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lunes, 30 de septiembre de 2019

RTVE:Émile Bravo: "Nunca dibujaría a Spirou empuñando un fusil"


En 2009, casi coincidiendo con el 70 aniversario de Spirou (1938), Émile Bravo decidió resolver todos los misterios que permanecían sobre el origen del personaje en el maravilloso Diario de un ingenuo (Dib>buks), en el que, entre otras muchas cosas, nos contó cómo conoció a Fantasio y a Spip o por qué va vestido de botones; además de que fuimos testigos de su primer amor. Una joya que se convirtió, inmediatamente, en el origen oficial del personaje.

Ahora, diez años después, el dibujante nos ha presentado, en Madrid, La esperanza pese a todo (Dib>buks), donde completará esos orígenes de Spirou. “Es la historia de cómo Spirou se convierte en el héroe que todos conocemos –asegura-. En el primer álbum despertamos al niño y ahora haremos que sea consciente del mundo que le rodea”.

“La trama –añade- se desarrollará en cuatro álbumes que corresponderán a los cuatro años de ocupación nazi en Bélgica, más o menos. Y también es una forma de contar a los niños y adolescentes cómo fue la guerra para los civiles. Me parecía muy interesante contarles cómo la humanidad se enfrenta a la barbarie. Aunque lo he intentado hacer de forma muy objetiva”.

“Por eso –nos avanza- mi intención es que esta historia concluya justo antes de la primera y famosísima aventura larga de Spirou, que dibujó Franquin: Hay un brujo en Champignac”.

Una historia en la que prevalece la esperanza

En cuanto al título, La esperanza pese a todo, Émile asegura que: “La historia comienza en 1940 en Bélgica, durante la ocupación nazi. En ese momento parecía que Hitler iba a triunfar y que iba a crear un nuevo mundo con una ideología muy distinta. Pero incluso en ese momento en el que todo parecía perdido, los humanistas mantuvieron la esperanza. De ahí el título”.

“No olvidemos que, al final, habría 60 millones de muertos –añade-. En este primer tomo todavía estamos al principio de la guerra pero ya reflejo el caos que reinaba”.

Émile asegura que su intención no es retratar los combates ni a los combatientes: “No es una historia bélica sobre el frente o sobre los actos de guerra, sino sobre la humanidad, sobre la gente que vivió la ocupación. Porque ser un héroe no es combatir, sino comportarse como un ser humano en estos momentos tan complicados”.

“Y Spirou –añade- todavía es un niño. Nunca le dibujaría empuñando un fusil ni va a matar a nadie. Spirou no puede matar y Fantasio tampoco. En estos periodos históricos, no perder la humanidad matando a otros también significaba ser un héroe”.

"Spirou y fantasio son muy diferentes entre sí"

En el cómic veremos que Spirou y Fantasio toman posturas muy diferentes frente a la ocupación nazi y que Fantasio incluso parece simpatizar con ellos. “Quería recuperar esa primera etapa de Franquin en la que Spirou y Fantasio eran completamente diferentes entre sí. Luego ambos acabaron siendo héroes muy parecidos. Pero al principio Fantasio era muy fantasioso, un poco loco”.

“Por eso –asegura Émile- he vuelto a los inicios cuando Spirou era mucho más humano y sentía más empatía por los demás, fruto de una educación católica; es casi como un boy scout. Mientras que mi Fantasio es un tipo un muy loco, incontrolable. Ese contraste entre ambos es lo que a mí me hacía reir de niño y lo que he querido recuperar”.

“Por eso –concluye- intento que durante esta aventura, spirou se convierta en un héroe y Fantasio tome conciencia de las cosas poco a poco, al ser ambos testigos de momentos históricos tan duros, durante los que se produjeron tantas injusticias. Y como, en el fondo, tiene buen corazón, al final se volverá más humano. Acabará pensando más en los demás que en sí mismo”.

Pero el que Fantasio parezca sentir simpatía por los nazis es una cosa premeditada: “He intentado ser lo más objetivo posible a la historia. Y en aquel año, 1940, nadie podía sospechar que los aliados pudieran ganar la guerra, ya que Rusia simpatizaba con los nazis, los americanos estaban a lo suyo y los ingleses parecían derrotados y solos frente a la Europa ocupada”.

“Además –continúa- hoy sabemos lo que pasa en el extranjero porque compartimos la información. Pero en esa época la gente no sabía lo que pasaba fuera de sus fronteras. Si no tenías una conciencia política no sabías lo que era el nazismo. Incluso para los franceses su enemigo en esa época no eran los nazis sino los alemanes en general, los que habían perdido la I Guerra Mundial. Eran enemigos simplemente por ser alemanes, independientemente de su ideología. No sabían lo que eran los nazis”.

“Me interesa mucho ese tema y durante años hablé con muchos supervivientes –añade-. Buscaba gente que hubiera combatido en la guerra pero la mayoría no lo había hecho. Hablé con gente que ni siquiera llegaron a ver a los alemanes. Pero la mayoría sí recordaba que habían pasado “hambre y miedo”. Y eso, de lo que se ha hablado tan poco, es lo que quería contar en esta historia. No sobre los combates ni los héroes, sino sobre como vivía la gente normal”.

“Aquí nos encontramos a Spirou y Fantasio, sin trabajo ni dinero y pasando hambre –nos comenta-. Por eso, cuando a Fantasio le proponen ir a Alemania, y desconociendo lo que eran realmente los nazis, su primera elección es aceptar. Como hicieron cientos de miles de belgas y franceses. Incluso los nazis devolvían a un prisionero por cada tres franceses que trabajaban para ellos, por lo que muchos consideraban que estaban haciendo un acto patriótico”.

“En esa época no era tan fácil distinguir entre los malos y los buenos. Lo único que sabían es que los nazis les habían ocupado y que tenían que sobrevivir” –concluye-.

El primer amor de Spirou

Los tres grandes personajes del cómic europeo (Tintín, Astérix y Spirou) siempre han sido célibes. Aunque en Diario de un ingenuo Spirou se enamoraba de una joven. Un personaje que, aunque no aparece en este tomo, está presente durante toda la historia.

“Si Spirou tiene más consciencia de lo malos que pueden ser los nazis –asegura Émile- es porque tiene una amiguita a la que tienen presa y que, encima es judía y comunista. Y aunque él no es consciente de lo que es ser nazi, ni judío, ni comunista, si es consciente de que los nazis son los enemigos de su amiga. Y como la quiere, los nazis son sus enemigos. Pero no es algo político sino de intuición”.

¿Volveremos a ver a la amiga de Spirou en los próximos álbumes? “Sabremos lo que ha pasado con ella pero como nosotros tenemos la perspectiva histórica, nos podemos esperar lo peor. Por eso pasaremos una gran angustia durante toda la historia”.

Una historia que también servirá al autor para explicar por qué no ha habido grandes amores en la vida de Spirou. “Ella es el gran amor de Spirou, la que le abrió los ojos, le hizo crecer y entender lo que era realmente el mundo. Un mundo con otros países y otros pensamientos. Le abre al amor y creo que el amor es la primera emoción que sentimos todos. Enamorarte de alguien te hace preocuparte más de los demás que de ti mismo. Te vuelves mucho menos egoísta que en la niñez. Y creo que siempre queda algo del primer amor”.

Preguntamos a Émile si, después de tantas décadas, no cree que Tintín, Astérix y Obélix tendrían también que echarse alguna novia. “Creo que Spirou es un personaje muy atractivo, muy guapo, no como Tintín cuya cabeza parece una bola o Astérix y Obélix. Ninguno de los tres se aparece como un sex-symbol. Pero desde siempre he visto a Spirou como un chaval muy guapo. De adolescente pensaba que si hubiera sido tan guapo como él habría tenido más éxito con las chicas.

“Lo peor -añade- es que en el mundo de Spirou, al igual que en los de Tintín y Astérix, tampoco ha habido muchas chicas. El único personaje femenino destacado en las aventuras clásicas de Spirou era Secottine, una guapa y valiente periodista que se relacionaba mucho más con Fantasio, mientras que Spirou la miraba con recelo. Y ahora descubriremos que eso era porque Spirou siempre pensaba en otra chica”.

Spip será una de las grandes sorpresas

En cuanto a Spip, la ardilla de Spirou, la vemos pululando durante todo el álbum pero sin hacer gran cosa. “Esa va a ser una de las grandes sorpresas de la historia –comenta Émile- Aquí es muy discreta pero tiene la llave de lo que va a venir. Será una gran sorpresa”.

También vuelven a aparecer los niños amigos de Spirou de Diario de un ingenuo. “Esa pandilla de chavales son sus amigos. Representan el principio mismo de Spirou, que nació como la mascota de una revista de cómic. Y él será el que agrupará a los niños, les subirá la moral y les guiará. Es una forma de hablar de los niños que están adoctrinados por los adultos, a los que intentamos meter ideas en la cabeza. Y es lo que denuncia Spirou, porque pienso que lo más importante no es adoctrinar a los niños sino ayudarles a desarrollar su libre albedrío”.

