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miércoles, 30 de diciembre de 2020

Animación y cómic en la gran pantalla


 La productora valenciana de animación Hampa Studio adaptará la novela gráfica Chica y lobo, de Roc Espinet. Esta película de animación estará dirigida por el propio autor y contará con financiación del IVAC.

La empresa presentó el proyecto a principios de año en la feria Cartoon Movie. Llevará a cabo la producción junto a Latido Films y Sygnatia Films y utilizarán animación 2D, la misma que en Buñuel y el laberinto de las tortugas, mejor película de animación en la pasada edición de los Premios Goya.

El cómic cuenta la historia de Paula, una chica insegura e inocente que encontrará en una salvaje manada de lobos las respuestas a todos sus traumas infantiles, además conocerá a Sara, una amiga que se convertirá en su amante. La obra original tiene una buena dosis de sangre y sexo, que ahora basculan de qué manera trasladarlo o no al guion del film.

Hampa Studio también es responsable del debut como realizador de Fermín Muguruza en la adaptación de su cómic Black Is Beltza y de la película Memorias de un hombre en pijama, que adapta la obra del valenciano Paco Roca.

martes, 29 de diciembre de 2020

'Galdós y la Miseria' reimagina los últimos días del escritor


 Este 2020 debíamos haber celebrado el año de Benito Pérez Galdós (1843-1920), coincidiendo con el centenario de la muerte del autor de Fortunata y Jacinta o los Episodios Nacionales, pero es otra de las cosas que el coronavirus se ha llevado por delante. Afortunadamente tenemos que celebrar la publicación de Galdós y la Miseria (Nuevo Nueve), uno de los cómics más destacados del año a cargo del guionista Juan Torres (El Torres) y el dibujante Alberto Belmonte.

Hemos hablado con el popular guionista sobre este libro que forma parte de la trilogía que ha dedicado a las tres grandes “Gs” de nuestras artes: Gaudí (El fantasma de Gaudí), Goya (Goya.Lo sublime terrible) y Galdós. “De hecho tenía que haber sido el segundo tras Gaudí -confiesa-. Yo siempre he leído a Galdós, al que descubrí por Paqui, mi pareja, y me parece un escritor muy moderno. En Fortunata y Jacinta o Tristana hace algunas comparaciones con el estamento político de aquel entonces y te das cuenta de lo poco que ha cambiado la cosa. O cuando habla de la gente de Madrid diciendo que los que no se escapan en verano se quedan diciendo que "qué buena está el agua de Madrid". ¡Y estamos hablando del Siglo XIX!”

“El desafío era acercarse a Galdós de una forma original -continúa-, porque se ha escrito muchísimo sobre él. Por eso nuestra historia es con Galdós y no sobre Galdós. Con elementos históricos reales, pero sin ser la típica biografía”.

Como en el caso de Goya, lo sublime terrible, El Torres se centra en la vejez de Galdós, concretamente en su último año de vida (1919-1920). “Esto de la fama es como cíclico, tienes el momento cumbre y luego envejeces, desapareces, o te rescata Tarantino –asegura El Torres-. Cuando Fran Galán y yo trabajábamos en el cómic de Goya nos dimos cuenta de que todo tenía que llevar a esa etapa final de las “Pinturas negras” en Burdeos. Y en el caso de Galdós, en sus últimos años estuvo denostado por razones políticas, casi olvidado y pasando penurias. Lo que nos resultaba extraño y fascinante”

“Eran unos años -continúa el guionista- en los que Galdós estaba medio ciego y no podía escribir. Pero aun así tenía momentos brillantísimos. Y ahí es cuando nos damos cuenta de que cuando parece que alguien está acabado, con el tiempo te das cuenta de que estaba brillando”.

“Elena Miserias”, la auténtica protagonista del cómic

El cómic cuenta la relación de un Galdós anciano, medio ciego y casi arruinado, con una mendiga a la que llaman “la Miserias”, que sorprende al escritor por su cultura y su belleza… y que esconde un terrible secreto.

“Elena tiene el nombre de mi abuela y de mi hermana -nos cuenta El Torres- y es una huérfana que es criada por un médico que, cuando muere, le promete dejarla su herencia si es una de las primera mujeres en estudiar medicina. Pero al llegar a Madrid la familia del médico, que es una banda de sinvergüenzas, la dejan sin nada, la violan… y acaba pidiendo en la calle. En plan dramón decimonónico. Y cuando por fin conoce a Galdós, me sirve para describir la vida diaria del escritor”.

“Elena desencadena la historia galdosiana alrededor de Galdós -añade El Torres-. Podía haber hecho una historia galdosiana con gente real, porque muchos de los personajes del escritor estaban basados en sus conocidos. O podía haber retratado a sus personajes como en la serie Dickensian, en la que todas las creaciones de Dickens conviven en el mismo lugar y tiempo. Y hubiera sido posible porque los personajes de Galdós conviven en un mismo Madrid y saltan de un libro a otro. Pero entonces no podría haber salido Galdós”.

“Por eso -continúa- cree a Elena, que tiene su propia historia alrededor y sus propios personajes, aunque estén basados en los de Galdós. Así tenemos a Galdós con su vida real de los últimos años pero rodeado de estos personajes que son arquetipos galdosianos; desde el señorito banquero con pocos escrúpulos a la chica que pasa miles de penurias pero, aún así, no acaba de hincar la rodilla ni rendirse, o a las personas que se acomodan en sus esquemas sociales”.

Pero… ¿A qué personaje de Galdós se podría Parecer Elena? “Tiene cosas de varios –asegura El Torres-. Más que ser un personaje de Galdós sería el prototipo del fan que conoce toda su obra y sabe cómo acercarse a él. Tiene esa parte de Benina (la protagonista de Misericordia) de que es una persona que las está pasando canutas, también de Isidora (La desheredada) que es una mujer que podía ser feliz pero a la que la sociedad ha empujado a lo más hondo”.

“Pero es una persona mucho más cerebral que ellas y conoce muy bien a Galdós, lo que le permite acercarse a él -añade-. Por eso cuando lo conoce le dice: “te estoy pidiendo en la calle pero no soy Benina”.Tampoco quería presentarla como un personaje bondadoso y por eso comienzo con ese prólogo, que realmente es el final de la historia, en el que vemos una sorprendente faceta de Elena”.

“Quería presentar a Galdós en una tertulia”

El Torres confiesa que: “Lo que tenía claro es que a Galdós lo quería presentar en una tertulia de la época, en uno de los cafés míticos de Madrid. Cuando lo conocemos está perdiendo la vista pero conserva cierta autonomía, todavía sale por las noches de “fulaneo, aunque está viendo cómo se le escapa la vida. La mayor ficción del cómic es que Galdós habla mucho cuando todos sabemos que era una persona más bien observadora”.

Una historia galdosiana necesita unos grandes villanos y los elegidos son ‘los Botines’. “Son un retrato exagerado del banquero malvado sin escrúpulos –afirma El Torres-. Pero no el banquero que te roba el dinero, sino ese para él que el dinero es más real que las personas que lo rodean. Tanto el padre como el hijo son una mezcla de Juanito Santa Cruz, de Fortunata y Jacinta, y de Torquemada. Y aparte tienen esa cosa más actual, de los banqueros sin escrúpulos que tenemos en estos últimos años. Y que funcionan con una absoluta sociopatía, sin respetar a la gente lo más mínimo. Serían como los Lobos de Wall Street de la época. Personas que solo piensan en acumular dinero”.

Estas últimas semanas se ha vuelto a hablar mucho de las cartas “picantonas” que se dirigían Galdós y Emilia Pardo Bazán y que El Torres ha podido leer. “La relación epistolar que tuvo con Pardo Bazán es tan potente que hoy nos hace mucha gracia. Aunque  mí me hacen más gracia las cartas de ella en las que le decía “ratoncillo mío, ¡que te como los bigotes!”.

“Estamos todos como buitres, leyendo una correspondencia privada de dos personas que si nos mirarán los móviles saldrían cosas por el estilo –añade-. Aunque nos llama mucho la atención por ser quienes eran. En este primer volumen paso de puntillas por esa relación de los dos, que trataré más en el segundo y último. Y es que es tan absorbente que se comería el resto de la historia. Y es que Galdós tuvo muchas relaciones con mujeres”.

El Madrid de Galdós

En el cómic aparecen los lugares más importantes de la vida de Galdós, como Santander o las Palmas, pero el principal escenario es Madrid. “Hablar de Galdós es hablar de Madrid -asegura El Torres-. Afortunadamente hay muchos estudios y muchas fotografías de la época. Pero lo que queríamos mostrar de este Madrid que Galdós retrata de una forma impresionante es lo mucho que se parece al Madrid actual”.

“Hemos buscado los lugares que salen en las novelas de Galdós -añade-. Hay rutas que lo recorren porque ese Madrid sigue ahí, oculto. Por ejemplo, donde estaba el Café del Gallo ahora haya una tienda de souvenirs… ha sido fascinante recorrer ese Madrid y redescubrir esos lugares”.

“Lo que queríamos era retratar ese Madrid desde el punto de vista de Galdós -continúa El Torres-. Y hay cosas graciosas como que Galdós decía que "la Gran Vía siempre estaba en obras" y ahora lo sigue estando (ríe). Hay cosas que nunca cambian”.

Cada capítulo del cómic comienza con una frase extraída de las obras de Galdós. “Es muy difícil encontrar citas concretas en la obra de Galdós, del tipo que te tatuarías -confiesa El Torres-, porque su prosa se desenvuelve con mucha ironía, pero no recurre a los chistes fáciles o las sentencias lapidarias. Con esas frases queríamos recrear sensaciones que pudieran tener los personajes de los que las extraíamos. Como esa sensación de los madrileños que no saben salir de Madrid. A mí, personalmente, me agobia mucho Madrid”.

“Esas frases también están buscadas para que tengan cierta consonancia con la época que vivimos actualmente -añade-. Y para que despierten curiosidad en la gente y vuelva a leer a Galdós”.

Le negaron el Nobel de Literatura dos veces

En el cómic también se recrean las circunstancias políticas que llevaron a que a Galdós no le dieran nunca el Premio Nobel, aunque fuera el mejor escritor de su época. “Se lo negaron las dos veces en que fue propuesto -asegura El Torres-. Hubo una campaña en su contra como las que podemos vivir hoy en día en Twitter. Galdós tenía fama de anticlerical, antimonárquico y antivalores tradicionales, lo que hizo que sufriera esa campaña, con cientos de cartas y telegramas enviados a la Academia Sueca. Lo que asustó a esa institución”.

