado a ver los efectos de este parón total de la economía durante tres meses.

–¿Cuál es la diferencia de la forma de afrontarlo en Francia?

–Aquí el confinamiento no era tan radical como en España. Aunque había restricciones, claro, tenías más libertas para salir en familia y hacer deporte. Eso daba una vidilla que nos ha salvado la salud mental a más de uno. Hay países que lo han organizado mucho mejor y la economía ya se sabe que se va a resentir pero en menor grado.

–Y como creador, ¿se hablará de esto? ¿Habrá más cómic con escenarios apocalípticos?

–Supongo a alguna gente le supondrá una influencia bastante grande. Depende de cómo le haya afectado,porque algunos habrán perdido familiares. Yo, cruzo los dedos, pero del entorno más cercano no he tenido ningún fallecimiento. Afectará sobre todo para personas que se nutran más directamente de la realidad. En mi caso tengo bastante trabajo planeado en el que no tendría cabida.

–¿Se verá reforzado el cine de animación por las dificultades de los rodajes?

–Creo que sólo se aplazan los rodajes pero los equipos creativos siguen trabajando. Siempre teniendo en cuenta la hipótesis optimista de que no haya rebrotes, los rodajes se ajustarán. No digo que no se vaya a notar, porque ahí lo tienes ya, que están en sus casas aburridos subiendo vídeos para hacerse los interesantes. Las estrellas de Hollywood tienen una carencia de atención que es espectacular. En algunos raya el ridículo.


Fuente: https://www.granadahoy.com/ocio/proximo-Blackasad-saldra-mayo_0_1471053402.html

miércoles, 9 de septiembre de 2020

El sótano donde se esconde la historia del cómic catalán: 400 cajas buscan un lugar para no acabar en la basura


Podría ser cualquier bloque de pisos de clase media de Barcelona. Sin pretenciones, humilde pero digno; una escalera corriente en la que nadie descubriría el tesoro que hay en su interior. En este húmedo sótano de la avenida de Vallcarca, sin embargo, se guarda desde hace ocho años la historia del cómic catalán y del resto del país.

Con 400 cajas apiladas que harían las delicias de cualquier coleccionista y que ahora buscan un lugar para no acabar en el contenedor. Los propietarios del local donde se guarda este fondo quieren venderlo y los responsables del archivo no encuentran ningún lugar para trasladarlo. “A este paso tendremos que hacer una hoguera en la plaza”, apunta con resignación Josep Callejón, 74 años, presidente del Museu del Còmic i la Il·lustració de Barcelona.

Hay centenares de originales de gran valor, historietas editadas durante la república, durante el franquismo e incluso el cómic más antiguo encontrado en España, de 1865. Disponen de primeras ediciones de Capitán Trueno que se pagan a miles de euros y piezas de menor valor para coleccionistas pero de un importante interés documental, como por ejemplo historietas publicadas en 1914 o incluso colecciones completas de las primeras ‘aucas’ (pequeñas estampas acompañadas de una leyenda) editadas en el siglo XIX en Catalunya y que supusieron el preludio de los cómics actuales.

 Al cargo del archivo está Josep Maria Delhom, 79 años, que acude cada día a este sótano para mover las cajas y vigilar que la humedad no castigue ninguno de los cómics almacenados. Le acompañan Josep Callejón y Josep Beltri, dos aficionados al cómic que se conocieron trabajando hace años en la editorial Bruguera, también situada en el barrio de Vallcarca-El Coll.

“Casi cada día vengo un rato aquí, para seguir investigando e intentando ampliar el fondo”, señala Delhom mientras va abriendo cajas y cajas buscando ejemplares interesantes para fotografiar. Huele a moho, hay polvo y nadie diría que entre esos cartones hay material de museo. Mientras Delhom charla con los visitantes, Beltri se sienta en una mesa y dibuja en dos minutos un retrato de los invitados.