Émile nos avanza que esta volcado por completo en esta saga de cuatro tomos que espera terminar en dos o tres años. El segundo está previsto para febrero de 2020. Y ya estamos impacientes por leerlo porque este primero ya es uno de los mejores cómics de este 2019. 


 Enlace: http://www.rtve.es/noticias/20190926/emile-bravo-nunca-dibujaria-spirou-empunando-fusil/1980090.shtml

sábado, 28 de septiembre de 2019

RTVE:Este fin de semana se celebra la 8ª edición de las jornadas de Cómic de Valencia


Las VIII Jornadas de Cómic de Valencia se celebran del 27 al 29 de septiembre de 2019 en La Nau de la Universidad de Valencia. Este año cuentan con un cartel realizado por Natacha Bustos, autora invitada en la pasada edición, que ha publicado la novela gráfica Chernobil. La zona y ha trabajado en series de Marvel como Moon Girl & Devil Dinosaur o Spider-Woman.

Las jornadas cuentan con un amplio número de invitados locales y nacionales que hablarán de su trabajo y realizarán sesiones de firmas:

Juanjo Cuerda es un autor valenciano que ha trabajado en la revista “El Jueves” desde 2011, llegando a ser miembro del consejo de redacción. Ilustra los libros infantiles de “Cecilia Van Helsing” con guiones de Julio Serrano, también conocido como Don Julio, autor de “Deshechos Históricos”, publicado previamente en las páginas de “El Jueves”, donde también publica “Pornopedia”.

Manel Fontdevila comenzó publicando sus historietas en “El Víbora”, “Makoki” o “Cairo”, y trabajó en “El Jueves” desde 1993, con series como “Para ti que eres joven” y “La parejita”, donde fue director de la revista entre 2000 y 2004. Su álbum “Súper puta” se publica en 2007 por Glenat y en 2014 abandona “El Jueves” por una portada censurada y junto con otros dibujantes forma la revista digital “Orgullo y Satsfacción”. Actualmente colabora en el diario “Ara”.

Borja González es ilustrador y autor de comics, que se dio a conocer con “La Reina Orquídea” obteniendo un gran reconocimiento. Su primer trabajo largo ha sido “The Black Holes”, que se ha publicado hasta en Francia a través de Dargaud.

Núria Tamarit ha resultado ganadora del premio Valencia de Novela Gráfica en su primera edición por “Dos monedas”. Anteriormente se dio a conocer en el fanzine “Nimio” y publicó junto a Xulia Vicente la novela gráfica “Duerme pueblo” y “Anna Dedalus. El misterio de la mansión quemada”.

Xulia Vicente es ilustradora y autora de comics, publicó en el fanzine “Sacoponcho”, colaborando también con “Arros negre” o Jot Down. Ha publicado junto con Núria Tamarit “Duerme pueblo” y “Anna Dedalus. El misterio de la mansión quemada”. Actualmente ha dibujado “Ari, cazador de dragones” e “Ira, jinete de dragones”.

Juanfer Briones, más conocido por su saga "El Último Templario", tuvo sus primeros escarceos con el comic publicando en la Editorial Valenciana, más concretamente en la revista dedicada al terror "SOS". Residente en Barbastro, ha dedicado el comic “Amantes. La leyenda de Teruel” a la tradición de los famosos amantes de Teruel. “Alerta Becquer” es su más reciente trabajo publicado por GP Edciones.

Soy Cardo es el alter ego de Ana Macías, valenciana residente en Madrid, que ha publicado “Mierda, otra vez tú” y “Las segundas partes dan asco”, dos obras en las que presenta historietas sobre relaciones sexuales, críticas al postureo y humor escatológico. Participa en el programa “La hora Yutuber” de Vodafone Yu.

El ínclito MacDiego (diseñador, ilustrador, editor, comisario de exposiciones, tertuliano radiofónico) presentará su autobiografía “La vida es breve, ¡desperdíciala!”, con la que no dejará a nadie indiferente.

Guillermo Mogorrón estudió en la Universidad Complutense de Madrid, comenzó trabajando en películas de animación como “El Cid” o “Nocturna” y ha trabajado para Marvel en series como “X-Men” o “Xtreme X-Men”.

El valenciano Rubén Gil ha ilustrado la mini serie “La llamada del bosque de los suicidas” con guión de Desiré Bressend para el sello Amigo Comics, y anteriormente publicó en varios números de la revista “El Arca de las Historietas”. En la colección Paper Cru apareció “¿Qué vas a hacer ahora?” con guión de M.A. Giner.

“Saxifono” es el título del fanzine realizado por Josep Rural y Amelia Navarro, que ha obtenido el premio al mejor fanzine en el Salón del Cómic de Barcelona 2019. Entre los autores colaboradores se encuentran Adrián Bago, Pau Valls o Laura Pérez.

“Alta tensión” es el nuevo proyecto de Pablo Herranz, editor en Desfiladero Ediciones y cuyo primer número ha salido este pasado mes de mayo, donde colabora la ilustradora Luna Pan. También es el creador de la revista infantil “Xiulit”.

El autor valenciano Luis NCT estudió Bellas Artes en Valencia, publicando con EDT el año 2012 su primera novela gráfica “Sleepers”, premio del público en el Salón del Cómic de Barcelona. Con Astiberri publica su segunda obra larga “Wahcommo” en 2018.

Angel Muñoz ha publicado recientemente “Objetivo Hedy Lamarr” con Grafito Editorial, pero su primer trabajo fue “La traición sabe a oro negro” con Aleta Ediciones. Después publicó “Rapide!” y “Sólo los muertos no hablan” con la desaparecida Edicions de Ponent.

José Fonollosa es el autor de parodias en comic como “Los muertos revivientes”, “Los Vengatas”, “Parodia de Tronos”, pero comenzó en la revista infantil “Camacuc”. Otros comics suyos son “Billy Bob”, “Sebastian Lefou”, “El viaje de Darwin” y su saga sobre gatos “Miau”, “Más Miau” y “Guía gatuna”, además del reciente “Perros vs Gatos” y “Vampi” con Grafito Editorial.

Paco Zarco es licenciado en Bellas Artes y director de la escuela de cómic Top Hat. Comenzó publicando el cómic "Peritonitis" en Boxx Press y el autoeditado "Klatto", apareciendo en los cómics colectivos "Valentia", "De Muerte", "17 historietas de terror oriental" y “Refugiados. Viñetas solidarias”, así como en las revistas "Krazy Comics", "Cthulhu" o "El Arca de las Historietas". Su próximo trabajo con guión de Quim Bou lo publicará Grafito Editorial.

Creador del webcómic Vaya Juventud! El Flores es un pintamonas todoterreno. Desde su otro webcómic Pintamonas ha ido publicando en papel con varias editoriales como Random House (“Hamza”), Amigo Comic (“Tales of Rogues!”), la revista infantil Xiulit y ahora con Dibbuks (“Dealer, Dog Days”). Nominado varias veces a mejor webcómic nacional y joven futuro del cómic, El Flores se ha criado delante de la tv y se nota en su estilo cartoon animado.

Martín López Lam es dibujante y editor en Ediciones Valientes, además de uno de los fundadores de Tenderete, festival de autoedición gráfica. Ha publicado obras como “Parte de todo esto”, “Sirio” y es el ganador del actual premio Fnac- Salamandra Graphic por “El año de la rata”.

Jaume Pallardó ha realizado ilustraciones para libros de texto y portadas de discos, es el creador del fanzine “El fin del régimen de Pletzy Gladz”, “Color carne” y ha publicado de forma reciente la novela gráfica en dos partes “La Muerte Rosa”.

Fran Mengual, dibujante e ilustrador valenciano, es el ganador por “Lobomalo” del Premio de Novela Gráfica Gobierno de Cantabria 2018. Además es creador de fanzines como “In Heaven” y “Niñoperro, el extraño sueño de una madre”.


Talleres infantiles y de fanzines
Dialoga2 realiza talleres infantiles para niños y niñas, donde podrán divertirse fomentando el gusto por la lectura y la creatividad.


Equipo Tebeo educa en el fantástico mundo de la Historieta, acercando a los niños a este mundo fantástico a través de la magia del Noveno Arte.

Los responsables del festival Tenderete realizarán un taller de creación de fanzines, donde conocerás cómo es el proceso de creación de esta publicación amateur y las herramientas necesarias para crear, producir y distribuir.