“Aunque Galdós no era muy rígido en sus convenciones políticas, si las tenía -añade-. Tenía una serie de valores, como ser republicano, que hoy día vemos bastante lógicos. Lo que no le impidió encontrarse con reyes. Pero al meterse en política (fue diputado por Las Palmas) también se granjeó muchísimos enemigos. Y que se postulara políticamente en una época en la que todo el mundo bajaba la cabeza para que los tiros pasaran por encima, hizo que se llevará bastantes palos. Por eso hay muchas caricaturas de la época de Galdós matando a curas” (ríe).

Un estupendo trabajo de Alberto Belmonte

Destacar el ojo que tiene El Torres para elegir a los dibujantes de sus proyectos, como  Alberto Belmonte (Jerez de la Frontera, 1973), el encargado de Galdós y la Miseria. “Alberto ha sufrido mucho -confiesa-. Primero porque cuando empezó el cómic probó estilos más pictóricos y expresionistas, con mucha pincelada. Pero en este cómic el dibujo tiene que ser muy pausado y muy tranquilo, ya que la tensión va en los diálogos. Por eso hemos huido del dinamismo, de los contrapicados… porque no hay escenas de acción”.

“Lo importante en esta historia -añade-, era transmitir la cotidianidad de la vida de Galdós. Y eso lo ha hecho de forma magistral. Los personajes, las casas de la época… todo respira vida, no parece un set. También el personaje del escritor, que en realidad es un arquetipo del propio Galdós en vez de un retrato. Eso me encanta”.

“Y sobre todo destacaría su retrato del Madrid de la época. A veces le mandaba fotos de un café y me contestaba: “Ese local se había cerrado tres meses antes y en esa época se llamaba de otra manera”.

“Pero lo que más me gusta son sus retratos femeninos como el de Elena, el de Rosa (que será la protagonista del segundo volumen) o el de la hija de Galdós, María, que aparece en una pocas viñetas. Los personajes femeninos son fundamentales en esta obra y Belmonte los ha retratado con la ternura, la frialdad… que requería cada momento”.

El segundo y último capítulo de esta obra se publicará el año que viene. “Voy a jugar un poco con lo que hacía Galdós con Fortunata y Jacinta. El primero va a ser la historia desde el punto de vista de Elena y el segundo desde el de Rosa. También cambiaré el eje de narración. Lo importante es la historia, quitar paja y crear sensaciones”.

Sus proyectos

Además de ser guionista Torres también ha creado la editorial Karras, con lo que sus proyectos son casi inabarcables. “Hay una cosa que he decidido hacer, y me está gustando mucho, que es una trilogía de Robert E. Howard, cogiendo sus personajes canónicos: Conan, Solomon Kane y Sonya de Rogatino y añadiendo elementos de sus historias de terror”.

“Lo novedoso -añade- es que no me aproximo desde el punto de vista del fan sino que indago en lo que realmente quería contar Howard: Conan es el ejemplo de que la civilización es algo falso e inestable y de que todos estamos condenados a la barbarie; Solomon Kane es un personaje obsesionado con que Dios lo ha puesto para ser su mano ejecutora en la Tierra; y Sonya reflejaba esa sensualidad reprimida en tiempos de guerra, con la protagonista rodeada de arcabuceros pegando tiros. Esa es la trilogía a la que me he lanzado”.

“El año que viene también sacaremos la segunda parte de Roman ritual, con el dibujante Jaime Martínez, que le tengo muchas ganas. Y preparo un cómic con personajes creados por Vicente Cifuentes, que es una cosa muy loca: un Houdini Victoriano con animales. Un comic de terror muy crudo con Rubén Gil, que incluso a mí me causa cierto reparo escribir… Y muchas cosas más”.

Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20201229/comic-comic-reimagina-ultimos-dias-galdos/2061378.shtml

sábado, 26 de diciembre de 2020

En marcha una película de Tintín en imagen real


 Desde que en 2011 se estrenase Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio hemos estado esperando noticias sobre cuándo podríamos ver la próxima película de Steven Spielberg protagonizada por el intrépido reportero creado por Hergé. De vez en cuando Peter Jackson, productor ejecutivo de la planeada trilogía animada, nos proporciona alguna noticia sobre cómo siguen trabajando en ella y esperan que se haga pronto. Desgraciadamente, ha pasado casi una década y no hemos tenido nada. Parece que eso podría cambiar pronto, ya que se está desarrollando una nueva película de Tintin. Sin embargo, la novedad es que no se trata de una continuación del largometraje de animación de Spielberg, sino de algo completamente distinto.

Esto lo ha revelado el diario francés Le Figaro, al que el director Patrice Leconte ha explicado su intención de realizar un largometraje de Tintín. La película se basará en Las joyas de la Castafiore, una de las últimas historias del personaje que se publicaron. Sin embargo, Leconte ha dicho que antes debe terminar el rodaje de su nueva película, Maigret et la jeune morte, que empezaría a filmarse a principios de 2021. También hay algunos problemas con los derechos que deberán resolverse con Paramount France y los titulares de los derechos de Tintín. De todos modos, Leconte asegura que la película ya está en una etapa de desarrollo bastante avanzada.

A diferencia de otros álbumes más viajeros de Tintín, la historia del vigésimo primer volumen de la serie, publicado en 1963, sucede por completo en torno a la finca familiar de Haddock en Marlinspike Hall y tiene un tono más cómico que otros libros de la serie. Comienza cuando la diva de la ópera milanesa Bianca Castafiore se invita a sí misma a quedarse y actuar en Marlinspike, para disgusto de un Haddock perjudicado. Poco después, una preciosa esmeralda propiedad de la cantante es robada.

Patrice Leconte, que también es dibujante, ha explicado que un productor francés va camino de los Estados Unidos para intentar conseguir los derechos de Las joyas de la Castafiore y que ya tiene en mente a los actores que podrían interpretar al Capitán Haddock y a Bianca Castafiore, aunque aún no ha encontrado a su protagonista.

Las aventuras de Tintín se han llevado a la pantalla en varias ocasiones, siendo la última la adaptación en animación CGI de El secreto del Unicornio ya mencionada. Anteriormente el personaje tuvo un par de películas en imagen real en la década de los 60: Tintín y el misterio del Toisón de oro, y Tintín y el misterio de las naranjas azules, rodadas con un presupuesto bastante escaso para lo que el personaje merece. Esperemos que el proyecto de Leconte, de llevarse a cabo, cuente con mayor fortuna.

Fuente: https://www.lacasadeel.net/2020/10/en-marcha-una-pelicula-de-tintin-en-imagen-real.html

miércoles, 23 de diciembre de 2020

Píldoras, sexo y rebeliones: así es 'Coñodramas', el cómic más transgresor de Moderna de Pueblo


“¡Cuidado! Este libro atufa a feminismo y encima sólo habla de cosas de chicas. Tonterías divertidas, muy reales y muy comunes, pero de poca importancia para la mitad de la población. En una palabra: coñodramas”. Así de fuertes vienen Raquel Córcoles -la creadora de Moderna de Pueblo- y Carlos Carrero, coguionista de sus dos últimas obras y, además, su pareja sentimental. Ahora golpean al machirulismo patrio con Coñodramas (Zenith), una auténtica enciclopedia de 300 páginas hilarante, descarada, explícita y sin complejos donde Moderna de Pueblo se enfrenta al mundo desde sus gafas de sol oscuras y su mirada locuaz.

Es una protestona carismática y cada vez más liberada, como su madre Córcoles: poco a poco se van arrancando el último pelo de la lengua. En este libro, Moderna reflexiona sobre su carrera como autora y los obstáculos que ha ido superando, ¡hasta con los géneros que parecen asociados a mujeres o a hombres! “Quizá el problema no es que me aburra la ciencia ficción, sino que este género se ha desarrollado por y para tíos”, comenta ella con sus colegas frente a una película rebautizada como Peñazo sideral. Entonces, sin que nadie dé un duro por ella, se pone a trabajar en un relato de superheroínas.

Eso sí: con mucha guasa. Las tres chicas son conocidas como “las secundarias” e intentan escapar de la “nave-nabo”. Ironizan sobre los papeles que les han sido concedidos en ese cuento, atacan a los superhéroes -entre cobras y mansplainings- con unas pistolas que disparan semen hasta que consiguen vencerlos, emanciparse de la caspa de los viejos relatos y erigirse como las protagonistas del asunto. Ahí se suben a su nueva nave, que tiene la auténtica forma de las trompas de falopio, y toman el mando de su vida.

La vida en la treintena

Se tratan temas fundamentales en el libro y terriblemente contemporáneos, como la amistad en la treintena: cómo seguir quedando si cada vez nuestra vida es más difícil, si cada vez tenemos más responsabilidades, parejas, estrés, curros temporales, mascotas, ¿hijos? Ojo a la aparición estelar de la llamada “mami del grupo”, inevitablemente más marginada que el resto porque las demás chicas no se sienten cómodas “pillándose un pedo” con un bebé delante -cuenta Moderna, con mucha gracia-. Es interesante también cómo ella reivindica su propia historia: no siente que si vida haya dejado de ser narrativa, sencillamente, por tener marido e hijos. 

Cuando por fin no hay críos a la vista, hablan de otras cosas que preocupan a las mujeres: como que la píldora anticonceptiva rebaja -¡o anula!- el deseo sexual; o como que descubres, una vez reducida la pasión, que tu novio es un machirulo. “Es un claro caso de: mente feminista, coño machista”, alega una de las colegas. “Yo también lo sufro y es un dúo más trágico que Romeo y Julieta. Tu compañero ideal de cama no coincide con el ideal para la vida”.

Contraponen también algunos tipos de tíos: claro que está ese varonil que no hace nada en casa y sin embargo se queja por todo, que no cocina pero critica el plato que le has preparado, que no hace la compra pero quiere otros yogures… -aunque estas cosas también las hace Moderna de pueblo-. Por otro lado, están los novios como los de esta última, que sus amigas definen como “medio-gais”. ¡Todo por ser atentos, educados, cuidadosos con la casa, serviciales y maravillosos! Moderna se siente como perteneciendo a un club secreto y exclusivo.

Confesiones de mala feminista

“En la mayoría de las parejas, hay alguien que cuida y que se deja cuidar. Pero cuidado con descuidar a quien te cuida, porque un día se podría hartar de hacerlo”. Pum. El caso de Zorry es otro: ella no se siente “como las demás” porque en su vida no hay pareja estable ni niños, sólo una prometedora vida laboral en la radio. Ah: trabajaba en el mismo edificio que sus “referentes”, los cómicos de moda del país. Claro que no encaja con ellos. Cuando ella aparece, ellos callan: en su presencia no seguirán haciendo todas esas bromas machirulas que disfrutan.