Impresionan los números de este fondo, construido gracias a la donación de decenas de aficionados: colecciones completas editadas entre 1865 y 1970 que suman 25.000 ejemplares. 90 colecciones de almanaques de cómics publicadas entre 1880 y 1960. Medio millar de dibujos originales. Más de 1.000 muestras y portadas, novelas populares, cromos y revistas ilustradas…
El periplo del archivo

Como si de una aventura ilustrada se tratara, este valioso archivo lleva más de dos décadas dando vueltas por la ciudad sin encontrar ningún sitio donde poder acomodarse.

Primero estuvo expuesto en el Museu del Còmic de Barcelona, un humilde museo situado en el barrio del Guinardó que nació en 1997 gracias al impulso de un grupo de aficionados entre los que se encontraban historiadores, profesores universitarios, abogados, dibujantes y todo tipo de gente vinculada al mundo de la viñeta. La sede quedó inutilizada en 2004 por un problema de humedades y ninguna autoridad quiso ayudar a los responsables de este archivo.

Finalmente el museo militar de Montjuic les cedió primero un almacén y un despacho y, al cabo de unos meses, les ofreció la mejor sala del castillo para exponer el material. Ahí se hicieron exposiciones y los responsables continuaron con su investigación y ampliación del fondo. Cuando en 2009 el Ayuntamiento cerró el museo militar el material volvió a las cajas de cartón y sin un lugar al que ir. Les permitieron almacenarlo en el castillo de Montjuic hasta que en 2012 les echaron del todo aprovechando las reformas en el castillo. 

 “Ninguna institución catalana nos hizo ni caso”, se lamenta Josep Maria Delhom, director del museo. Finalmente un familiar les cedió el sótano en el barrio de Vallcarca donde el material lleva almacenado desde hace ocho años, con salidas puntuales de algunos cómics para exposiciones y para un museo privado de las viñetas que se abrió en Sant Cugat.

Desde 2012 estos septuagenarios, junto al grup d’estudis El Coll-Vallcarca, intentan que la administración ceda un local para exponer el fondo o, como mínimo, poderlo guardar en condiciones. La respuesta siempre han sido largas o negativas y el proyecto de un museo nacional del cómic, con financiación de la Generalitat, lleva ya una década en el limbo a pesar de que se llegó a rehabilitar en Badalona un gran espacio para albergarlo.

Los aficionados al cómic sienten que ni el Arxiu Nacional de Catalunya ni el Ayuntamiento aprecian suficientemente este arte y temen que el material acabe en la basura o saliendo de la ciudad, tal como pasó el año pasado con las viñetas publicadas en distintas revistas underground barcelonesas de la transición, adquiridas por el Archivo Lafuente de Santander.

“Para el salón del cómic o del manga hay mucho dinero, pero para preservar la historia de nuestros dibujantes parece que nunca nadie ha querido gastarse un duro”, señalaban estos aficionados el pasado jueves por la tarde durante la visita al sótano. En el momento de cerrar este artículo, el viernes por la noche, el Institut de Cultura de Barcelona todavía no había podido responder a las peticiones de comentario de esta redacción.

La vinculación de Bruguera con Vallcarca

El barrio barcelonés de Vallcarca-El Coll fue, durante muchos años, el epicentro nacional de la viñeta gracias a que en sus calles se instaló la editorial Bruguera, sin duda el sello más poderoso que ha habido en España en cuanto a cómics se refiere. Desde sus oficinas, conocidas como “la fábrica de los sueños” llegaron a salir cuatro millones de ejemplares mensuales que no solo distrajeron a jóvenes y adultos sino que reflejan la evolución de un país entero.

La lista de títulos publicados por esta empresa familiar supondrá una madalena proustiana para lectores de distintas generaciones: Pulgarcito, Capitán Trueno, Águila Negra, Doña Urraca, Tío Vivo, Mortadelo y Filemón, Zipi y Zape, el Botones Sacarino… La editorial se creó en 1910 con el nombre de Gato Negro y duró tres generaciones hasta su cierre en 1986.