Enlace articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190926/este-fin-semana-se-celebra-laa-8-edicion-jornadas-comic-valencia/1980223.shtml

viernes, 27 de septiembre de 2019

La muerte de Conan


Se dice que la noche se torna más oscura justo antes del amanecer, y La muerte de Conan es un buen ejemplo de ello. El trigésimo volumen de Las crónicas de Conan, colección dedicada a reeditar las aventuras del cimerio en la mítica cabecera de Marvel Conan the Barbarian (con los colores reconstruidos digitalmente por Dark Horse) recopila una de las peores etapas que se recuerdan, la del guionista Michael Higgins, que se propuso recontar (en un tono medio delirante, alejadísimo de la esencia del personaje) la juventud del héroe, acompañado además por un desafortunado puñado de dibujantes: Ron Lim, Rodney Ramos y Gary Hartle. Lo mejor que se puede decir del despropósito es que contó con un par de bonitas portadas de Mike Mignola, lo que no es poca cosa, teniendo en cuenta el pozo sin fondo en que andaba metida la serie. Por fortuna, el experimento duró poco, y en el número 240 el apartado literario recayó en un desconocido Justin Arthur, que, oh, Dios, resultó ser el mismísimo Roy Thomas con seudónimo. Y de este modo se efectuó la segunda venida de Thomas, quien empezó a firmar con su propio nombre a partir del siguiente tebeo, agraciado con una portada del entonces hot artist Todd McFarlane, nada menos. Sin alcanzar la brillantez de antaño, pero con un conocimiento infinito del protagonista y su mundo, Thomas fue capaz de componer una etapa realmente interesante, echando mano de los pastiches literarios, reciclando los conceptos más populares de los años que estuvo ausente de la cabecera y devolviendo la cordura y un fuerte sentido de continuidad a las aventuras del bárbaro.

La muerte de Conan recoge los números 234 a 240 de Conan the Barbarian, publicados originalmente en 1990, una penitencia obligada para los fanáticos de Hiboria. El título es casi acertado, pues se diría que Marvel andaba con ganas de matar (creativamente hablando) al personaje en aquellos años, pero antes le dio a Thomas la oportunidad de ofrecernos un destello de su grandeza perdida. Y eso, al menos, hay que agradecerlo.

martes, 24 de septiembre de 2019

ABC:Quan Zhou Wu: «El cómic sirve como herramienta para descubrir el racismo que llevamos interiorizado»


Nombre completo: Quan Zhou Wu. Lugar y fecha de nacimiento: Algeciras, 5 de diciembre de 1989. Residencia actual: Madrid. Formación: Diseño gráfico. Ocupación actual: Ilustradora y diseñadora UX.

Qué le interesa. Yo no me defino como artista, más bien me siento como una «storyteller» [contadora de historias]. Cuento historias a las personas. Y l ohago mediante ilustración, cómic, de forma verbal… Con tintes humorísticos e irónicos, narro choques entre culturas: Mi cultura familiar, la china, y mi cultura de nacimiento, la española. Oriente y occidente.

 De dónde viene. He expuesto en el instituto Confucio de Valencia, en diferentes salones del cómic, también en la Biblioteca Arús en Barcelona… Pequeños círculos alrededor del cómic y de la cultura china. Yo destacaría mejor mis novelas gráficas publicadas, tanto «Gazpacho agridulce» como «Andaluchinas por el mundo» (ambas en Astiberri). De momento, son mi proyecto más grande. Una autoficción, centrada en la vida de mi familia, narrando la vida de inmigrantes chinos y sus hijos que llegan a España. 

Supo que se dedicaría al arte… No lo sabía… Fue algo que pasó por casualidad. A mí siempre me gustó dibujar y pintar, pero era una cosa que no pensaba que formaría parte de mi vida profesional. «Gazpacho agridulce» nació de forma totalmente accidental, y nunca pensé que llegaría a donde está ahora.

¿Qué es lo más extraño que ha tenido que hacer en el arte para «sobrevivir»? No mucho, ya que la ilustración siempre ha sido mi segundo trabajo. Compagino y he compaginado mi trabajo artístico con el alimenticio, el de diseñadora UX. Eso es lo que me permite no tener que hacer cosas raras para «sobrevivir». 

Su yo «virtual». Al principio, mi faceta artística nació en un blog en Tumblr. Luego dio el salto a las redes sociales a través de Facebook, Twitter e Instagram. Progresivamente, he ido abandonando algunas de ellas hasta quedarme únicamente con Instagram, que es mucho más visual, y donde interactuo con mis followers. Soy muy consumidora de medios digitales, me dio una pena tremenda que cerraran Buzzfeed España. Aunque he de confesar que, excepto Buzzfeed, no sigo muchos medios «millenials». Noticias, cotilleos, inspiración artística… Me gusta estar informada de la actualidad. También me gustan los memes… Al final, odo esto también influye en las viñetas que hago.

Dónde está cuando no hace arte. Doy ponencias sobre inmigración y temas identitarios. Además realizo tallere,s junto con una psicóloga, que conciencian sobre el racismo usando el cómic como herramienta. El taller se llama «Emociones ilustradas».

Le gustará si conoce a... He de confesar que no he tenido referentes. No porque no haya otros grandes artistas, sino porque lo que hago es tan específico del contexto socio-cultural en que vivimos en España, que no ha habido nadie que me enseñara cómo contar mi historia. No ha habido españoles de ascendencia china antes de mí que me hayan dicho «esta es la forma de hacerlo».

En cuanto a cómics y estilos gráficos, sí, pero los descubrí a posteriori, a raíz de empezar a conocer dibujantes y artistas después de publicar. Algunos serían Moderna de pueblo, Paula Bonet, Mercedes Debellard, Flavita Banana o la escritora Nuria Labari. Todas grandes mujeres a las que admiro.

Qué se trae ahora entre manos. Ahora mismo estoy trabajando en el guion de un nuevo libro ilustrado. Pero todavía es secreto y no puedo contar nada más.

Proyecto favorito hasta el momento. Sin duda, mis novelas gráficas. Han sido el proyecto más grande en el que me he embarcado. Y estoy muy contenta con el resultado, sobre todo, cómo lo han recibido los jóvenes hijos familias chinas, que se han sentido identificados con mi historia.

¿Por qué tenemos que confiar en ella? No tenéis que confiar, tenéis que reflexionar en lo que os cuento. En base a esa reflexión, debéis ser críticos. Yo aporto un punto de vista que antes no existía en el panorama: el de los españoles de ascendencia china.

¿Dónde se ve de aquí a un año? No tengo ni la más remota idea. Creo que eso es lo que más me gusta.

¿A quién cedería el testigo de esta entrevista? A Pedro, Le Frere. Artista donde los haya.

lunes, 23 de septiembre de 2019

«Faltan lectores de cómic. La juventud está mucho más pendiente de las pantallas»


Ocho ediciones llevan los responsables de las Jornadas de Cómic de Valencia impulsando una cita con las viñetas que nació con vocación de llevar la ilustración a todos los públicos. El certamen de este año, que se inaugura el viernes, ofrece un fin de semana de actividades, exposiciones y charlas que pretenden poner en valor a la industria del cómic de la región. Es el empeño de José Vicente Pellicer, el presidente de la Asociación Valenciana del Cómic (Asovalcom), quien habla  mientras da los últimos retoques a un encuentro que este año abandona Tapinería para crecer en La Nau.

-Llevan ocho ediciones. Ahora hay un auge de la ilustración en Valencia, pero cuando empezaron no debió ser fácil impulsar una cita de estas características. ¿Cuál es la fórmula? ¿Se consideran unos supervivientes?

-El secreto es que vamos año a año. Cada ejercicio vemos cómo enfocar las jornadas, cuál es el camino. Dependemos de los autores que pueden venir. Pero siempre mantenemos las mismas directrices: ser un encuentro gratuito, para todos los públicos y que apueste por la cultura. Ya estamos pensando en actividades para el año que viene.


-¿Tienen apoyo institucional?


-Lo hemos tenido, aunque no siempre. Y ha sido a través de subvenciones. Ha habido años en los que no las había. También contamos con una serie de colaboradores. Pero lo que sí echamos en falta es el apoyo de entidades privadas. Sabemos de algunas que apuestan por la cultura, aunque a nosotros nos falta ese apoyo. Llamamos a muchas puertas.


-¿Y se abren? Se lo pregunto porque estamos en un momento en el que se vive un gran auge de la ilustración en la ciudad con iniciativas como la Heroes Comic Con, que ha pasado a manos de Feria Valencia, las exposiciones sobre esta disciplina y la apertura de la fanzinoteca del IVAM...


-Algunas se abren. Cuando nos quedamos sin poder celebrar las jornadas en Tapinería, nos sorprendimos de que tuviéramos cuatro opciones para organizarlas. Nos quedamos con La Nau, que es más grande. Se abren puertas, pero no en el sector privado, donde no hemos conseguido muchos avances.


-Con lo que comentábamos antes, sumado al Splash de Sagunto o el Festival d'Arts de Patraix (FAP), ¿se puede decir que el cómic está en su mejor momento en la región?


-El cómic y la ilustración están muy vivos en Valencia. Sólo hay que ver la cantidad de dibujantes, tiendas, editoriales e, incluso, traductores, que trabajan en la ciudad. Yo no recuerdo un 'boom' como el de la actualidad. Por lo menos en los últimos años.


-Entonces, ¿se puede vivir de la ilustración en la Comunitat? No podemos olvidar que existen nombres como los de Paco Roca, Ana Penyas, ambos premios nacionales...