Zorry siempre se había sentido “guay” por haber tenido mayoría de amigos tíos. Ahora empieza a entender que el mundo es más complicado. Moderna cuenta que siempre admiró a Zorry por sus ideas, porque era la más vanguardista, porque iba por delante que el resto: le hizo pasar por fin de las revistas femeninas y de todas sus exigencias de belleza, le cambió Sexo en Nueva York por Girls, de Lena Dunham.

Las ambiciones laborales

En el libro también se juega a ratos al “cómic vintage romántico”, es decir, a las “bad feminist confessions”: historias de amor idílicas en las que el chico espera pacientemente para tener sexo -porque ella tiene papiloma, aunque eso es un secreto-, ella se escucha los discos favoritos de él, él se lee todos sus cómics, la espera en un banco cada día al salir del trabajo… y en algún momento, el tipo se cansa de las ambiciones laborales de ella que lo dejan todo el día solo.

“¡Parece que tengo una novia imaginaria! ¡Mis amigos te invitan a todo y nunca vas!”, le reprocha. Ella se plantea entonces si quiere vivir la vida de Los puentes de Madison o no. ¿O es mejor acaso ser Meryl en El diablo viste de Prada y ser una mujer de éxito que ha dedicado su vida al trabajo y está sola y amargada?

Se habla del derecho a la mediocridad de las mujeres -¿por qué tienen que ser genios para que se las escuche cuando a ellos los escuchamos con talentos de todo tipo, a veces muy justitos?-, se habla de la contradicción de una autora entre querer agradar estando guapa o desechar todo eso y buscar que se centren en su trabajo, se habla del síndrome de la impostora y de lo culpable que se siente una cuando su pareja queda un poco en la sombra -no obstante, ellos jamás se han sentido así con nosotras, ¿no?-.

Es un libro agudo, valiente, transgresor y radical en el mejor de los sentidos, un libro que huye del “preciosismo” y de lo naif para señalar, sin tapujos, la grieta. 

Fuente: https://www.elespanol.com/mujer/actualidad/20201222/pildoras-rebeliones-conodramas-comic-transgresor-moderna-pueblo/545196709_0.html

lunes, 21 de diciembre de 2020

Priya, la superheroína india del cómic, se enfrenta a un nuevo supervillano: el coronavirus


 Priya, la superheroína india de cómic famosa por su lucha contra la violencia de género, se enfrenta a un nuevo supervillano. Se trata del coronavirus, el causante de una pandemia que se ha extendido a todo el mundo. A lomos de su tigre volador, acompaña a una niña encerrada en casa en un vuelo sobre Delhi, en el que muestra el poder de las mascarillas, la necesidad de tomar medidas preventivas y el agradecimiento que hay que tener con los trabajadores sanitarios. Además, alerta sobre la desinformación y el negacionismo, secuaces del malvado virus. Asuntos importantes en un país muy castigado por la pandemia, con más de diez millones de infectados y casi 150.000 muertos.

La mascarilla de Priya es la cuarta entrega de este cómic social indio, nacido para combatir las enormes dosis de violencia de género en el país. Traducido al español por dos profesores de la Universidad de Alicante, Natalia Contreras de la Llave y Julián López, ha dado ahora un giro de timón forzoso a causa de la pandemia de la covid-19, según explica su creador y principal impulsor, Ram Devineni. El equipo de Priya trabajaba “en una edición centrada en los asesinatos por honor, pero la pandemia de la covid-19 lo anuló todo”, declara Devineni por correo electrónico.

“Todos nuestros cómics incluyen una extensa investigación y entrevistas con supervivientes”, continúa, “pero este ha sido muy difícil de hacer debido a las restricciones de viaje y los encierros”. La crisis mundial apuntaba a que “la pandemia y sus repercusiones en las mujeres de todo el mundo era un tema fundamental en el que centrarse”, asegura. Y se aliaron con la Embajada de los Estados Unidos en Nueva Delhi para sacarlo adelante.

Priya regresa en el nuevo cómic y cortometraje de animación, en el que varias actrices, incluida Rosanna Arquette, dan voz a los personajes. Según Devineni, la superheroína “ha sido reimaginada cuando era una adolescente, pero todavía es feroz y fuerte”. El motivo del rejuvenecimiento radica en que “la nueva edición está dirigida a un público más joven”, con el objetivo de “disipar la información errónea sobre la covid-19”. “La pandemia ha desafiado a todos y el nivel de miedo e incertidumbre es muy alto”, señala el productor y director cinematográfico. “El mensaje de Priya siempre ha sido sobre conquistar tus miedos para encontrar fuerza” y ahora “nos muestra por qué es importante trabajar juntos para derrotar al virus e implementar prácticas de seguridad básicas como usar una máscara por su seguridad y la mía”, dice.

El proyecto, que cuenta con el apoyo del Festival de Cine de Tribeca y el Banco Mundial, y ha sido aplaudido por la ONU, no aparta la mirada, en cualquier caso, de la situación de las mujeres en India. “La pandemia y sus efectos en la sociedad y especialmente en las mujeres apenas se han discutido ni medido”, afirma Devineni. “Las mujeres han estado a la vanguardia de la pandemia trabajando como cuidadoras y trabajadoras médicas. Se han visto afectadas de manera desproporcionada por la pandemia de la covid-19”, a lo que añade que “ha habido mucha discusión sobre las consecuencias económicas y médicas del virus, pero muy poco sobre el costo emocional que tiene en las personas”. “Vivir en aislamiento es difícil, y especialmente en los niños”, por lo que crearon el personaje de Meena, la hija de una enfermera.

India, además, es uno de los países más afectados por la pandemia. Y tampoco se ha librado de la desinformación y el negacionismo. “Ambos fueron grandes problemas y siguen siendo un problema”, admite el autor. “Al comienzo, los médicos y enfermeras indios fueron los más afectados por el virus”, señala “y además se difundió mucha desinformación en las redes sociales y especialmente en WhatsApp en India, que culpaba a los grupos étnicos y religiosos minoritarios por la pandemia”.

El mensaje de Priya siempre ha sido sobre conquistar tus miedos para encontrar fuerza y ahora nos muestra por qué es importante trabajar juntos para derrotar al virus.

La cuarta entrega de las aventuras de Priya continúa, además, con la labor social impulsada en el país asiático a través de este proyecto. La serie de cómics fue “un éxito mundial con más de 500.000 descargas digitales y más de 26 millones de lectores en todo el mundo”, según los datos que maneja el equipo, por lo que “tuvo un impacto al cambiar la discusión y enfocarse en los supervivientes de violaciones y ataques con ácido”, los asuntos en los que se centraba en los primeros comics. Devineni avanza que están “trabajando con la Embajada de los Estados Unidos en Nueva Delhi para crear e imprimir un plan de estudios y cómics que se utilizarán en las escuelas de la India”. “Será una gran herramienta de enseñanza”, vaticina.

“Los supervivientes a menudo se quejaban de que querían ser más públicos y contar sus historias, pero los medios de comunicación y el público en general no querían escucharlos debido a la naturaleza brutal del crimen y las cicatrices que deja”, sostiene. “El cómic galvanizó a la gente en torno a los supervivientes y les ayudó a contar sus historias en los medios de comunicación”.


Fuente: https://elpais.com/planeta-futuro/2020-12-19/priya-la-superheroina-india-del-comic-se-enfrenta-a-un-nuevo-supervillano-el-coronavirus.html

miércoles, 16 de diciembre de 2020

"La historia de Cristina", el cómic de Paco Roca sobre el tratamiento de una mujer con cáncer de mama


 El dibujante valenciano Paco Roca ha ilustrado "La Historia de Cristina", un cómic que relata la vida de una paciente que, tras ser diagnosticada con cáncer de mama HER2 positivo, recibe un tratamiento mediante una técnica de la que nunca había oído hablar: la neoadyuvancia.

La neoadyuvancia implica administrar uno o varios fármacos antes de realizar una cirugía, una fase previa a entrar al quirófano que ayuda, entre otras cosas, a reducir el tamaño del tumor facilitando su eliminación posterior.

El autor de "Arrugas", "La casa" o "Los surcos del azar" ha unido fuerzas con Roche para explicar, de un modo sencillo, la experiencia de todas aquellas mujeres que, tras un diagnóstico complicado, afrontan un tratamiento innovador.

"Sin duda el cómic tiene un gran poder didáctico, usarlo para poder explicar o reflexionar sobre temas que me parecen interesantes siempre me motiva", asegura Roca en un comunicado remitido por Roche.

Según el dibujante, este ha sido el caso de "La Historia de Cristina", que cuenta cómo la paciente se enfrenta al cáncer y cómo gracias al cuidado de los profesionales lo supera".

A través del testimonio de Cristina, Roche pretende dar visibilidad a todas las mujeres que padecen cáncer de mama; solo en España se diagnostican al año cerca de 33.000 nuevos casos.

Dentro del cáncer de mama existen diferentes subtipos, de los cuales aproximadamente un 20 % son cáncer de mama HER2 positivo, como el que padece la protagonista del cómic.

Aunque hasta hace unos años el cáncer de mama se abordaba como una sola enfermedad, la investigación médica ha permitido descubrir y conocer que existen muchos subtipos y que pueden ser tratados de una forma específica cada uno de ellos.

Según Beatriz Lozano, directora de Comunicación, Pacientes y RSC de Roche Farma España, el acceso a la información y el conocimiento por parte de los pacientes de los temas relacionados con su salud "es una prioridad" para esta firma, y por ello, "es fundamental innovar en formatos divulgativos junto a artistas de la talla de Paco Roca".

El cómic de Roca está disponible en la web de Roche Pacientes para su descarga y también es posible acceder a su versión en vídeo.

lunes, 14 de diciembre de 2020

'Curtiss Hill', un trepidante cómic inspirado en las primeras carreras de coches


El dibujante mallorquín Pau Rodríguez (La saga de Atlas & Axis, Baboon!, La isla de las piedras y el libro técnico Turbo. Cómo dibujar coches dinámicos) ha unido sus dos temas favoritos, las aventuras de animales antropomórficos y el mundo del automovilismo, en el cómic Curtiss Hill: El mejor amigo del perro (Escápula Comics), cuyo título es el nombre del protagonista, un perro piloto de carreras en los años 30. Una trepidante aventura donde también conoceremos a su adversario Rowlf Zeichner a través del trabajo de la fotoperiodista Maugène Berk, que irá descubriendo las caras e historias ocultas de ambos. Un proyecto que ganó el Premio Ciutat de Palma de cómic 2019.