 “Todo el mundo en este barrio conoce a alguien que trabajó en Bruguera”, señala Josep Beltri, 75 años, uno de los tres aficionados que han acudido a la entrevista. “Muchos autores también vivían en el barrio por estar cerca de la oficina”. Él salió del colegio y se puso a trabajar en la imprenta del sello. Ahí se tiró toda la vida y conoció a algunos de los que hoy intentan preservar este fondo.

En el barrio también estuvo instalada la productora Balet y Blai, dónde se produjo la primera película de dibujos animados en color de todo Europa en 1945. Precisamente en los locales donde estuvo esta productora, hoy abandonados, desearían estos aficionados instalar el museo con todo su material, pero de momento no han recibido ninguna noticia que les haga ser optimistas.

“Sugerencias tenemos muchas, pero ofertas concretas muy pocas”, se lamenta Callejón, el presidente del Museo. Estos jubilados observan cómo las nuevas generaciones de aficionados valoran sobre todo el cómic japonés y americano sin ser conscientes de la historia de la viñeta en la ciudad. “Tanto manga y tanta hostia… No saben que los pioneros de todo esto los tienen en su propia casa”.

martes, 8 de septiembre de 2020

La "terrorífica" historia de los cómics de EC en uno de los libros más espectaculares del año


Pocos cómics hay tan influyentes e importantes en la historia del medio como los que publicó la editorial EC Comics tras la Segunda Guerra Mundial, una época en la que los superhéroes decayeron y su lugar fue ocupado por monstruos, criminales, extraterrestres y soldados. Unos tebeos que los chavales amaban pero que los censores de la época odiaban, por lo que terminaron aniquilándolos en un episodio lamentable que instauró la censura en los cómics y lastró a la industria de las viñetas durante décadas.

El espectacular libro The history of EC Comics (Taschen), escrito por el experto en cómics Grant Geissman, repasa la historia de esa mítica editorial y nos ofrece un montón de material inédito, gracias al acceso a los archivos de la familia Gaines (los creadores de EC), que han cedido más de 100 auténticas rarezas que permanecían inéditas. Muchas de las imágenes de portadas que se incluyen reproducen las copias que sobreviven en los archivos Gaines, consideradas como las mejor conservadas de EC Comics.

Y es que este impresionante libro de 600 páginas (y unas dimensiones considerables) tiene más de 1.000 ilustraciones e incluye todas las portadas de los cómics de EC (desde 1933 hasta 1956), además de páginas interiores y viñetas, bocetos, fotografías poco conocidas, obras de arte originales y algunas de las historias más famosas de la editorial. Un libro que es una auténtica obra de arte,  que tiene una tirada limitada de 5.000 ejemplares (en todo el mundo) y que es el regalo ideal para cualquier amante de los cómics o de la cultura pop. O, simplemente, para cualquiera que ame los libros.

De hecho muchas de las páginas del libro son auténticos posters gracias a la calidad de sus ilustraciones, como esa maravillosa portada de Frank Frazetta y Al Williamson o las páginas finales, dedicadas a recuperar todas las portadas de los cómics publicados por EC.

Mucho más que cómics de terror


En 1947, William Gaines heredó EC Comics, una editorial fundada por su padre, M.C. Gaines (uno de los pioneros de la industria y uno de los responsables del éxito de personajes como Wonder Woman y Linterna Verde). Lo curioso es que EC son las siglas de Educational cómics (Cómics Educativos), pero Gaines enseguida comprendió que lo que le gustaba a los chavales de la época (y a sus padres) era otra cosa.