-Por ello, en las jornadas dedicamos el viernes a los autores valencianos. Hay una gran efervescencia creativa. Hoy en día el cómic valenciano está valorado y en una situación muy buena. Pero también tenemos que decir que no es fácil vivir de la ilustración. Hay dibujantes que sacan sus proyectos, pero tienen que trabajar en otras cosas porque el cómic solo no da para vivir. Hay ideas, pero es como todo. Para muchos es muy complicado.


-¿Se venden cómics?


-Se vende. La prueba está que hay muchas tiendas nuevas, sobre todo en el barrio de Ruzafa. También se están editando revistas, que no paran de sacar números. Pero lo que no hay son tantos lectores como deberían. La juventud, ese tramo que va de los diez a los veinte años, está mucho más pendiente de las máquinas y de las pantallas que de leer o consumir cómics. Ese es el reto, conseguir que se acerquen a la ilustración.

viernes, 20 de septiembre de 2019

Una valiosa plancha de 'La estrella misteriosa' de Tintín a subasta


Los seguidores de Tintín están de suerte. Una plancha de cómic del álbum 'La estrella misteriosa' saldrá a subasta en París el próximo 18 de septiembre. El dibujo, realizado en 1942 por el belga Hergé, podría alcanzar los 400.000 euros. La plancha fue impresa en una hoja más fina de lo habitual debido a la escasez de papel en tiempos de guerra.

Dora Blary, jefa del Departamento de cómics en la Casa de subastas Piasa, explica que "se trata de una obra muy emotiva para los amantes de Tintín. Hay una generación que creció con él y que descubrió al auténtico Hergé, con este nivel de arte. Estos dibujos son originales y forman parte de la infancia de muchas personas."

Tintín batió el récord mundial con una plancha del libro 'Aterrizaje en la Luna', de 1954, vendida a un millón y medio de euros en 2016.

En esta ocasión, la obra tiene un detalle extra: la sangre del propio Hergé, que goteó sobre el dibujo después de que el artista se hiriera con un compás en su mesa de trabajo.

jueves, 19 de septiembre de 2019

RTVE:Max, el bailarín de Arturo Pérez Reverte, salta al cómic



Después de su excelente adaptación de La sombra del águila, el dibujante Rubén del Rincón pidió a Arturo Pérez Reverte que le dejase llevar al cómic la juventud de Alatriste, pero el escritor estaba muy decepcionado con la película y la serie de televisión y propuso al dibujante que, mejor, crease aventuras nuevas de otro de sus personajes: Max Costa, el bailarín (y ladrón) protagonista de la novela El tango de la guardia vieja. Rubén contactó con el guionista Salva Rubio y ambos han narrado los orígenes de Max en el espectacular Max: Los años 20 (Planeta Cómic).

“La novela me la regaló el propio Arturo mientras paseábamos por Madrid –asegura Rubén del Rincón- La compró junto con otra que acababa de salir, El francotirador paciente, y al leérmelo me di cuenta de que podíamos hacer una serie. Pero no quería hacerme cargo del guion y se lo propuse a Salva Rubio”.

La novela comienza en la Barcelona de 1921 y cuenta la juventud de Max, un joven bailarín que sueña con una vida de lujo. Una vida que solo podrá conseguir si se dedica al crimen.

“Arturo nos dio libertad total –añade Salva- y nosotros tomamos un par de ideas de la novela que nos llamaron la atención, para recrear la juventud del personaje. Primero, lo que se decía sobre que Max tenía que huir de Barcelona porque creía que había matado a un hombre, aunque en realidad no lo había hecho. Y en otra parte del libro se apuntaba que Max había estado en Marruecos y había participado en el desastre de Annual. A partir de ahí ideamos una trama que comienza en la Barcelona de los años 20, continúa en Marruecos y nos llevará a París”.


"Nuestro Max está por hacer"

En cuanto al personaje protagonista, Salva no comenta que: “Nuestro Max está por hacer. El de la novela es un tipo experimentado, con aplomo y seguridad, con recursos, que sabe caer bien a la gente. Y nosotros necesitábamos un chico de barrio que no hubiera salido nunca de Barcelona, que tuviera objetivos y sueños, pero ni medios, ni sabiduría, ni picardía para conseguirlos. Por eso es una historia de iniciación”.

El primer paso era dar con el aspecto físico del personaje, como nos cuenta Rubén: “Fue muy complicado. Tuve que hacer varios intentos. Tenía una idea muy clara de su estructura. Quería que en el porte se pareciese al actor James Gardner (La gran evasión), pero que fuese un poco más guapo. A partir de esa premisa hice pruebas, con distintos tipos de peinado, hasta que di con él. Lo que siempre intento es que si pones su silueta en negro y de perfil, el personaje se reconozca. Por eso está peinado hacia atrás, pero con una especie de ondulado que, junto con el perfil de la nariz, le da ese aire de seductor y de caballero que buscábamos”.


El que sea bailarín es fundamental para el personaje, como nos comenta Salva: “Eso le da una elegancia que le viene muy bien para esa parte de seductor del personaje. Bailar también es una forma muy fácil de que las mujeres se acerquen a él. Y además tiene un cuerpo siempre entrenado y con mucha agilidad, lo que viene muy bien para esa idea de que es un poquito superhéroe, un poco Fantômas, ya que se mueve rápido y sigilosamente”.

Algo en lo que coincide Rubén: “Como mi estilo de dibujo se apoya mucho en el movimiento, el que Max sea bailarín me da mucho juego. Es muy estético, dinámico y simplemente por los perfiles se entiendo todo. Y, cómo comprobaremos, ser bailarín le viene estupendamente para poder robar, porque tiene agilidad, equilibrio y otra serie de habilidades que le favorecen mucho a la hora de dar un golpe”.

Por la portada, podría parecer que el personaje también tiene algo de James Bond. “Si, puede parecerlo –asegura Salva-, pero Max es muy joven, por lo que mantiene la inocencia, está todavía por hacer, no tiene la crueldad y la indiferencia que tiene James Bond. Creo que lo que define a Max es que tiene corazón, incluso a pesar de sí mismo, ya que le gustaría parecer más frío y cruel, pero tiene más corazón de lo que piensa”.

“Intentamos –añade Rubén- que esa portada pareciese un anuncio de Brummel (colonia)y que Max saliera como del negro, como de la oscuridad. Porque el personaje se revela en este primer número. También tiene un aspecto muy atractivo, como de afiche de época”.


Barcelona, Marruecos, la Costa Azul y París

Las aventuras de Max le llevarán desde la violenta Barcelona de los años 20 a París, pasando por Marruecos o la Costa azul. “El padre de Max era un asturiano emigrado a Buenos Aires que volvió a Barcelona para morir –asegura Salva- . Y nos gustaba la idea de esa Barcelona canalla de los años 20, de los atentados anarquistas, de la policía corrupta, los barrios bajos…”

Huyendo de Barcelona, Max se alistará en la Legión y vivirá el desastre de Annual, un episodio fundamental en la historia de España del que se habla muy poco. Salva comenta que: “Nos pareció interesante que Max fuera un soldado más, por lo que creamos un cuerpo de la Legión y lo mandamos a Marruecos. Allí entrenará y madurará, como antiguamente se hacía en la mili y las cosas se complicarán hasta que solo logrará sobrevivir de puro milagro”.


Después, las aventuras de Max le llevarán hasta la mismísima tumba de Napoleón, en Los Inválidos, donde transcurre el clímax del cómic. “Nos hemos propuesto que en cada uno de los álbumes Max de un golpe, en la primera historia de este cómic robará un rubí salido de la tumba de Tutankamón y para la segunda quería algo especial. Lo de meterse en el Louvre ya lo hemos visto un montón de veces, por lo que investigue y descubrí el misterio que hay sobre la tumba de Napoleón y sobre si su cuerpo está realmente enterrado allí”.

“Estuvimos en París e intentamos que nos dejarán entrar gratis en la tumba con la excusa de que estábamos haciendo el cómic, pero no coló – confiesa Rubén- Así que pagamos nuestra entrada e intentamos imaginar cómo podría entrarse en el edificio por arriba. A mí me encanta saltar, me muevo mucho, e incluso hacía parkour en mi juventud cuando todavía no se llamaba así. Gracias a eso se me ocurrió la forma en que Max podía subir por la cámara. Y eso me sirvió también para dibujarlo”


“Queríamos romperle el corazón por primera vez”

En cuanto a su relación con las mujeres, Salva asegura: “El personaje está íntimamente ligado a las mujeres porque es un seductor, un galán que en sus peores momentos ha vivido de las mujeres aprovechándose de ellas. Por eso nos pareció interesante crear una especie de educación emocional para el personaje. Empieza siendo un chico que cree que lo ha vivido todo porque ha tenido mucho sexo pero en realidad no se ha enamorado nunca. Y queríamos romperle el corazón por primera vez”.