Pau nos comenta cómo se elaciona este universo con su mayor éxito: "Con Atlas & Axis confirmé que los cómics con animales para todos los públicos eran los que mejor se me daban, o al menos lo que más gusta, consiguiendo que se publiquen en once idiomas. Tomé la decisión de continuar por esta vía, construyendo poco a poco una colección de cómics del mismo estilo -grandes aventuras animales para todos los públicos, con emociones fuertes y humor-ambientados en diferentes épocas".

"Otra cosa que también se me da bien es dibujar coches, así que en Curtiss Hill quise juntar esas dos cosas con una tercera, que también se me da bien: contar una historia manteniendo el interés del lector" -añade Pau-.

Una competición por la amistad, el amor y la supervivencia

Pau nos resume el argumento de la hisotia: "Curtiss Hill y Rowlf Zeichner afrontan las peligrosas carreras de coches de los años 30 de manera opuesta: uno pone ante todo la deportividad y el juego limpio, y el otro antepone la victoria a todo lo demás, aunque haya que hacer trampas. La fotoperiodista Maugène Berk nos descubrirá las motivaciones ocultas de cada uno, y quién es un auténtico campeón fuera de las pistas, en una competición por la amistad, el amor y la supervivencia, en la que ambos personajes cambiarán para ser mejores".

"Curtiss es un millonario filántropo y un caballero en los circuitos -continúa Pau-, mientras que Rowlf es un extranjero que corre por dinero, mal perdedor y tramposo. Os invito a leer el cómic para saber cómo son en realidad fuera del circuito. No son de una raza definida, aunque en este cómic, más que racismo, el problema es la especie: En Kalkany el odio de los perros a los gatos está a punto de desencadenar un conflicto armado".

La periodista Maugéne Berk juega un papel fundamental en la trama porque gracias a sus averiguaciones descubriremos cómo son en realidad los protagonistas: "Es nuestro hilo conductor para seguir la historia, y un catalizador para la transformación de ambos protagonistas, atraídos por ella. Son unos perritos calientes".

Un mundo a punto de entrar en guerra

Pau nos comenta que el mundo de Curtiss Hill se parece mucho al Estados Unidos de entreguerras, afectado por la gran crisis económica. "Sí, la crisis de 2008 -que fue de risa comparada con la de ahora- nos hizo pensar en todos los paralelismos que había con el crack de 1929, y quisimos ambientar las historias en esa incertidumbre, que si se ha de repetir la Historia, no acaba nada bien".

"También era una época apasionante por el desarrollo tecnológico espectacular y porque aún había muchos pioneros en la aviación y el automovilismo" -añade-.

Cinco autores que comparten un mismo universo

Una de las cosas que no todo el mujndo sabe es que pau pertecene a un curioso grupo de dibujantes que comparten un mismo universo e incluso se intercambian los personajes. "En el salón del cómic de Gijón -nos cuenta- coincidimos Dani Acuña, Diego Olmos, Santi Arcas, Rubén del Rincón y yo (todos para recoger un premio), que ya éramos amigos de nuestros viajes a Angoulême, y como esto del cómic nos apasiona, empezamos a imaginar un proyecto conjunto en el que hiciéramos lo que realmente queríamos hacer (en vez de lo que nos estaba dando de comer pero no nos satisfacía plenamente). Lo que haríamos por gusto, si el dinero no fuera problema".

"Y se nos ocurrió dibujar historias ambientadas en esa época y en una misma ciudad, utilizando cada uno como secundarios los protagonistas de los demás -añade Pau-. Todo en tonos sepia, para no hacer algo demasiado diferente unos de otros, y darle el toque de esa época. Hicimos unos pocos dibujos y páginas cada uno, pero es un esfuerzo tan grande que no puede hacerse sin remuneración".

"Cuando me quedé sin encontrar editor para mis próximos proyectos -continúa-, decidí jugármelo todo al patreon: Me lié la manta a la cabeza y me puse a dibujar mi historia (Curtiss Hill) para mis lectores más fieles, que me están apoyando cada mes en www.patreon.com/pau mientras confiaba en encontrar un editor que financiara la producción. Por suerte, Curtiss ganó el premio Ciutat de Palma, y pude acabarlo. Ahora el editor soy yo, lo he publicado en castellano y catalán, y he vendido los derechos a Dark Horse y Paquet para su publicación en inglés y francés".

"Mi pasión por los coches me viene de Franquin"

Pau es uno de los mejores dibujantes de coches de la actualidad e incluso ha publicado el libro Turbo. Cómo dibujar coches dinámicos "Creo que esa afición me viene principalmente de los dibujos de Franquin (Spirou). Me encantaba cómo dibujaba las máquinas. También Akira Toriyama, Miyazaki o Jan. Cuando empecé a dibujarlos yo, vi que no era nada fácil, y mucho menos darles esa vida y ese movimiento, así que me piqué, empecé a estudiar revistas de coches y me enganché".

En el cómic destacan las espectaculares carreras de esos coches de época: "Lo que me gusta de las carreras de los años 30 es el desarrollo que alcanzaron los coches en esa época -afirma Pau-, con menos limitaciones que posteriormente, y lo valientes que eran los pilotos, que se jugaban la vida y tenían muchísimos boletos. Conté con la ventaja de saber lo que vino después para crear un ingeniero adelantado a su tiempo, Dino Canino".

LLeva toda la vida documentándose

Pau confiesa que para recrear esas carreras "Llevo toda la vida documentándome, y por fin he tenido la ocasión de utilizar esos conocimientos para dar una ambientación extraordinaria a la historia que quería contar. Porque en realidad lo de los coches es secundario, podrían haber sido aviones, caballos, bicicletas... Lo bueno, en mi opinión es la historia, y cómo está contada".

Y entre sus influencias cinematográficas sobre el tema destraca unclásico moderno: "Aunque no es de la misma época, una película que para mí consigue unas sensaciones buenísimas es Rush, sobre la rivalidad entre Niki Lauda y James Hunt. Y mientras dibujaba escuchaba un libro titulado Hombres, mujeres y motores, con los recuerdos de Alfred Neubauer, director de equipo en la época de Curtiss Hill, que cuenta historias increíbles, pero ciertas. ¡Lo recomiendo!"

Destacar el color del cómic que también nos ayuda a situarnos en esos años: "En parte lo hice por ayudar a ambientar la historia en esa época, y en parte para unificar un poco el estilo gráfico de los cinco" -asegura Pau-.

Curtiss Hill se irá a la guerra

En cuanto a sus proyectos, Pau tiene muchos planes para esta serie: "Mi plan para Curtiss es llevarlo a la guerra en el continente a seguir creciendo como personaje, y a más largo plazo tengo también pensadas más aventuras con su hijo ilegítimo compitiendo en el Grupo B de rallies".

Pero no es el único proyecto que tiene en marcha: "Las cinco banderas es el cómic en el que estoy trabajando ahora. Se trata de la historia verídica de un joven de 17 años durante la década en la que perdió las riendas de su destino, que fue marcado por cinco banderas: la republicana española, la francesa, la británica, la alemana nazi y la franquista".

"La escribió él mismo en los años 40, y llevo tres años documentándome para estar a la altura de esa aventura con mayúsculas, que incluye brigadas internacionales, carros de combate, campos de concentración, trabajos forzados, la batalla de Dunkerque, fugas, gas iperita... Es la historia real de mi abuelo entre 1936 y 1946" -concluye Pau-.

Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20201211/comic-curtiss-hill-trepidante-comic-inspirado-primeras-carreras-coches/2059003.shtml

viernes, 11 de diciembre de 2020

Muere el mítico dibujante norteamericano Richard Corben


 "Es con gran pesar y pérdida que debo compartir la triste noticia de que Richard Corben murió el 2 de diciembre de 2020 después de una cirugía cardíaca. Su familia, amigos y fanáticos lo extrañarán muchísimo. Richard agradeció mucho el amor por su arte que ustedes, sus fans, demostraron. Su apoyo durante décadas significó mucho para él". Así ha despedido su viuda, Dona Corben, al creador de Den, uno de los mayores artistas de la historia de los cómics.

Hace apenas un par de años, en 2018, el Festival de Anguleme le concedió el gran premio honorífico por toda su carrera. Y dentro de unos días ECC ediciones va a reeditar una de sus obras más conocidas, Mundo mutante, restaurada por el propio autor. Una edición definitiva supervisada por los autores que incluye sus introducciones originales y un artículo exclusivo firmado por el colorista José Villarrubia.

Richard Corben (Misuri, 1940) era uno de los mejores y más influyentes dibujantes de cómics de la historia. Su irrupción en el cómic norteamericano, en los años 70, cambió para siempre la forma de hacer tebeos y sus páginas a color fueron la primera losa para los populares colores de puntitos que imperaban en el cómic de la época. Aparte de ser uno de los artistas más imitados y reverenciados de los últimos cincuenta años.

Una de las cosas que elevaron a Richard Corben a la categoría de mito fue ese excepcional uso del color.  Utilizaba todo lo que caía en sus manos, desde el lápiz al aerógrafo (fue uno de los pioneros en esa técnica), pasando por el óleo las maquetas, el modelado en 3D... De hecho, muchos opinamos que, en ese aspecto, todavía no ha logrado ser superado. Aunque también era un maestro del blanco y negro, como demostró con sus cómics de terror.

"Un color que no había visto nunca"

El premiado colorista español José Villarrubia, que colaboró con Corben en estos últimos años, describía así el trabajo de Corben en una entrevista que le hicimos: “Cuando descubrí sus trabajos, en mi adolescencia, fue un shock total. Era un color que no había visto nunca, ni en cómics ni en ningún otro medio, con unos colores saturados, muchas veces complementarios que bañaban las páginas en tintas, a veces tan fuertes, que cargaban el impacto emocional de las imágenes. Y los dibujos eran tan tridimensionales, que estaban a años luz de lo que había visto hasta ese momento".

"La sensualidad de su arte, el dramatismo, el valor de atreverse a traspasar los límites del buen gusto y las combinaciones sensibles de color, me influenciaron muchísimo como artista, antes de dedicarme a los cómics -añadía Villarrubia-. Y ahora las vuelvo a ver con gran admiración por todo el trabajo de investigación que hacía en esas obras”.

Un maestro del terror y la ciencia ficción

Corben empezó en el circuito underground con obras de ciencia ficción y fantasía en las que destacaba su sentido del humor y donde empezó a despuntar con su personaje Rowlfs, pero su consagración le llegaría a partir de 1972 cuando dejó su trabajo en una empresa para colaborar en las famosas revistas de terror y ciencia ficción de Warren.

Durante 8 años Corben ilustró unas 40 historias para esa compañía, durante las que asistimos a la rápida evolución de un genio, y vimos como nacía esa estética que luego plasmaría en otros proyectos más personales como Den (un salvaje musculoso que vagaba desnudo por un mundo habitado por brujos, monstruos y mujeres de grandes pechos), sin duda su personaje más popular.