Por eso empezó a publicar cómics de terror, suspense, ciencia ficción, guerra y crímenes, que eran los que triunfaban entre los chavales. Y fue pionero en crear secciones de correo en sus publicaciones, que le permitían comunicarse con los lectores y adaptar las revistas a los gustos de sus fans. Además promocionó a sus dibujantes permitiéndoles firmar sus obras (lo que no era habitual en la época)

Eso le permitió reclutar a los mejores artistas de la época, como Al Feldstein, Harvey Kurtzman, Al Williamson, Frank Frazetta, Wally Wood, Graham Ingels, Jack Davis, Johnny Craig, Bernard Krigstein, Will Elder, Jack Kamen, George Evans, Joe Orlando, John Severin, Basil Wolverton o Reed Crandall, que crearon series míticas como Tales from the Crypt, Crime SuspenStories, Weird Science y la revista MAD. De todos ellos tenéis variadas muestras en el libro, incluyendo bocetos y lápices de algunas de sus páginas.

Los cómics de terror y crímenes de EC, destacaron por sus escenas sangrientas y morbosas y sus famosos finales inesperados e irónicos en los que a menudo ganaban los malos (que fueron los que desataron la ira de la censura).

Pero la editorial también fue pionera en la publicación de los primeros cómics de guerra auténticos, las primeras historias “reales” de ciencia ficción, y una serie de relatos sobre temas entonces tabú como el racismo, la intolerancia, la vigilancia callejera, la drogadicción, la corrupción policial y el antisemitismo.

Desgraciadamente, tras ocho años de éxito, la censura responsabilizó a estos cómics del aumento de la delicuencia juvenil y de ser los responsables de todos los males de la sociedad norteamericana, lo que llevó a su desaparición.

¿Los mejores cómics de terror de la historia?

Actualmente los años 50 están considerados la edad de oro de los cómics de terror y es en gran parte gracias a William Gaines y Al Feldstein, que lanzaron los míticos cómics de EC The Vault of Horror, The Crypt of terror, The Haunt of Fear...), con unos guiones que siguen impactando hoy en día y algunos de los mejores dibujantes de la historia.

También fueron pioneros en inventar simpáticos anfitriones para presentar las historias de terror, como el Guardián de la Cripta, el Guardián de la Bóveda o la Vieja Bruja, que sorprendían a los lectores con sus divertidos chascarrillos sobre lo que iban a leer.

Esos cómics de EC están considerados la mayor influencia del género desde entonces. Inspiraron la resurrección del género de terror a finales de los 60 con las míticas revistas de Warren (Creepy, Eerie, Vampirella...) y han sido adaptados a la televisión en la famosa serie Historias de la Cripta (1989-1996), además de inspirar películas como Creepshow o series como Masters of horror.

Los cómics de EC también fueron pioneros en adaptar a las viñetas historias de grandes escritores de ciencia ficción, sobre todo de Ray Bradbury (Crónicas marcianas, Farenheit 451), que estaba encantado de colaborar con la editorial. Gaines se mostraba orgulloso de sus títulos de ciencia ficción (como Weird Science y Weird Fantasy que trataron el género, por primera vez, bajo una perspectiva realista y científica.

Destacar también las series bélicas (o quizá deberíamos decir antibélicas), como Frontline Combat y Two-Fisted Tales (creadas, escritas e incluso a veces dibujadas por el genial Harvey Kurtzman, editor de EC Comics) que mostraban con gran realismo el padecimiento de los soldados en la guerra y que desataron la ira del ejército americano que las consideró antipatrióticas.

EC también publicó cómics de otros géneros como el western e incluso historias románticas, que también encontraréis en este libro.

La desaparición de los cómics de terror y suspense


En su apasionante relato Grant Geissman destaca que esta etapa de libertad creativa, que dio lugar a algunos de los mejores cómics de la historia, finalizó con la publicación del libro La seducción del inocente (1954) del psicólogo Frederick Wertham, que echaba a esos cómics la culpa del aumento de la delincuencia juvenil y de otros males de la sociedad norteamericana.