Rubén añade que: “Su relación con las mujeres es distante en lo emocional y muy cercana en lo físico. Es un tipo que tiene muy claro lo que busca. A algunas las usa por el placer y a otras para conseguir lo que desea. No busca una mujer sino un estatus y usa a las que le pueden ayudar a conseguirlo. Es un personaje de otra época. Aunque dentro de los personajes de Arturo, creo que es un personaje bastante moral, con sus escrúpulos y que aunque use a las mujeres siempre intenta hacerlo de una forma elegante. No es como su otro personaje de Falcó, que sería el reverso violento de este”.


Una excelente documentación

Destacar la documentación de guionista y dibujante. “Yo soy historiador –confiesa Salva- y es la parte con la que mejor me lo paso, investigando. Cualquier excusa me sirve. Si puedo sacarle con Hemingway o Napoleón es un gusto”.

“Nos pasamos muchísimas fotografías de la época –añade Rubén-. Pero muy pocas veces utilizo una foto como referencia para los fondos de una viñeta, sino que suelo combinar varias. Uso un edificio de aquí, una calle de allí, lo cambio de ángulo, juego con la construcción de los ambientes… creo algo totalmente nuevo, porque es una cosa que me divierte”.

En cuanto a sí han usado alguna película, Rubén asegura que: “Hemos visto alguna para tenerlas presentes en la memoria y recordar esas sensaciones que nos han producido. Verlas sí, pero utilizarlas no. Por ejemplo, hemos visto Bob le Flambeur (Jean-Pierre Melville, 1956)”.


Rubén añade que: “Ha sido muy divertido dibujar escenarios tan interesantes y tan variados. Primero la Barcelona de los años veinte con la lucha obrera, los anarquistas contra la patronal, la guerra sucia patronal… Es como la novela La verdad sobre el Caso Savolta, de Eduardo Mendoza, y su película (Antonio Drove, 1979), que también vi cuando dibujaba a Max, porque describen muy bien esa guerra civil que hubo en Barcelona. París ya lo había dibujado para el cómic de  Los tres mosqueteros y la guerra del Rif ha sido lo más complicado porque me gusta que la ambientación sea rica y ahí casi todo era desierto. Intenté buscar cosas más rocosas, buscar los campamentos, las fortalezas…”

En cuanto a sí habrá más aventuras de Max, Salva asegura que: “Dependerá de las ventas, pero nuestra intención es hacer una trilogía: Años 20, Años 30 y Años 40. Así veremos tres versiones del personaje en tres décadas distintas, con aventuras propias”.

miércoles, 18 de septiembre de 2019

RTVE:Un cómic recrea la Guerra Civil española en el aire


Hay cientos de libros, cómics y películas sobre la Guerra Civil española, pero La sombra del Cóndor (Trilita Ediciones) nos habla de un tema que se ha tratado muy poco: la importancia de la aviación, no solo en los combates sino también como forma de transportar las tropas. Un cómic del argentino Gerardo Balsa, que será una trilogía sobre dos aviadores, uno del bando republicano y otro del nacional, y del que acaba de publicarse el primer volumen: La sombra del cóndor, 1936. Bajo un cielo español.

“Hay -asegura Gerardo- muchísimos temas en la serie: el romance, las vidas destrozadas, el honor… pero me centro sobre todo en el tema de la aviación, que fue fundamental y del que creo que se ha hablado muy poco. Por eso investigué mucho, hablé con pilotos…”

El título del cómic alude a la fuerza de intervención aérea que el III Reich envió para apoyar a Franco y que pronto se haría tristemente célebre por su capacidad de destrucción. “El título juega con la sombra que proyectó aquella tristemente célebre Legión Cóndor en España -asegura Gerardo-.

“Tampoco podemos olvidar a la aviación italiana aunque no sea tan famosa como la alemana –añade-. Porque los italianos mandaron más aparatos y pilotos a combatir en España que los alemanes”.

“Los bombardeos a objetivos civiles se estrenaron en España”
Gerardo nos recuerda que: “Fue la primera guerra en la que el papel de la aviación fue decisivo. Y, tristemente, también donde se estrenaron los bombardeos a objetivos civiles, que no tenían ninguna importancia militar. Con ellos solo buscaban aterrorizar a la población. Un tema espinoso y doloroso, pero del que hay que hablar”.

“En España los ejércitos probaron muchas cosas que luego se aplicarían a la Segunda Guerra Mundial –añade el autor- Por ejemplo, como puede verse en este primer tomo con el traslado de las tropas de Franco de África a la península, el empleo de la aviación también fue decisivo para trasladar a los ejércitos de un sitio a otro”.

“Si Franco no hubiera podido traerse las tropas posiblemente hubiera tenido que negociar o idear otro plan -continúa-. Pero los alemanes enseguida le mandaron diez trimotores de transporte, los famosos Junkers y pudo hacerlo. Eso es otro hecho histórico, porque fue la primera vez que se transportó a un ejército por el aire”.

Gerardo, que se confiesa un apasionado de la historia, nos revela cómo empezó su interés por la Guerra Civil: “Allá, en Argentina, mi padre tenía un empleado en su taller que era un veterano de la Guerra Civil. Un anciano que me contó cómo había derribado un avión en la Guerra Civil, lo que para mí lo convertía en un héroe de película. Se tuvo que exiliar y terminó en Argentina como tantos republicanos”.

“La Guerra Civil es muy rica en hechos, en sucesos… todavía hay versiones contradictorias sobre muchas cosas… y siempre quise contar algo sobre ella desde este punto de la aviación, del que se ha hablado tan poco. Y que, sin embargo, es un tema muy popular en el cómic francés”.

Un obrero anarquista contra un oficial alemán

Los protagonistas de la historia son un obrero y un oficial alemán. “Por un lado –asegura Gerardo-, tenemos a Pedro Goya, un obrero madrileño formado en una escuela anarquista, como fue mi abuelo y que se convertirá en artillero. Y por el otro tenemos a Dieter von Moltlke, un aristócrata alemán alejado del nazismo porque, en esa época, la aristocracia alemana veía a los nazis como unos recién llegados y los miraba por encima del hombro”.

Aunque nos recuerde, por su porte, su elegancia y sus principios, al célebre Barón Rojo, Gerardo niega que se haya inspirado en el As de la Primera Guerra Mundial: “No, porque pienso que el Barón Rojo fue un héroe de opereta, para la galería. Era un piloto muy hábil pero tampoco el ídolo invencible en el que lo convirtieron”.

También destacan los personajes femeninos. “Quizá sea por la influencia de mi madre y mi hermana –confiesa Gerardo- pero me gustan los personajes femeninos fuertes. En esta historia destacan La Malagueña, una prostituta andaluza fuerte, orgullosa y apasionada, que se enamorará de Dieter (que es su cliente) y Sofía Rigau, una intelectual socialista catalana, que proviene de una familia burguesa y que tendrá una relación con Pedro”.

Personajes históricos

En el cómic tampoco faltan personajes históricos: “En este primer tomo –asegura Gerardo- aparece Franco en una viñeta. Con el bigote afeitado porque fue cuando hizo su viaje clandestino desde su cuartel de las Canarias, hasta Marruecos, donde se unió al ejército alzado de África”.

“Tengo ganas también de que aparezca George Orwell en Barcelona, de dibujar a Hemingway… El tema de la Guerra Civil da mucho juego porque llamó tanto la atención internacional que todo el mundo estaba mirando a España. También quiero dibujar a Millán-Astray, pero no sé en qué situación meterlo… todavía”.

“No se puede ser neutral con el tema de la Guerra Civil”

Gerardo asegura que: “No se puede ser neutral con el tema de la Guerra Civil. He intentado ser lo más objetivo posible pero por mi familia, que siempre ha estado muy ligada a España, mi corazón, mi simpatía, está con la República”

Y es que el cómic también nos habla de la sinrazón de la guerra. “Sobre todo –asegura Gerardo- porque era una guerra civil, lo que era mucho peor. Destruyó a más de una generación. El horror de la guerra está muy presente en este cómic. El horror, el absurdo e incluso la locura”.

Pero la guerra en el aire parece más estética y menos cruenta. “Tiene un punto atractivo –confiesa Gerardo-. Y narrar un combate aéreo es muy bello estéticamente porque puedes poner la cámara donde se te ocurra. Pero no olvidemos que hay una relación directa entre lo que pasa ahí arriba y el que está abajo, que vive el conflicto de otra forma menos bonita. Y eso también se ve en el cómic”.

No es la primera vez que Gerardo dibuja este tipo de escenas: “En una serie que hice para Francia U.47, ya dibujé multitud de aviones. Y ahí comprendí que no se podían dibujar de cualquier forma, sino que había que saber lo que podía hacer cada avión y lo que no. Me encanta dibujar máquinas y, sobre todo aviones”.

“No conviene documentarse con películas”
Gerardo también asegura que a la hora de documentarse “No es conveniente usar películas porque es información de segunda mano. Lo bueno es ira a la fuente, a los testimonios de los pilotos, a las fotografías de época… hay muchísima bibliografía entre la que bucear. Pero también hay que discriminar mucho porque a veces las fuentes no son fiables. Ha sido un trabajo de documentación enorme pero ha merecido la pena”.