Corben también fue famoso por el erotismo de sus obras y por ser uno de los primeros en atreverse con los desnudos masculinos en los cómics comerciales. Siempre con muy buen gusto, eso sí.

Den, el personaje que le hizo famoso en todo el mundo

Pero el personaje que le hizo famoso en todo el mundo fue el mencionado Den, una saga que mezclaba la fantasía heróica y la ciencia ficción y que estaba protagonizada protagonizada por un musculoso guerrero (que tenía un miembro viril descomunal), con la que se adelantó a las novelas gráficas, y que protagonizó uno de los fragmentos de la famosa película Heavy Metal (Gerald Potterton, 1981), la primera cinta de animación para adultos de la historia.

El personaje, que procedía de un corto anterior de Corben, Neverwhere (1971), era un ingeniero de la Kansas contemporánea que se trasladaba a un mundo de violencia y grandes aventuras, convertido en un héroe musculoso.

Prueba de su fama es que la enciclopedia Historia de los Cómics, publicada en los 70 por Toutain y dirigida por Javier Coma, le dedicaba un capítulo entero. Toutain también edito un libro con sus mejores ilustraciones, Vuelo a la fantasía, en el que recogía desde sus primeros trabajos en fanzines a sus obras más conocidas. 

Después llegarían otras de sus grandes obras que le convirtieron en el dibujante más popular del boom del cómic adulto, como sus colaboraciones con el guionista Jan Strand en Las mil y una noches o el mencionado Mundo mutante. Eso le permitiría crear su propio sello editorial (Fantagor Press), donde publicó títulos como Den saga, Horror in the dark, Rip in time y muchos más.

Además reallizaría numerosas ilustraciones y portadas para discos entre las que destaca la de Bat out of hell, de Meat Loaf. 

Sus últimos años

En sus últimos años, desaparecido el cómic adulto al que tanto contribuyó, Corben aceptó trabajos de editoriales como DC, Marvel o Dark horse, ilustrando personajes como Conan, The Punisher, Hellblazer, Aliens o Hellboy.

Y nuevas historias de terror y adaptaciones de H.P Lovecraft y Edgar Allan Poe, en las que seguía demostrando su clase y su dominio del blanco y negro. 

Un dibujante que contribuyó como pocos a que se reconociera el cómic como Arte, con mayúsculas, por lo menos durante una temporada. Y cuya influencia se sigue notando en los artistas actuales, aunque nadie haya logrado igualarle.

Desgraciadamente hace tiempo que sus grandes obras no se reeditan en España porque Corben era muy exigente y no estaba contento con ellas, por lo que había empezado a restaurar algunas como la mencionada Mundo mutante, cuya publicación se ha convertido en un improvisado homenaje a este gran autor. 

miércoles, 9 de diciembre de 2020

Pablo Carpio: de Jaén a Marvel y Star Wars.

  El Festival de Cómic Europeo de Úbeda se despedirá del año 2020 realizando dos actividades más. Como ya se anunció en el pasado mes de octubre, la cita con el 9º arte se iba a extender más allá del propio mes de celebración del evento (este año excepcionalmente más tarde de lo habitual). Por ello el Festival ha estado preparando para el próximo viernes 11 de diciembre un encuentro con el artista jiennense Pablo Carpio.

Pablo Carpio es artista conceptual  y diseñador con experiencia en compañías de cine y juegos como Pixar, Industrial Light &Magic, MarvelStudios, Warner Bros., MPC, RiotGames, Microsoft, Ubisoft, Wizards of theCoast, Insomniac Games, TencentGames, Axis Animation y más. Diseñador de producción para Duncan Studio y Base FX.
En los últimos años ha trabajado en películas como Capitana Marvel o el episodio IX de StarWars ya que parte de los estudios Industrial Light and Magic actualmente también están trabajando para HBO.

El festival ha organizado un encuentro orientado hacia los jóvenes de la provincia que desean saber cómo, desde Jaén, se puede acabar trabajando en grandes compañías cinematográficas como Disney, HBO o Warner Bros y, para ello quién se lo puede contar mejor que alguien que les pueda hablar desde su propia experiencia.

Uno de los principales objetivos del Festival de Cómic Europeo esahondar en el apartado profesional de la industria, organizando charlas con editores,profesionales e incluso organizando workshops con editoriales nacionales. Es la razón por la cual no se podía terminar el año sin llevar a cabo este tipo deactividad, aprovechando que Pablo Carpio se encuentraen estos momentospor su tierra.

El encuentro tendrá lugar en la librería ubetense Libros Prohibidos, el próximo viernes a las 17:15 h. El aforo de personas que lo puedan presenciar es limitado, pero la charla se grabará para posteriormente subirla a los canales del Festival y que todas las personas interesadas de fuera de la ciudad también puedan aprovecharla.

martes, 8 de diciembre de 2020

Los nuevos cómics de Alien de Marvel comenzarán en marzo


 Marvel Comics finalmente fijó una fecha para el inicio de sus nuevas publicaciones ambientadas en el mundo de Alien.

Durante este lunes la editorial reveló que comenzará a explorar el universo de la clásica franquicia de la mano de Alien #1, un nuevo cómic que será escrito por Phillip Kennedy Johnson (Empyre: Captain America) y contará con dibujos de Salvador Larroca (Doctor Doom).

De acuerdo a lo anunciado por Marvel, esta nueva historia girará en torno a “un mercenario de Weyland-Yutani llamado Gabriel Cruz mientras lucha contra una nueva raza mortal de xenomorfos con la supervivencia de su hijo en juego”.

En ese sentido, Marvel promete que este nuevo cómic contará con “personajes nuevos y clásicos de la Tierra y más allá”.

“Como lector y fan, estaba muy emocionado como cualquiera cuando escuché que la franquicia llegaría a Marvel y, cuando me pidieron que escribiera el lanzamiento, quedé anonadado. He estado entrenando toda mi vida para este concierto sin saberlo”, señaló Johnson. “Desde que vi Alien de Ridley Scott a una edad demasiado temprana, he estado obsesionado con el xenomorfo, la representación más icónica del terror en la película”.

La llegada de Alien a los cómics de Marvel fue anunciada a mediados de este año como otra consecuencia de la adquisición de 20th Century Fox por parte de Disney, la empresa dueña de Marvel.

En ese sentido, Alien #1 no será la única historia de la franquicia que se presentará bajo el amparo de Marvel y durante el próximo año la compañía planea lanzar nuevos títulos para explorar “rincones nunca antes vistos del universo Alien”. Todo mientras tarde o temprano la editorial también debería revelar sus planes para los cómics de Depredador.

En ese sentido, Alien #1 no será la única historia de la franquicia que se presentará bajo el amparo de Marvel y durante el próximo año la compañía planea lanzar nuevos títulos para explorar “rincones nunca antes vistos del universo Alien”. Todo mientras tarde o temprano la editorial también debería revelar sus planes para los cómics de Depredador.

Alien #1 será lanzado en marzo de 2021.

jueves, 26 de noviembre de 2020

Los salones del cómic y el manga piden ayuda institucional


 Los salones del Cómic y del Manga de Barcelona son los mayores de España y los segundos de Europa (tras los de Angulema y la Japan Expo de París, respectivamente). Pero su grandeza (112.000 y 152.000 visitantes el año pasado) está siendo, por la pandemia de coronavirus, su desgracia: suspendido el primero en primavera y desplazado a un frugal evento virtual el segundo el pasado octubre, la pérdida de ingresos en 2020 ha sido del 95%, lo que deja en situación muy delicada tanto la celebración de los salones como a la propia entidad organizadora, Ficomic. Con sus siete trabajadores en Expediente de Regulación Temporal de Empleo (ERTE) y tramitando un crédito bancario, la entidad sin ánimo de lucro responsable de ambos eventos ha iniciado conversaciones informales con Generalitat y Ayuntamiento para buscar fórmulas de financiación y formatos para 2021, con la esperanza de retomar los salones con todo su esplendor en 2022.

“No podemos permitirnos no hacer nada el año que viene, pero sin ayuda institucional será imposible; nuestros salones son, por definición, de masas: congregan a mucha gente, los expositores son muy grandes y hay muchos invitados nacionales y extranjeros…Es muy improbable que en 2021 podamos hacer ni el del Manga, a 12 meses vista, y cualquier formato no nos sirve, como sí le ocurre a otros sectores del mundo editorial”, apunta Meritxell Puig, directora general de Ficomic. La entidad fue creada en 1989, está compuesta por los gremios de editores, distribuidores y libreros de Cataluña y se autofinancia con los ingresos que generan ambos salones.

La jibarización de los salones es compleja: Cómic Barcelona albergó el año pasado a 180 expositores en 52.000 metros cuadrados y requirió de casi un millón de euros de presupuesto; Manga Barcelona movilizó a 121 expositores (de mayor volumen) en 78.000 metros cuadrados, con una partida de casi 1,5 millones de euros. Ambos se celebraron en una Fira de Barcelona que, hoy, “está cerrada y no sabemos cómo estará en primavera”, recuerda Puig.

La responsable está analizando ya una lista de espacios, mayormente al aire libre, que pudieran acoger una versión “relativamente reducida” de la convocatoria de Cómic, que se retrasaría “a mayo o junio”. Pero todos los escenarios están abiertos: desde un Moll de la Fusta (a imagen de lo que hizo la Setmana del Llibre en Català en septiembre) a un doble espacio mixto (un pabellón y la plaza del Univers “descargada de restauración y destinada a expositores” de la propia Fira de Barcelona), pasando, claro, por una edición cien por cien digital. El problema, en todos los casos, sería el coste, que hoy la maltrecha tesorería de Ficomic no puede asumir. “Las empresas pagan por un estand del que esperan una rentabilidad, un retorno, que nosotros debemos devolver en gente; si esa gente, por restricciones sanitarias, no llega, ¿cuál es el precio de eso y quién asume los costes?”, plantea Puig.


Ayudas a la creación y edición

Amén de los problemas laborales que podría arrojar la situación (como ya amenaza a grandes ferias del sector, como la del libro de Fráncfort), la preocupación mayor está en poder realizar como sea el salón del Cómic por “el componente cultural y de promoción profesional que comporta”, recuerda Puig, una cita que “siempre es deficitaria” y que es compensada por el margen que genera el salón del Manga, que de algún modo lo subvenciona. Pero este año los ingresos por el evento del cómic japonés han sido “prácticamente cero: la edición digital dio para cuatro banners y un mínimo merchandising; apenas hemos recuperado un 5% de los ingresos tradicionales”, cifra la gestora. “Está complicado seguir adelante, pero lo intentaremos”, resume Puig, que, como muestra de ese espíritu, afirma que esa edición digital del Manga Barcelona “nos ha abierto a más gente, en especial de América Latina: hemos tenido 35.000 visitantes diarios”; también ha logrado posponer para 2022 otra notable exposición de temática japonesa como la que se pudo ver en el MNAC dedicada al gran mangaka Osamu Tezuka. “No somos un gran mercado para Japón, pero nos respetan mucho profesionalmente y nos tratan con exquisitez”.