Como nos contaba Ignacio Fernández Sarasola (autor del libro sobre la censura en los tebeos El pueblo contra los cómics): “A los cómics se les acusó por igual de ser fascistas (con Superman como paradigma) y de ser comunistas. En esta última acusación, por ejemplo, se decía que determinados cómics que mostraban la cara realista y amarga de la guerra (como los mencionados Two-Fisted Tales y Frontline Combat) minaban la moral del ejército y, por tanto, favorecían a los comunistas durante la guerra de Corea. Incluso el ambiente sórdido que mostraban los cómics de gánsteres se decía que retrataban unos Estados Unidos decadentes, lo que beneficiaba al discurso comunista”.

Una tesis demencial que encontró un ardiente colaborador en el senador McCarthy (máximo responsable de la "Caza de brujas" contra los comunistas y famoso por su limpieza ideológica en Hollywood). McCarthy trató de que la conexión entre cómics y delincuencia fuese objeto de estudio por el Comité de Actividades Antiamericanas que presidía, aunque no lo consiguió.

Tras una polémica investigación del senado de Estados Unidos se exculpó a los cómics pero el daño ya estaba hecho y las propias editoriales, presionadas por la opinión pública, crearon el Comics Code, un código de autocensura que llevó al cierre a todas estas revistas a finales de 1954, y que se mantendría hasta los setenta (y que prohibía el terror, los crímenes y el sexo en los cómics).

Una de las obras más polémicas que se comentó en esa investigación del senado fue la famosa portada de Crime Suspenstories # 22, obra de Johny Craig, en la que se mostraba a un hombre que acababa de cortarle la cabeza a su mujer.

Por eso, hasta casi los 70, en los cómics juveniles no habría vampiros, hombres lobo ni monstruos similares; y en las historias nunca podían ganar los malos, lo que llevó a la infantilización de los tebeos y al nacimiento (en los 60) del cómic underground (publicaciones al margen de la industria, destinadas a un público adulto y que podían tratar cualquier tema)

Bill Gaines intentó luchar contra esa censura pero, ante la falta de apoyos, terminó tirando la toalla y se centró en una serie de comics más realistas dedicados a médicos, psiquiatras… lo que se conoció como “New Direction” y que fue un fracaso estrepitoso. Pero afortunadamente tuvo un gran éxito con la revista de humor MAD, la más influyente de la historia, a la que decidió dedicarse casi exclusivamente.

Personalmente este es el libro que más me ha gustado de este 2020. Por su contenido, su espectacular edición y por rescatar algunas de las imágenes más impactantes de toda la historia del cómic. Libros como este me recuerdan por qué amo el cómic.

Por cierto que solo hay 13 tiendas Taschen  en todo el mundo y se acaba de inaugurar la primera en España: TASCHEN Store Madrid (Calle del Barquillo, 30), en donde podréis encontrar sus espectaculares libros.


Fuente:  https://www.rtve.es/noticias/20200908/terrorifica-historia-comics-ec-uno-libros-mas-espectaculares-del-ano/2041458.shtml

lunes, 7 de septiembre de 2020

La lucha contra el acoso escolar de Iñaki Zubizarreta llega al cómic


“El acoso escolar o "bullying" es ese monstruo con cara de niño que destroza infancias, marca vidas y, en los casos más extremos llega a provocar que niños de corta edad atenten contra ellos mismos”, son palabras de Iñaki Zubizarreta en el epílogo del cómic Subnormal. Una historia de acoso escolar (Panini) en el que Fernando Llor y Miguel Porto relatan el bullying que el exjugador de baloncesto sufrió cuando tenía 11 años.

Durante los últimos años, el exjugador da charlas en colegios e institutos para concienciar a padres, alumnos y profesores y también se prepara una película sobre su historia. Pero antes nos llega este cómic del que Iñaki asegura que: "Es necesario para mostrar el problema sin aplicarle filtros, mostrándolo con toda su crudeza y dejando claro que, por mucho que la gente siga justificándolo con la lapidaria frase de “son cosas de niños” dista mucho de ser un problema menor. Es una tragedia social”.