En cuanto a las diferencias entre las aviaciones de ambos bandos, Gerardo asegura que: “Creo que la del bando nacional estaba mucho más preparada. Además era mucho más numerosa. Solo hubo un momento, en octubre-noviembre de 1936 cuando la aviación republicana tuvo un momento de superioridad, que fue cuando recibieron los nuevos aviones rusos. Pero la aviación Nacional siempre estuvo un paso por delante”.

“Además –añade- la República siempre tuvo un problema serio de escasez de aparatos, de munición, de pilotos, de personal… Eso lo he ido averiguando según me documentaba. Es un tema apasionante. Espero que todo ese esfuerzo se note en el cómic”.

Sobre sus planes para los dos álbumes restantes de la trilogía, Gerardo Balsa asegura que: “Estoy preparando el segundo y calculo que se publicará a mediados del año que viene. El argumento ya está terminado, lo que falta es dibujarlo”.

En cuanto a si tendremos un duelo en el cielo entre los aviones de los dos protagonistas, Gerardo afirma que: “No lo voy a adelantar. Si puedo comentar que veremos el entrenamiento de uno de los protagonistas y el bombardeo de Guernica. Pero vamos a mantener el suspenso sobre lo que pasa con los protagonistas”.


Enlace:  http://www.rtve.es/noticias/20190913/guerra-civil-espanola-aire/1979120.shtml

martes, 17 de septiembre de 2019

El País:Batman: 80 años sin su auténtico padre


El sábado 21 de septiembre se celebrará el Día de Batman, un festejo liderado por la editorial que lanza sus tebeos y propietaria del personaje, DC Comics. Este año será una celebración especial, porque el Caballero Oscuro cumple 80 años, los que han transcurrido desde que apareciera el 30 de marzo de 1939 en el número 27 de la revista Detective Comics, acompañado de la famosa firma “por Bob Kane” con la letra O más grande. Todo un triunfo para uno de los grandes mentirosos de la historia del cómic.

Kane conoció en el colegio, de crío, al maestro Will Eisner, y bajo su paraguas empezó en el mundo del cómic. A inicios de 1939, el éxito de Superman hizo que la editorial National Publications (empresa embrionaria de DC Comics) buscara un superhéroe a la altura. Kane, que colaboraba allí, prometió un viernes que el lunes les traería uno. Se fue a casa y dibujó a Batman, un hombre con antifaz, alas rígidas y unas mallas rojas. Por si acaso, llamó a un colaborador, Bill Finger, al que había conocido en una fiesta —aunque fueron juntos al instituto—, y Finger le cambió el diseño: capa flexible, guantes, capucha con hueco para los ojos y orejas puntiagudas, traje en gris y negro... Ese lunes, Kane entró en National Publications con el boceto prometido y firmó un contrato en el que se aseguró los derechos de propiedad del personaje y obligaba a la editorial a publicar siempre el consabido “by Bob Kane”.

Finger guionizó la primera historia de Batman. Oscureció su carácter. Creó el nombre de Bruce Wayne, el asesinato de sus padres, la batcueva y el batmóvil, inventó al Joker, a Robin, Enigma, Catwoman, el Espantapájaros, al comisario Gordon. Bautizó Gotham City, ideó el apodo del Caballero Oscuro. Junto a Finger se fueron sumando guionistas y dibujantes, todos anónimos. Kane solo participó el nacimiento de Dos Caras.

En 1965 se celebró en Nueva York la primera Comic-Con con profesionales. Y allí, invitado por expertos, apareció por primera y última vez en público Finger, que contó su historia. Por supuesto, Kane contraatacó, y DC Comics le respaldó: estaban preparando la serie de televisión, no era el momento de levantar dudas sobre el mito de Kane. El nombre de Finger, que había dejado de escribir cómics en 1961 y se había dedicado a la televisión, se difuminó; quedó para la historia solo como el guionista de dos capítulos de la serie de Batman. Murió en 1974, en Manhattan, a los 59 años. Encontró su cadáver uno de sus últimos amigos y su coguionista en la serie Batman, Charles Sinclair.

Todo hubiera quedado en el olvido, si un escritor, Marc Tyler Nobleman —“fanático de los primeros creadores de superhéroes”, cuenta por correo electrónico—, no hubiera cruzado sus pasos con Finger, tras escribir sobre los padres de Superman (Jerry Siegel y Joe Shuster, que pleitearon varias veces infructuosamente por recuperar los derechos intelectuales de su creación). “Me lo tomé como una cruzada que me acompañará el resto de mi vida”, asegura. “El alma de Batman es Finger. Recuerda que Kane jamás escribió una historia”. Nobleman entrevistó a creadores amigos de Finger como Sinclair o la segunda esposa del guionista, encontró la grabación de una entrevista con él de 1972, hasta habló con el coescritor con el que Kane —que murió en 1998, convertido en el showman de Batman— hizo su biografía, y al que reconoció su fechoría.

Única heredera

Tras años de investigación, en 2012 Nobleman publicó sus descubrimientos en el libro Bill the Boy Wonder. El autor siguió con su lucha, pero DC (ahora parte de Time-Warner) se escudaba en el contrato de 1939 con Kane para no incluir a Finger. Además, Batman ya no es un tebeo, sino el rostro de un imperio audiovisual. No había herederos directos que pleitearan por los derechos intelectuales. Su único hijo, un chef llamado Fred Finger, conocido en la escena gay neoyorquina, falleció en 1992 enfermo de sida.

Hasta que Nobleman encontró a unos primos de Fred, que le cuentan que el cocinero tuvo una hija. Ahí entró en la historia Athena Finger, que aunque conocía la historia de su abuelo, nunca supo dónde investigar. Con el material de Nobleman, la nieta presionó a DC, y en 2013 empezó a participar en las Comic-Con para hablar de su abuelo. El 18 de septiembre de 2015 finalmente Time-Warner cedió, y desde el estreno de Batman v Superman: el amanecer de la justicia (2016) el nombre de Finger sale junto al de Kane. La peripecia de Nobleman está reflejada en el documental Batman & Bill, que el canal TCM emite el mismo 21 de septiembre. "Aun así", incide el escritor, "DC no le ha dado a Finger el reconocimiento y el homenaje que se merece".

En pocas semanas se estrenan Joker —ganadora del festival de Venecia— y las series de televisión Pennyworth, Titanes y Batwoman. Es el año Batman, aunque curiosamente en el audiovisual no aparecerá Batman en activo. A pesar de ello, Nobleman asegura: “Bill estaría orgulloso de cada historia surgida a la sombra de su héroe”.

lunes, 16 de septiembre de 2019

RTVE:'Frankenstein ¡Está vivo!', la despedida de Bernie Wrightson, el maestro del terror


Considerado el maestro del terror en los cómics, Bernie Wrightson (1948-2017) dedicó gran parte de su vida al monstruo de Frankenstein. Pasó varios años ilustrando una espectacular edición de la novela de Mary W. Shelley y en sus últimos años retomó al personaje en una miniserie Frankenstein ¡Esta vivo!, escrita por Steve Niles, que no pudo completar debido a su fallecimiento, el 19 de marzo de 2017, a los 69 años. Sí pudo elegir a su sustituto, el estupendo Kelley Jones (Batman), que se encargó de terminar esta obra que ahora publica en España Planeta Cómic.

Frankenstein ¡Está vivo! continúa la historia de la criatura de Victor Frankenstein en el momento en que acababa la novela de Shelley, con el monstruo despidiéndose de su creador antes de quedar congelado para la eternidad. Pero su descanso va a ser muy breve, porque se descongela en un mundo que, a pesar de haber avanzado, sigue sin aceptarlo.

Entonces  la criatura se embarcará en un viaje para descubrir su propia humanidad. Y solo encontrará su lugar entre los "fenómenos" de un circo que parecen un homenaje a otro de los grandes clásicos del terror, La parada de los monstruos (Tod Browning, 1932), del que Wrightson también dibujó una versión, Feria de Monstruos (1984), con guion de Bruce Jones.

Este tomo incluye la serie original, de cuatro números, más una extensa galería de bocetos y dibujos a lápiz nunca antes vistos, escaneados todos de las ilustraciones originales. Destacar el formato del cómic, mayor de lo habitual, que nos permite disfrutar de las espectaculares ilustraciones de Wrightson, en las que cuidaba hasta el más último detalle. Y es que creó la mejor versión del monstruo de Frankenstein tras la de la película de James Whale. Y la más humana.

Una pareja de amigos

En sus últimos años Wrightson trabajó habitualmente con el guionista Steve Niles, Famoso por ser el creador de la saga 30 días de oscuridad, que incluso fue llevada al cine, en obras como Dead, She Said, The Ghoul y Doc Macabre. Y aquí vuelven a demostrar su compenetración en una historia en la que ambos buscan resaltar la humanidad del monstruo más humano de todos.