Conscientes de la fragilidad del cómic autóctono, Generalitat y editores ultiman una línea de ayuda a la creación y producción a través del Instituto Catalán de Empresas Culturales. Las cifras lo convierten casi en urgente: en 2018, en Cataluña se publicaron solo 64 cómics en catalán, un 0,4% de la producción, frente a los 11.000 en castellano. “Es una oferta muy baja que, por un lado, dificulta poder pagar a los muchos y buenos creadores de Cataluña, que acaban trabajando en otras lenguas y para otros países; por otro, somos poco competitivos en un género clave para los adolescentes, justo en esa franja donde suelen dejar de leer en catalán”, asegura Montse Ayats, presidenta de Editors.cat, que agrupa a los sellos que editan en esa lengua. A la escasez de oferta se añadiría, según la misma fuente, la de la diversidad temática, mayormente centrada en “una línea histórico-patriótica, que puede estar bien, pero que es poco internacional; habría que ampliar el abanico a temas y estilos más contemporáneos”.


Sant Jordi ‘perimetrado’ y cita fija en julio

Las estrecheces económicas están forzando la necesidad de convocar como sea los eventos clave del mundo de libro. Así, también oficiosamente, han empezado ya las negociaciones del sector con Ayuntamiento y Generalitat para la diada de Sant Jordi de abril. Que la fiesta concentre unos 22 millones de euros de facturación hace que sea “una cita clave que en 2021 hay que hacer sí o sí”, admite Montse Ayats desde Editors.cat. El escenario de una zona perimetrada en un paseo de Gràcia cortado al tráfico planteado para el Sant Jordi de verano del pasado 23 de julio, pero que la pandemia acabó abortando, es el punto de partida, junto a las librerías abiertas. Precisamente, que en aquella jornada veraniega se llegara a facturar cerca de un 25% de un Sant Jordi clásico (más de cinco millones de euros) ha determinado al sector a “hacer en 2021 alguna cosa para esas fechas”, según Patrici Tixis, presidente de la Cambra del Llibre de Catalunya, consolidando así una nueva celebración fija. Ante una primera idea de reproducir a pequeña escala el 23 de abril que parte del sector no ve sostenible económicamente por logística y nuevos descuentos, cobraría ahora más fuerza una especie de Noche de las Librerías, a imagen de la que ya hacen los museos, y a la que podrían añadirse las bibliotecas, según baraja la Generalitat.

 Enlace articulo original:https://elpais.com/espana/catalunya/2020-11-21/los-salones-del-comic-y-el-manga-piden-ayuda-institucional.html

martes, 24 de noviembre de 2020

La saga vampírica más famosa del cómic español es de Albacete



Tras el éxito obtenido con el anterior proyecto ‘El Baile del Vampiro: Redes’, la saga vampírica más famosa del cómic español se propone continuar con un nuevo episodio: ‘Ruina Montium’ que contará el origen del Vampiro Blanco, uno de sus personajes más enigmáticos creados por el albaceteño Sergio Bleda.

Todo este universo vampírico viene de la mano de Bleda, autor de cómics e ilustrador profesional afincado en Valencia que vuelve con un nuevo capítulo de la saga que se está realizando ahora mismo gracias a las aportaciones de los lectores. El autor nos cuenta que ha logrado sacar el proyecto adelante a través de crowfunding  y asegura orgulloso que “el apoyo de la gente ha sido clave. Ahora mismo estoy metido en ello gracias a los lectores que me siguen”.

Esta es la cuarta aventura de la saga. Ya el capitulo anterior ‘Redes’, que se publicó a principios de 2020, se financió a través del sistema de micromecenazgo. “Fue la primera vez que me lancé al tema de la autoedición, y la financiación por crowfunding. Me ha gustado la experiencia y he decidido seguir por ahí”, asegura.

Sergio Bleda se dio a conocer al gran público con ‘El baile del vampiro’, publicada en la Línea Laberinto de Planeta DeAgostini en 1997, que le valdría una nominación al Premio al Autor Revelación del Salón del Cómic de Barcelona de 1998. Tuvo mucho éxito y consiguió ser el tercer título mejor vendido de toda la línea editorial. El historietista pone en relieve que “había bastante público y estaba muy bien distribuida. El problema es que editaron muchos títulos y fueron pocos los que funcionaron como ‘El baile del vampiro’, por lo que finalmente la editorial cerró”, indica.

“No había ninguna editorial española con la que hubiera podido subsistir económicamente, como sí ocurre ahora que trabajo directamente para los lectores”, recuerda Bleda, destacando que “por aquel entonces no existía el sistema de financiación de crowfunding , que es algo relativamente nuevo y existe gracias también a las redes sociales”.  Este sistema ha logrado financiar de nuevo  ‘El baile del vampiro’, “serie por la que la gente me recuerda”, explica el historietista, lo que “ha conseguido que exista el suficiente número de seguidores como para que yo continúe con sus aventuras”, afirma orgulloso el autor.

El crowfunding finalizó hace más de un mes, recaudando incluso más dinero del que necesitaba para poner el proyecto en marcha, que ahora mismo se encuentra en plena realización. Además de dibujarlo, Sergio Bleda siempre se ha encargado de los guiones de la saga, pero en esta ocasión ha contado con la ayuda de Francisco Ruizgue, un autor de Valencia con el que ha trabajado en muchos proyectos. “Decidí cederle a él los mandos de la nave para yo centrarme solamente en los lápices. Le comenté que quería contar el origen de uno de los personajes en una determinada época y él con todos esos elementos ha armado un guión con el que estoy muy contento y lo estoy dibujando con mucha ilusión”, sostiene.
España, protagonista

Los capítulos anteriores de la saga están ambientados en Barcelona, Albacete y Valencia. Este nuevo está recreado en Las Médulas (El Bierzo- León) y una parte en el Nueva York de los años 70. “Otro de los alicientes de trabajar en mis propios proyectos es que están ambientados en España. Me gusta que los personajes vivan sus aventuras en nuestros entornos y contando cosas que forman parte de nuestra historia. Es algo añadido que ofrecerle a los lectores españoles que espero que valoren”, relata.

El cómic, titulado ‘Ruina Montium’, verá la luz en mayo del 2021. Los primeros en disfrutar de él serán los mecenas, que además de recibir el cómic recibirán sus correspondientes recompensas. El cómic firmado y dedicado con un dibujo del autor, comprar alguno de los originales o incluso aparecer en alguna viñeta como un personaje.

El Centro Cultural ‘La Nau’ ha puesto en marcha las jornadas de cómic de Valencia y entre sus actividades ha organizado una exposición de originales de ‘El baile del Vampiro’. Una muestra que el artista admite que le encantaría hacer en Albacete. El año que viene Sergio Bleda cumple la treintena como dibujante de cómic. Sería un gran momento para ver a este dibujante internacional celebrando en Albacete sus treinta años de profesión.

viernes, 20 de noviembre de 2020

Luky Luke se enfrenta al racismo en "Un cowboy en el algodón"


 

Lucky Luke, el hombre que dispara más rápido que su sombra, se enfrenta a un duro enemigo en su nueva aventura: el racismo. Y según la opinión de algunos especialistas en historia estadounidense, el cowboy tiene más o menos éxito.

"Un cowboy dans le coton", que ha salido a la venta este viernes, es el tercer episodio de Lucky Luke firmado por el guionista Jul y el dibujante Achdé. "Los personajes de color estaban casi ausentes del universo de Lucky Luke", señala Jul en un comunicado de prensa.

La trama se sitúa unos años después de la abolición de la esclavitud (en 1865), Lucky Luke hereda una plantación de algodón en Luisiana, estado donde el vaquero descubre una sociedad muy diferente a su habitual Far West, con una élite blanca racista que aterroriza a sus campesinos negros.

En la historia aparece una joven negra rebelde llamada Angela, como la activista Angela Davis, y también el Ku Klux Klan. ¿Son aspectos veraces y posibles?  Las opiniones de los académicos franceses, especialistas de la época, están divididas.


Trabajo histórico

Elodie Grossi, profesora de la Universidad Jean-Jaurès de Toulouse, deplora "una imagen romantizada de las plantaciones de Luisiana, similar a las grandes mansiones opulentas, sin mostrar la violencia rutinaria y las condiciones de vida de esclavos o ancianos esclavos ".


El ilustrador Achdé reconoce que moderó la representación de la miseria y de las condiciones de vida en las plantaciones, como se reflejaba en las fotos de época que consultaba. “Incluso me censuré porque ciertos clichés, sobre todo de niños, eran insoportables”.

Nicolas Martin-Breteau, de la Universidad de Lille, está de acuerdo: "Es comprensible. Muy pronto vemos que los trabajadores negros de las plantaciones viven en la pobreza y el miedo. El trabajo histórico me parece muy bien hecho". 

Para su colega Michaël Roy, de la Universidad de París-Nanterre, un cómic de 48 páginas no puede mostrar todos los matices que sigue un historiador. "Los autores, por tanto, se ciñen a unas pocas representaciones conocidas, empezando por la plantación de algodón, mientras que en Luisiana predomina la caña de azúcar".

Caricatura de los indios

Para Roy algunos aspectos del cómic son correctos, como la definición dada del KKK, “como una sociedad secreta creada para  el mantenimiento de la supremacía blanca mediante el terror” , pero otras no lo son tanto, como pensar que los miembros del KKK era “una pequeña élite de agricultores blancos” pues estos casi desaparecieron después de la abolición de la esclavitud ya que "se quemaron algunas plantaciones y otras fueron subastadas por propietarios arruinados ".

Martin-Breteau dice que esta "contento" de que aparezca este episodio. "Es importante: en un momento en el que hablamos de alguno de nuestros monumentos, y nos cuestionamos si los retiramos o los ponemos en contexto, Lucky Luke es un monumento, que puede ayudar a la comprensión de la historia ".                                                                                                                                 

“Lo que ahora sería genial es que  la serie cambiara su mirada sobre los indios, que aparecen un poco caricaturesco. Estamos en un período de guerra, deportación y exterminio puro y simple. Lucky Luke, personalmente es personaje atractivo , pero pertenece a un grupo social, los vaqueros, que participó en esta guerra ”, remarca.