“El título de este cómic, Subnormal, no conlleva ninguna intención o connotación despectiva, ni burla o insulto a nadie con algún tipo de discapacidad -asegura Iñaki-. El motivo de este título es mostrar la “espada de palabras” con la que me rompieron y destrozaron por dentro, haciendo una alusión explicita a lo que me llamaban en mi niñez hasta el punto de que, al niño de 11 años que fui, le hicieron perder la ilusión por vivir y llegó a asomarse a un acantilado con la intención de dejar de sufrir”.

Un tebeo que os recomendamos este lunes, día en que empieza un curso escolar que estará marcado por el coronavirus, porque ni siquiera esa terrible enfermedad debe hacer que nos olvidemos del acoso escolar, que  destroza la vida de tantos chavales.

“Hay heridas que pueden abrirse muchos años después”


El guionista Fernando Llor nos cuenta cómo nació el proyecto: “José Luis Córdoba, mi editor, y me dijo que estaba interesado en hacer un cómic sobre acoso escolar. Nada más llegar a casa me puse con ello y a los pocos días le pasé una escaleta. La verdad es que no le convenció, pero me propuso algo diferente: contar la historia de Iñaki”.

“Es una historia dura y muy impactante por la violencia del acoso –confiesa el guionista-, pero si hay algo que realmente me interesó es todo lo que ocurrió después, el ver cómo algunas heridas, si no cicatrizan bien, pueden llegar a abrirse muchos años después y desembocar en algo terrible”.

El último en incorporarse al proyecto fue el dibujante Miguel Porto: “En un principio me pareció una historia muy potente porque pone el acento en lo duros que son estos abusos y hasta qué punto marcan tu vida a posteriori, algo que no es tan común en este tipo de historias. También tenía ganas de colaborar con Fernando que es compañero en O Garaxe Hermético, y ha sido un gustazo trabajar sobre su guion”.

“Me sorprendió las salvajadas de chavales de Primero de BUP”

Fernando Llor destaca la implicación de Iñaki Zubizarreta en el proyecto: “La colaboración con Iñaki fue muy estrecha, hubo semanas en las que hablábamos todos los días e incluso varias veces al día. La suerte que tengo con él es que en un principio era algo así como “el hombre sobre el que voy a escribir” y ahora puedo decir que es un amigo”.

Llor asegura que le asombró las cosas que podían llegar a hacer los chavales a sus compañeros: “Me sorprendió alguno de los momentos más duros, ya no por los hechos concretos, sino por saber la edad con la que lo estaban haciendo. Eran chavales de primero de BUP, el equivalente del actual tercero de la ESO y fueron capaces de auténticas salvajadas, eso sí que asusta un poco”.

Miguel confiesa que ha sido complicado dibujar algunos de los momentos más duros: “Ha sido difícil, es un material muy emocional, y el conocer personalmente a Iñaki me hizo empatizar mucho más. Como además mi idea al pensar el story era presentar siempre la violencia como algo bastante desagradable, ha habido algunas escenas durillas de hacer y conceptualizar”.

“Yo personalmente creo que es un cómic que, pese a su dureza, conciencia de la magnitud de estos casos y que podría funcionar de maravilla como herramienta en centros educativos” -añade el dibujante-.

Gracias al anonimato cualquiera puede acosar en las redes sociales

Una de las pocas licencias que se toma la historia es la de actualizar los hechos para acercarlos a los chavales de hoy e incluir las redes sociales. “En las conversaciones con Iñaki –asegura Fernando- llegamos a una conclusión: necesitábamos cambiar la época para acercarla a la actualidad y poder añadir el problema del ciberacoso. Para que los chavales de hoy en día pudiesen sentirse identificados”.

“Las redes sociales ofrecen la posibilidad a los acosadores de seguir machacando a sus víctimas después del colegio –añade el guionista-. Además, como ofrecen la posibilidad del anonimato, cualquiera puede convertirse en acosador a través de ellas y hacer comentarios o lanzar insultos que no se atreverían a decir cara a cara”.