Niles escribe un emocionante prólogo en el cómic, en el que cuenta cómo Wrightson trabajó hasta que pudo y luego, al darse cuenta de que no podría acabar el trabajo, contactó con el dibujante Kelley Jones, uno de los más influenciados por su estilo.

Como cuenta Niles en el prólogo: "Cuando empezaron a llegar las páginas terminadas, Liz (la viuda de Wrightson) y yo nos quedamos maravillados por la destreza y el cuidado que Kelley había puesto en ellas. Fue un momento agridulce, pero también, de cierta manera, jubiloso... el proyecto dinal de Bernie estaría completo, y de la manera que él habrñia aprobado".

Y es que este especatular cómic es el mejor homenaje para un autor, Bernie Wrigthson, que firmó algunas de las páginas más bellas del cómic, y también de las más terroríficas.

Una leyenda del cómic


Bernie Wrightson (Baltimore, 1948) publicó sus primeros trabajos profesionales, en 1970, en la revista House of Mystery (DC Comics), en los que ya quedó patente su dominio de las atmósferas terroríficas y su maestría con el dibujo en blanco y negro. En 1971 aparece La Cosa del Pantano (Swamp Thing), con guión de Len Wein. Un personaje que se hizo famoso enseguida y consiguió su propia colección de la que Wrightson dibujaría los diez primeros números (años después Alan Moore crearía su primera obra maestra con el personaje).

El éxito de La Cosa del Pantano hizo que cuando Wrightson llegó a las oficinas de Warren, en 1974 ya era un artista reconocido con una legión de fans. Pero su minucioso dibujo hacía que no se sintiese muy cómodo dibujando una serie, por lo que las revistas Creepy y Eerie eran perfectas para el, ya que podía trabajar a su ritmo y ganar bastante más, por página, de lo que cobraba en otras compañías, lo que le permitía dedicar más tiempo a su detallado dibujo. Y otra cuestión fundamental es que Warren le permitía publicar sus historias en blanco y negro y no en el color de puntitos de la época.

Apenas dibujó nueve historias cortas para las famosas revistas Warren, pero con ellas cambió el modo de dibujar cómics de terror y se convirtió en uno de los referentes del género.

Años después de este puñado de historias realizaría la que está considerada su obra maestra, las ilustraciones para una edición de Frankenstein (Planeta DeAgostini), de Mary B. Shelley. Un libro espectacular que captó el terror y el romanticismo de la obra y lo convirtió en Arte con mayúsculas.

Entre sus obras más recordadas también están Feria de monstruos, con guion de Bruce Jones; y su adaptación de la película Creepshow (1982), de George A. Romero, un film para el que también realizó ilustraciones e incluso el cartel.

Wrightson también diseñaría personajes para películas tan conocidas como Los Cazafantasmas o Spider-Man.

Con el declive de las historias de terror, Wrightson tuvo que trabajar para las grandes editoriales, como Marvel o DC en títulos como Dead, she said (Planeta Cómic), Batman: La secta (ecc ediciones), El Castigador, Spider-Man: Hooky o Hulk y La Cosa (Panini).

Y en sus últimos años pudo cumplir su sueño de volver a los cómcis de terror y al Mounstruo de Frankenstein que tanto le marcó de niño, como comenta en la imprescindible entrevista incluída al final de este espectacualr libro que también es el mejor homenaje posible al maestro del terror en los cómics.


Enlace articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190915/frankenstein-esta-vivo-despedida-bernie-wrightson-maestro-del-terror/1979185.shtml

jueves, 12 de septiembre de 2019

«El cómic vive un gran momento y cada vez se publica mejor»


Historietista por encima de todas las demás cosas, Antonio Navarro ha destacado también en campos como la animación, habiendo dibujado para estudios como Hanna Barbera o Disney. Sus páginas de historieta empezaron a conocerse en los ochenta, también han destacado títulos como 'Simone', 'Por Soleá' o 'El tiempo arrebatado'. El año pasado revolucionó el mercado con su última obra, 'Homónimos', un trabajo imprescindible donde aborda multitud de lenguajes, tanto narrativos como pictóricos.

-Ha trabajado en muchos campos y además guioniza muchas de sus obras. ¿Es lo mismo ser escritor que guionista de cómics o son dos facetas muy alejadas entre sí?

-Al fin y al cabo todos son medios narrativos, no importa que sea una película, una novela o un tebeo. Tienen en común el tronco del que se nutren todas las historias, quien escribe tiene que construir una narrativa, un discurso y unos personajes que emocionen y enganchen. Pero son medios diferentes y utilizan recursos diferentes. Creo que se puede dar que un escritor de novelas haga buenos cómics y al contrario, pero hay que entender que no son campos que vayan ligados de forma obligatoria.

-Es momento de hablar de su última obra, 'Homónimos'. Me pregunto si un autor se siente cómodo cuando un trabajo se lleva tanta atención por parte de la crítica.

-Se ha valorado muy positivamente y eso significa que ha habido algo en el proceso de tu trabajo que ha emocionado y eso me gusta. Lo que sí es cierto es que en estos casos te pones a ti mismo una presión extra a la hora de afrontar el próximo proyecto, que pareciera que tiene que estar al mismo nivel. Por el momento disfruto de este último cómic, que además me ha llevado casi una década de trabajo.

-La obra se articula en torno a personajes que comparten su mismo nombre. ¿Ha contactado algún Antonio Navarro con usted desde que se publicó?

-Lo cierto es que está basado en historias reales que descubrí al buscar mi nombre en internet, pero no ha habido ninguno de ellos del que haya sabido nada. Lo que sí es cierto es que en algunas convenciones le he firmado el tebeo a otros Antonios Navarro y es algo gracioso.

-En 'Homónimos' juega con diferentes narrativas y estilos de dibujos para separar las historias, ¿a qué responde eso?

-Es curioso porque casi desde que concebí el proyecto tenía claro que quería jugar con eso. En 'Homónimos' trato de conseguir un efecto a través del cual el lector piense que son varios los dibujantes que participan en la obra. Cada historia tiene un clima propio y precisaba de un tipo e dibujo diferente. Había muchos más Antonios Navarro y estilos de dibujo, pero estoy contento con como se entrelazan las historias que forman parte de la obra final.

-¿Alguno de eso estilos tan diferentes le ha interesado lo suficiente como para que se plantee utilizarlo en un futuro proyecto de forma integral?

-Por supuesto. Ha sido entretenido trabajar en todos los estilos, en el proceso creativo de cada uno de ellos. Pero luego hay algunos que te interesan más que otros y pueden ser muy útiles a la hora de plantear trabajos nuevos. Soy muy orgánico cuando confecciono una historia y cada una de ellas te pide un tratamiento diferente. Lo importante es saber trasmitirle a los lectores lo que de verdad estás buscando.

-En las Jornadas del Cómic de Avilés los autores tienen mucho contacto con el público, y entiendo que es más conocido entre las generaciones que le leían en las revistas de los ochenta. Pero, ¿ha notado que esta obra le acerca a la gente más joven?

-Creo que sí. Cada generación tiene su tiempo y sus referentes y hay que tener en cuenta que yo llevaba muchos años sin publicar y alejado del mundo editorial. Lo que no te sabría decir es si al público que le apasionaba mi trabajo antiguo le ha gustado también mi última obra. No me he dedicado a realizar un análisis tan profundo de como ha sido recibida por el público pero estoy muy contento.

-Ya conocemos un poco mejor al Antonio Navarro escritor, al dibujante e incluso al consumidor de dibujos animados. Ahora me gustaría saber como es el Antonio Navarro lector, ¿tiene muy llena la estantería de los cómics?

-Tengo que reconocer que la tengo hasta arriba (risas). El mercado editorial ahora es mucho más extenso pero me interesan muchas obras diferentes que son muy buenas, sobre todo en el ámbito del los álbumes europeos, que se asemejan más al trabajo que yo hago. Más allá todo se pone un poco loco.

-¿Se refiere a la sobreexplotación el mercado?

-El cómic vive un gran momento y cada vez se publica mejor. Pero ha habido momentos en los que s publicaba demasiado y las buena sobras se perdían entre las estanterías. Ahora se esta calmando la cosa.

miércoles, 11 de septiembre de 2019

RTVE:'Thorgal', uno de los grandes clásicos del cómic de aventuras


Creado en 1977 por el guionista Jean Van Hamme (XIII) y el dibujante Grzegorz Rosinski (Hans), para la revista belga Tintín, la serie Thorgal cuenta las aventuras de un vikingo y su familia. Uno de los grandes clásicos del cómic de aventuras de todos los tiempos que también mezcla la fantasía y la ciencia ficción. Un tebeo mítico que ahora Norma editorial recoge en estupendos tomos integrales de los que acaba de publicarse el primero: Thorgal Integral 1, que incluye los cuatro primeros álbumes de la serie: La maga traicionada, La isla de los mares helados, Los tres ancianos del país de Arán y La galera negra, publicados entre 1977 y 1981.