Es una falta que también percibe Elodie Grossi, impugnando "el retrato que se hace de los estadounidenses del Norte o del Oeste, presentados como todos uniformemente antirracistas". Sin embargo, "sería un error considerar que solo los Estados del Sur actuaron de forma racista", recuerda.

jueves, 19 de noviembre de 2020

El Festival de cómic Angulema apuesta por una edición semivirtual en 2021


 El Festival de cómic Angulema ha apostado por celebrar su próxima edición en dos tiempos, con una entrega virtual de premios en enero y un encuentro presencial en la localidad francesa a finales de junio para sortear el impacto de la pandemia.

El próximo 29 de enero, el Festival desvelará el palmarés oficial de cómics, compuesto por 12 premios "Fauves" de obras publicadas en francés entre el 1 de diciembre de 2019 y el 30 de noviembre de 2020, indicaron este miércoles a Efe fuentes de la organización.

Después, del 24 al 27 de junio, los organizadores esperan poder celebrar encuentros presenciales con autores, editores, libreros y apasionados de este arte, si las condiciones sanitarias lo permiten.

Un evento "cercano a su formato tradicional" aunque con algunas restricciones sanitarias, que en esta 48 edición se ha asociado además con el Centro Nacional del Libro para incitar a incluir el cómic entre las lecturas de verano promocionado así la creación contemporánea de estos libros.

La lista de finalistas incluye hasta 75 títulos, divididos en varias categorías: juvenil, para un público de entre 8 y 12 años, y un segundo premio en este ámbito para lectores de 12 a 16 años; selección polar para títulos policíacos, el premio especial de los institutos y selección patrimonio.

El principal trofeo de este festival es el "Fauve d'Or", que otorga el premio al mejor álbum del año sin diferenciar género, estilo u origen geográfico, y que en 2020 fue para el francés Florent Grouazel por "Révolution", centrado en la Revolución Francesa.

En 2019 el reconocimiento se lo llevó la estadounidense Emil Ferris por "Lo que más me gusta son los monstruos".

La ciudad de Angulema (suroeste), de unos 100.000 habitantes, se transforma durante los cinco días al año con este evento, al que dedica unos 22.000 metros cuadrados para talleres, conferencias, espectáculos y exposiciones accesibles a los visitantes.


lunes, 16 de noviembre de 2020

El último cómic del ilustrador Mateo Guerrero llega a España


 “Un dibujante de cómic no solo dibuja. Hace de director de cine, de fotografía, de iluminación, de actores... Toda la narrativa gráfica es mía”, explica Mateo Guerrero, historietista de origen gaditano pero afincado en el municipio conquense de Arcas que se ha encargado de las ilustraciones del cómic El legado del ron, con guión de Tristan Roulot, que fue publicado en Francia el pasado año y que ha visto ahora la luz en España de la mano de Yermo Ediciones.

Este cómic de corte histórico se sitúa a finales del siglo XVII en Martinica y tiene como protagonistas a Jean Rouen, un joven hijo de un vidriero arruinado, y el padre Labat, un químico y botánico. Ambos se embarcan hacia la isla francesa, donde descubrirán el verdadero legado tras las plantaciones de caña de azúcar y del ron.

Nueve meses necesitó este ilustrador para crear todos los dibujos que aparecen en las 54 páginas que conforman este cómic. “La composición, elegir los planos, decidir cómo se mueven los personajes... Todo eso recae en el dibujante”, detalla.

ARDUA DOCUMENTACIÓN

Una vez que leyó el guión, Guerrero comenzó con una laboriosa tarea de documentación. Le llegaron a pasar hasta dos mil fotografías del territorio para que se hiciera una idea de cómo es el lugar. “Había que reflejar bien la isla. No tiene nada que ver la vegetación con la de aquí. Es otro mundo”, puntualiza. De hecho, posteriormente le invitaron a Martinica para participar en una feria de cómic y pudo conocer de primera mano que sus dibujos se ajustaban a la realidad.

Tras la documentación, comenzó con los dibujos, que Guerrero hace a mano con lápiz y tinta. Una vez terminadas las ilustraciones, son escaneadas y se pasan después al colorista para que complete el proceso.

El ilustrador recomienda este cómic para todas aquellas personas, a partir de la adolescencia, a las que les guste la historia. “Disfrutarán de la obra”, asegura. “Se habla de esclavitud, de religión, de negocios, de la invención del ron...”, precisa.

“Pensaba que no se iba a publicar en España porque habla de historia francesa y estoy muy contento”, celebra Guerrero, que presentó recientemente esta obra en la librería de la capital La Comicteca, en un acto íntimo debido a la situación derivada de la pandemia y en el que, con mucho mimo, firmó, con dibujo incluido, ejemplares.

Guerrero ya ha finalizado las ilustraciones de la segunda parte de El legado del ron, que está en proceso de coloreado. “Es un libro bastante difícil. Habla de una revuelta que se produjo en 1717 y hay mucha gente en movimiento. Me ha llevado más trabajo hacer los dibujos porque tiene también más páginas. Son 60. En total, he estado dos años con los dos cómics”, especifica Guerrero, que desde 2005 trabaja para el mercado francobelga.

Guerrero reconoce que la pandemia ha provocado que el mercado editorial se esté paralizando. “Los tres meses que estuvieron cerradas las librerías afectaron mucho”, apunta. “Hay compañeros del sector que se están quedando en la calle”, lamenta.

Uno de los próximos retos de este dibujante es un cómic juvenil de fantasía, en el que también trabajará de la mano de Tristán Roulot como guionista. “Tengo muchas ganas de cambiar de género”, admite Guerrero, que, por el momento y a pesar de la situación, tiene dibujo para rato.

martes, 3 de noviembre de 2020

'Solo', el cómic de fantasía heroíca de Óscar Martín que triunfa en Europa


 Óscar Martín es uno de los grandes autores de cómic españoles y desde hace unos años también es editor; a través de Ominiky Ediciones hemos descubierto fantásticos álbumes como los más recientes de El Supergrupo de Efepé, las desternillantes aventuras de La Oveja Samurai de Santiago Girón y Fran Carmona, o los pormenores del mundillo de la ilustración a través de las peripecias de la voluptuosa Trizia de Pedro Pérez. Además de un sinfín de libros de arte dedicados a diversos autores como Fernando Vicente, Enrique Vegas, Andrea Cofrancesco, Pau, Mike Bonales, Laura Wächter o el inolvidable Alfonso Azpiri entre otros célebres ilustradores.

Pero ahora nos vamos a detener en la colección de cómics creada por el propio Óscar Martín: Solo. Una saga fantástica ambientada en un futuro distópico postapocalíptico. En la trilogía Solo. Los supervivientes del caos y en Mundo Caníbal descubrimos un territorio árido y hostil donde se caza y se mata para comer o por diversión, y los animales han adquirido inteligencia y conviven con los humanos en circunstancias difíciles…

Se publica Solo. Pisar sin levantar polvo, el segundo volumen de una nueva trilogía que comenzó en 2018 con Solo. Legatus. En esta nueva historia, conocemos el otro otro extremo del planeta, Corindón, donde el verde crece y las relaciones entre animales son diferentes, al igual que su dieta y sus normas sociales.

Óscar Martín nos ha comentado el significado de este nuevo título: "Después de varios libros haciendo masticar polvo a los personajes, en un territorio completamente seco y estéril, la tierra empieza a recubrirse de humedad y hierba que a modo de alfombra que abre paso a los colonizadores. Creo que es un título que avanza muy bien la nueva situación".

Un universo en crecimiento

El universo narrativo de Solo va creciendo en muchos aspectos, como nos expllica Óscar: "Dentro de la ficción, de un modo lógico. En un extremo del planeta, el que hemos conocido hasta ahora, comer cada día es el único objetivo. Teniendo en cuenta que el único recurso es la carne y que está habitado exclusivamente por depredadores armados y peligrosos la violencia es inevitable. La crueldad, el ensañamiento vienen añadidos a una sociedad rota y sin esperanza".

"El nuevo universo que planteo viene de un largo viaje que dura generaciones y viene cargado de costumbres diferentes -añade-. Vienen de un lugar donde solo habitan herbívoros con lo cual la comida está garantizada y programada y eso permite un desarrollo cultural y social diferente. Vivir no significa matar o morir. Ahora esos dos universos se han encontrado y surgen varios conflictos: conservar el poder ante una nueva amenaza, el territorio, un cambio de mentalidad y de digestión y, sobretodo, un cambio de paradigma que va cargado de esperanza".

Los conflictos entre carnívoros y herbívoros

Siguen ahí los temas de supervivencia, ética, geopolítica... Pero también se tratan otros temas, como la tolerancia, cuando chocan los diferentes modos de vida de carnívoros y herbívoros. "El título de la primera trilogía de la serie, Los Supervivientes del Caos, lo dice todo -nos comenta Óscar-. Si partimos del caos y queremos mejorar las cosas hay que empezar a pensar diferente. Convencerse uno mismo de que es posible hacer las cosas mejor y luego esperar que otros entiendan o estén de acuerdo con el mensaje. Sin objetivo, empatía o razonamiento no es posible avanzar hacia algo mejor, no digo perfecto, pero para llegar a tener una riqueza interior y vivir en paz consigo mismo y con los demás empieza por querer que así sea. Mis personajes pelean por eso, a veces de una manera pacífica y en otras en defensa propia".

A priori, el ser humano aparece como el gran villano de la historia, aunque hay zonas de este mundo de ficción en las que han aprendido a convivir con el resto de especies que lo habitan: "Hasta la llegada del villano supremo, IZAN (NAZI al revés) los humanos podían ser tan víctimas como los demás, todos eran malos o empujados a serlo por pura supervivencia -asegura Óscar-. El poder acumulado de este personaje supremacista y despreciable parece que puede convertir Mundo Caníbal en un campo de exterminio de todas las demás especies pero siempre que se tensa mucho una cuerda aparece alguien estirando del otro extremo".

"Con eso no estoy diciendo que el otro extremo esté sujetado por una buena opción… Ya se verá. En cualquier caso, algunos humanos gozaban de ciertos privilegios que querían asegurarse para vivir mejor ad aeternum y eso lleva irremediablemente a la corrupción, incluso con los de tu misma especie. Ahí empezó el problema" -concluye Óscar-.

Ya tiene previsto el final

Hemos querido saber hacia dónde se dirige esta nueva trilogía, sin necesidad de que Óscar nos destripe la historia, para la que ya tiene previsto el desenlace: "Sí, claro, desde hace mucho. Además tiene que cruzarse con la otra trilogía (spin off) dibujada por Alvaro Iglesias, Caminos Escritos y otros spin off. Cuando mueves 6, 8 ó 10 libros a la vez, como es en la actualidad, hay que tenerlo todo muy pensado".