“A los chavales que sufran acoso les diría que lo cuenten”

A pesar de la dureza de la historia, el cómic tiene el mensaje positivo de que se puede superar el acoso escolar. Y que el primer paso para hacerlo es contarlo. “A los chavales que lo sufran les diría que lo cuenten –asegura Fernando-. Creo que el mayor problema del acoso es que muchas veces se mantiene en secreto por miedo o por vergüenza y eso provoca que situaciones terribles se alarguen incluso llegando a finales fatales”.

Muchos de nosotros hemos sufrido acoso de algún tipo o conocemos a alguien que lo ha padecido. “No, no podría decir que haya sufrido acoso –afirma Fernando-. Sí que es cierto que en el colegio y en el instituto estábamos muy acostumbrados a meternos unos con otros y algunas veces nos pasábamos de frenada con alguna broma o con algún comentario, pero por suerte nunca hubo que lamentar más que algún enfado”.

“Yo tuve suerte, y pese a mi corta estatura de niño y ser un friki, la cosa se quedó en un mote –añade Miguel Porto-. Pero creo que casi cualquier persona puede recordar algún caso que haya presenciado o conoce a alguien que lo ha sufrido. Yo he tenido casos cercanos en casa, en el aula y en la vida, no todos de la intensidad, o fisicidad del caso de Iñaki, claro”.

Dibujando ‘Subnormal’

Miguel Porto nos confiesa que, para la documentación, ha sido fundamental la colaboración del exjugador de baloncesto: “He podido usar fotos del archivo personal de Iñaki, efectivamente, y pasé un fin de semana con él por Getxo para documentar cosas concretas, además de alguna foto que me sacó el majo de Alex Orbe que es de allí, y algún guiño a Haneke”.

En cuanto a la longitud de la historia, Miguel confiesa que: “Hacer una historia larga siempre es un reto, como ya había experimentado con Allen, Son of Hellcock. En esta travesía por otro lado conté con la ayuda inestimable de Irene Ríos, Livia Garcia y Greta Debelius que aliviaron algo de la presión ayudando en diferentes procesos de coloreado, aunque el color definitivo también es mío”.

Sus proyectos

En cuanto a sus proyectos, el guionista asegura que: “Son varios. De momento lo que ya está terminado y que se podrá leer cuando la pandemia lo permita son: Humor artificial junto a Miguel Ángel Hernández que editará Dolmen y Plot point junto a Esteban Hernández y que será coeditado por Nuevo Nueve en español y Retranca Editora en gallego”.

Miguel Porto también va a estar ocupado: “Justo acabo de terminar las ilustraciones para una novela juvenil que se titula Antia e Daren, para Xerais. En cuanto a cómics sigo colaborando en A Viñeta de Schroedinger con mi serie de ci-fi adolescente, Astrocito, y estoy dando vueltas a un proyecto personal que prefiero no gafar. Por lo demás sigo dando clases en O Garaxe Hermético, y dirigiendo y organizando Bosquexo, campamento de dibujo en el rural, junto con mis amigos de Sende”.

Subnormal. Una historia de acoso escolar es un cómic que debería estar en las bibliotecas de todos los colegios porque, como nos recuerda Iñaki Zubizarreta: “Con trabajo, constancia y tiempo, se puede salir de ese infierno. No es un camino ni corto ni fácil, pero sí es posible”.

Por cierto, nos gustaría agradecer la enorme labor y la valentía que siempre ha demostrado José Luis Córdoba, que ha elegido este destacado proyecto para jubilarse como Director de Publicaciones de Panini (después de 16 años) y dedicarse a su gran pasión: la escritura. Una nueva faceta en la que le deseamos mucha suerte.


Fuente:  https://www.rtve.es/noticias/20200907/comic-lucha-contra-acoso-escolar-inaki-zubizarreta-llega-comic/2041360.shtml