"La editorial DELCOURT (Francia) va a hacer un gran esfuerzo y próximamente firmaremos 8 libros más de la saga -añade-. Creo que no me equivoco si digo que pocas series pueden presumir de eso. Actualmente se está trabajando en un Spin off que dibuja Leo Castellani, en el coloreado del Spin off Alphas que dibujó Juan Álvarez (ya publicado en España), y se está terminado el tomo dos de la trilogía Caminos Escritos con dibujo de Alvaro Iglesias. Por mi parte, además de hacer los guiones y puesta en escena de todos los libros, estoy ya estoy metido con el guión del nuevo libro que cerrará la trilogía actual del argumento principal"

¿Y qué nuevas sorpresas esperan a los lectores en próximos relatos? ¿Exploraremos la fauna de los casquetes polares? ¿Se han desarrollado civilizaciones en los fondos marinos...? Seguro que hay criaturas fascinantes de las que aún no tenemos noticias. "Como decía el maestro Tex Avery, “Dame un principio y un final y lo de en medio ya lo rellenaré con lo que se me ocurra”. Sé perfectamente hasta donde puedo y quiero llegar, sé dónde terminará, pero no sé si eso será el final. Lo que pueda colocar en el medio ya irá saliendo solo".

"La serie Solo es atípica -añade Óscar-. Atípica en el diseño respecto al argumento, atípica en el planteamiento, la narrativa, en las onomatopeyas, todo el concepto es atípico y lo más curioso, pese a esa amalgama de elementos disonantes, funciona y es un éxito. No entiendo eso de que las cosas tengan que tener un final, en mi opinión, como en la vida, el final no existe, todo es un punto y aparte. Que nadie espere un final o punto y aparte convencional. Todavía quedan muchas sorpresas".

Dibujando 'Solo'

En cuanto al dibujo, la paleta de colores también es más variada que en las historias del Mundo Caníbal. Óscar Martín nos detalla cómo determina la estética de estos nuevos territorios y sus habitantes: "Después de 40 años dibujando no es demasiado difícil. Una vez tienes claro el concepto de lo que quieres, lo demás es solo echar horas. Respecto al color, una vez quedó claro el hábitat de los herbívoros, me emocionó la idea de que el territorio también tuviera su lucha particular: Árido Vs húmedo. Naranja-amarillo VS Verde. Pensé que podría ser un concepto gráfico interesante. Respecto a los personajes tampoco ha sido complicado".

"Después de dibujar entre 12 y 13 mil páginas de cómic de Tom & Jerry y de Disney, diseñar un conejo o un perro no es demasiado complicado. -añade Óscar- Sí he querido con los herbívoros marcar una diferencia en su manera de vestir. Al contrario de las ropas raídas y sucias de los carnívoros, los herbívoros visten más elegantes y ropa nueva, me ha ayudado mucho el diseño de vestuario que hice en los álbumes de La Hermandad allá por el 2006. Eso se verá más claro en una nueva trilogía que estamos perpetrando para que la dibuje Chuma Hill".

En las últimas páginas nos muestra conceptos y bocetos del desarrollo de uno de los personajes principales, Gea. Y nos recuerda cómo trabaja en el desarrollo de sus personajes y la relación con el mundo de la animación: "Se escribe de vez en cuando que he sido animador, no es cierto, he dibujado muchos cómics de personajes creados para la animación y esa es la única conexión que he tenido con ese maravilloso mundo y dificilísima profesión. He aprendido a dibujar a base de parar imágenes en video VHS de clásicos de WB o MGM y fotografiar fotogramas que podían ser útiles, Hablo de principios de los 90. Horas pasando frame a frame hasta encontrar el dibujo con más línea de fuerza y expresión corporal. Luego copiar y copiar, trabajar y trabajar hasta encontrar un estilo propio".

"Actualmente -nos explica Óscar-, parto de un molde standard de esos que aprendí en su día y voy añadiendo y quitando elementos, por decirlo de alguna forma, voy moldeando el dibujo hasta encontrar lo que busco. Normalmente sale rápido pero de lo contrario hay que ser paciente y hacer muchas horas. Tampoco soy muy partidario de trabajar y trabajar horas hasta dejar el concepto completamente cerrado pues, de forma irremediable, durante los meses de trabajo que lleva hacer un álbum, el personaje va cambiando poco a poco hasta que se hace cómodo de dibujar. La forma final del personaje se la da la experiencia que corre a través del guión.

Por último, queríamos saber si Óscar imagina todo este universo de "Solo" adaptado al formato audiovisual: "Sería el cierre perfecto para la vida de la serie. Los contratos de confidencialidad no dejan hablar de casi nada a riesgo de que te metan en la “carcel”, pero imagino que decir que estamos en ello no es decir mucho".

 Fuente: https://www.rtve.es/noticias/20201102/solo-comic-fantasia-heroica-oscar-martin-triunfa-europa/2051707.shtml

martes, 27 de octubre de 2020

Abren en Jaén una exposición para conocer la historia del cómic en Andalucía


 La Consejería de Cultura y Patrimonio Histórico, a través del Centro Andaluz de las Letras, muestra la historia del tebeo y el humor gráfico andaluz. Lo hace con una exposición en la Biblioteca Pública Provincial que estará abierta hasta el 31 de octubre y que realiza un repaso por los principales creadores. Comisariada por el ilustrador y autor de cómic Abel Ippólito, la muestra pretende fomentar el conocimiento y reconocimiento de artistas andaluces desde los pioneros del humor gráfico andaluz con figuras como Luis Aramburu, Luis Mariani, K-hito o Andrés Martínez de León, pasando por Carlos Pino, Nazario, Andrés Vázquez de Solas, Manuel Summers, Joaquín López Cruces hasta estos días con artistas como Belén Ortega o Andrés González Leiva, entre otros.

El delegado de Cultura y Patrimonio Histórico, Jesús Estrella, ha visitado hoy la muestra, que está abierta en horario de lunes a viernes de 9 de la mañana a 21 horas y de 9 a 14 horas durante el sábado. La exposición utiliza paneles informativos para hacer un recorrido por la historia del humor gráfico andaluz como una expresión artística y creativa.

Entre los pioneros del género, destacan los casos de Luis Mariani, Teodoro Aramburu Murua, el jienense K-Hito, como uno de los mayores humoristas gráficos de la generación del 27, o Andrés Martínez de León, cuyo célebre personaje 'Oselito' llegó a participar incluso en la Guerra Civil española, como miliciano republicano. Una exposición del Centro Andaluz de las Letras rinde tributo a la historieta y el humor gráfico andaluces. Otros nombres célebres del tebeo andaluz son Andrés Vázquez de Sola, Manuel Summers o Paco Martinmorales, en una secuencia que llevará hasta la transición, en la que también descollarán autores andaluces como Nazario y su 'Anarcoma' o los primeros fanzines como 'La Granada de Papel', 'McClure', 'Terra orbis', 'Tuboescape' o 'El tebeo veloz'.

Durante los años 60 del pasado siglo, los hermanos García Quirós, desde La Línea de la Concepción, darán vida a algunos de los personajes emblemáticos de Victor Mora, como 'El Sheriff King' o 'El corsario de Hierro', mientras Carlos Pino o Joaquín López Cruces se adentraron, en diferentes etapas, en un mercado internacional en el que participa, desde sus inicios, el dibujante Carlos Pacheco o el escritor y guionista Rafael Marín, en series de superhéroes estadounidenses.

miércoles, 21 de octubre de 2020

Laura Pérez, primer Premio 'El Ojo Crítico' de RNE de Cómic


Los Premios ‘El Ojo Crítico’ crecen e incorporan nuevas modalidades para dar voz a otras facetas de la cultura. La gran novedad de la edición 2020 es el noveno arte y Laura Pérez es la primera ganadora del primer Premio ‘El Ojo Crítico’ de Cómic.

Según el fallo del jurado, la autora valenciana merece el premio por ser “gráficamente muy poderosa, por la elegancia de su estilo poético, la capacidad para representar el extrañamiento, lo delicado y lo oscuro, como demuestra tanto en su primer cómic en solitario, ‘Ocultos’, como en su trabajo como ilustradora. Sus historias siempre plantean un desafío para el lector”

Han compuesto el jurado Elisa MC Causland, periodista, crítica e investigadora especializada en cultura popular y feminismo, Premio Ignotus 2018; Paco Roca, Premio Nacional de Cómic 2008, autor de cómics y publicidad, Premio Goya al mejor guion adaptado por ‘Arrugas’; Javier Olivares, ilustrador y autor de cómics, ha publicado en cabeceras como Madriz, Medios Revueltos, Idiota y Diminuto, Premio Nacional de Cómic 2015 por la novela gráfica ‘Las Meninas’; Anna Abella, periodista cultural en EL PERIÓDICO y miembro de la Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic de España (ACDCómic); Miguel Ángel Hoyos, subdirector de ‘El Ojo Crítico’ de RNE; Gerardo Vilches, historiador y crítico de cómic, codirector de CuCo (Cuadernos de Cómic) y miembro de la organización de GRAF; y Laura Barrachina, jefa del área de Cultura de los Informativos de RNE y directora de ‘El Ojo Crítico’.

El galardón de Cómic se ha fallado este año por primera vez. Es el segundo de los premios de esta edición que se ha fallado tras el de Danza a Jesús Rubio Gamo. En los próximos días se irán dando a conocer los galardonados en Teatro, Música Clásica, Cine, Música Moderna, Artes plásticas, Narrativa y Poesía. La XXXI edición también fallará el Premio Especial a una trayectoria y el Premio Iberoamericano.


Reconocimiento e impulso a la creación cultural

Los galardones ‘El Ojo Crítico’ fueron creados por el programa cultural de RNE hace 31 años y son uno de los mejores apoyos para la promoción de jóvenes talentos que comienzan sus carreras. También premian una trayectoria y el valor de una carrera profesional. A los galardones anuales se suma el premio bienal Iberoamericano, que esta temporada llega a su cuarta edición.

‘El Ojo Crítico’ es el informativo cultural decano de la radio española. Se emite de lunes a viernes a las 18:00 horas en Radio Nacional. Tras 36 temporadas ininterrumpidas en antena, mantiene intacta su vocación de acercar la cultura del siglo XXI al mayor número posible de oyentes. Lo realiza el área de Cultura de RNE y en él tienen cabida todas las disciplinas artísticas.

Fuente: https://www.rtve.es/rtve/20201020/laura-perez-primer-premio-ojo-critico-rne-comic/2046926.shtml