Además, cada tomo estará acompañado de un completo dosier que explicará los orígenes y avatares por los que ha pasado la serie desde sus discretos orígenes hasta convertirse en uno de los mitos del Noveno Arte. Artículos interesantísimos que irán acompañados de arte inédito. Además, este primer volumen incluye una lámina exclusiva de regalo que reproduce uno de los momentos más emocionantes del cómic.

Una obra maestra en una edición ideal para coleccionar y para regalar.

Los orígenes de Thorgal

En 1976 el guionista belga Jean Van Hamme ya había tenido importantes éxitos como las series Dany (sobre un grupo de supervivientes de un accidente aéreo atrapados en una isla desierta) y Largo Winch (las aventuras de un playboy millonario) cuando conoció al dibujante polaco Grzegorz Rosinski, que no sabía francés pero había viajado a Bélgica para comenzar a trabajar para la revista Spirou, con algunas historias breves.

Van Hamme le propuso dibujar una serie de vikingos con tintes mitológicos y así fue como, el 22 de marzo de 1977, debutaba discretamente en las páginas de la revista Tintín, con una primera aventura, La maga traicionada, de apenas seis páginas.

Thorgal Aegirsson no se nos aparece como un gran héroe vikingo sino como un hombre normal enamorado de una princesa vikinga (Aaricia) cuyo padre (Gandalf el loco) lo desprecia hasta el punto en el que ordena su muerte. Y así comienza esta aventura, con Thorgal a punto de morir cuando lo dejan atado a una roca para que se ahogue con la subida de la marea y los cangrejos devoren sus restos. Antes de abandonarlo le hará un corte en la mejilla que se convertirá en la famosa cicatriz que el personaje ha lucido desde entonces.

Por cierto que esa escena está sacada de la película Los vikingos (Richard Fleischer, 1958), protagonizada por Kirk Douglas y Tony Curtis, y que es una de las grandes influencias de Thorgal. Aunque la mayor sería el cómic El Príncipe Valiente, de Harold Foster, del que Thorgal coge algunas ideas fundamentales como que los protagonistas se enfrenten al paso del tiempo, que crezcan, maduren, formen una familia y que, incluso, lleguen a ceder el protagonismo a sus hijos.

También destacamos la relación de igualdad entre Thorgal y Aaricia, que recuerda a la que tenían el Príncipe Valiente y Aleta (reina de las islas brumosas). Una relación que de igual a igual que no era tan habitual en los cómics de finales de los 70 (aunque en Francia se estaban dando pasos de gigante en ese sentido).

Magia, misterio, mitología y ciencia ficción

Al contrario que los héroes clásicos, Thorgal no quiere combatir el más sino formar una familia y vivir en paz, pero el destino no le permitirá conseguirlo poniendo constantes pruebas y obstáculos en su camino. Y es que su apodo "Hijo de las tormentas", ya nos indica que también puede ser colérico y tumultuoso.

En estas primeras aventuras ya se cimentan las bases de la colección y esa mezcla de magia, misterio, fantasía, folklore, mitología, e incluso ciencia ficción, que hacen de la serie algo tan especial.

Por ejemplo, en estas páginas descubriremos que Thorgal no es un simple vikingo sino que después de un cataclismo los terrestres (¿atlantes?) viajaron a las estrellas en unos "Drakkars del espacio" y construyeron una civilización en las estrellas. Aunque regresaron siglos después en busca de fuentes de energía. Thorgal es hijo de esos seres venidos del espacio (pero nativos de la tierra).

Thorgal contra la censura

Como nos recuerda el guionista y crítico de la historieta Jorge García, en el estupendo dosier con el que finaliza este libro, Thorgal también tuvo que sortear la censura. Y es que Rosinski vivía en la Polonia comunista, por lo que tenía que enviar las páginas de Thorgal por correo, que eran escudriñadas por la censura (en plena Guerra Fría).

Los primeros años no tuvieron demasiados problemas, ya que el cómic apenas tenía contenidos políticos. Pero la situación económica y política en Polonia se iba complicando. Y tras la imposición de la Ley Marcial en Polonia, en 1981, Rosinski tuvo que trasladarse a Bélgica. Al principio, vivió con Jean Van Hamme, mientras que su esposa y sus tres hijos se quedaron en Varsovia. Finalmente consiguió la nacionalidad belga y se convirtió en uno de los dibujantes europeos más populares.

Jean Van Hamme se encargó del guion de la serie durante los 29 primeros álbumes y a partir del trigésimo son obra de Yves Sente. Rosinski, por su parte, ha participado en todos los álbumes de la serie. Y en los últimos publicados el protagonista ha pasado a ser Jolan, hijo de Thorgal.

Además se han publicado Los mundos de Thorgal, varios spin-off donde se narra la juventud del protagonista y la vida de personajes secundarios de la serie principal. Los autores varían según el número.

Uno de los grandes clásicos del cómic europeo en una edición imprescindible.

lunes, 9 de septiembre de 2019

El País:Cómics efímeros para engalanar las obras de la calle


Desde mediados de julio, los viandantes que pasan por la calle Marina (número 202) de Barcelona pueden pararse a observar un muro de seguridad de un solar pintado como si de un cómic se tratara. El mural, que explora la arquitectura de la capital catalana mediante edificaciones icónicas entremezcladas de diferentes épocas, es obra del reputado historietista e ilustrador valenciano Daniel Torres y forma parte de un proyecto pionero en España que ha iniciado este verano la constructora Núñez y Navarro con la editorial Norma Cómics para dar color y vida, de forma efímera, a distintos muros constructivos que se hallan por la ciudad. De momento, existen tres terminados y se espera que la cifra llegue a ocho a finales de año.

“En la obra he intentado hacer un retrato de la imagen que tengo de la ciudad juntando la Barcelona romana, gótica, novecentista, la del siglo XX y la futurista”, dice Torres. Los murales se pueden apreciar desde lejos pero contienen muchos detalles que animan al transeúnte a acercarse e intentar desentrañar toda la historia que contiene su narrativa. “Son muros estimulantes, que incitan a la curiosidad”, comenta Oscar Valiente, director de Norma Cómics.

“Con la acción artística, el muro deja de ser un elemento que surge de repente en el espacio urbano y que irrumpe y corta el paso habitual de los ciudadanos para convertirse en un espacio de comunicación entre el artista y los viandantes, a los cuales interpela con dibujos e imágenes. En definitiva, convertimos un inconveniente en oportunidad”, explica Daniel Zafra, director de marketing de Núñez y Navarro. Asimismo, Zafra cree que la iniciativa mejora cualitativamente el entorno y la percepción de las personas que habitan y visitan la ciudad.


De momento, aparte del mural de Torres, el proyecto cuenta con dos creaciones artísticas más finalizadas. Son las del artista Sagar (Fraternidad, 5) y la ilustradora Marina Capdevila (Manso, 56). La editorial escogió los autores pensando en la estrecha relación que mantienen con Barcelona y porque son artistas de generaciones, estilos y temáticas diferentes, lo que hace que ninguno de los murales se parezcan entre sí, más allá del tono verde predominante que siempre se utiliza, el color corporativo de la constructora.

Además de los tres murales ya pintados, se esperan como mínimo cinco más para finales de año. Estos se harán con la participación de reconocidos artistas de distintos ámbitos dentro del mundo del cómic, como Dani Bermúdez y Fidel de Tovar, Berok, María Llovet, Danide, Brosmind y Pep Brocal.

“La acción de la constructora es el camino a seguir para que otras empresas e instituciones puedan convertir sus espacios en una reivindicación del arte y la cultura”, sentencia Valiente, que recuerda también que son muchas las ciudades europeas, como Bruselas o Berlín, que llevan tiempo desarrollando este tipo de iniciativas en el espacio público.

El proyecto de Núñez y Navarro con Norma Cómics es el más reciente pero no ha sido el único llevado a cabo por el grupo inmobiliario en materia de arte urbano. En este sentido, destaca, por ejemplo, la rehabilitación de edificios como La Rotonda y el Hotel 1898, la colaboración con algunos artistas gráficos para decorar persianas de distintos establecimientos, así como la elaboración del mural de 40 metros que rodea el antiguo solar de la fábrica Metalarte (Sant Joan Despí), en el cual el artista urbano Pez rindió homenaje a la ciudad que lo vio formarse.

El País:La Corte Suprema de Brasil prohíbe la censura del cómic con un beso gay


El intento de censura de un cómic del alcalde de Río de Janeiro, Marcelo Crivella, ha terminado este domingo. El Supremo Tribunal Federal ha anulado la decisión que le dio poder a Crivella para mandar a los fiscales de la municipalidad a recorrer la Bienal del Libro detrás de un supuesto contenido impropio. “El régimen democrático presupone un ambiente de libre tránsito de ideas”, afirmó Días Toffoli, presidente de la Corte en su decisión. Toffoli atendió al pedido de la Fiscalía, hecho por la mañana del mismo domingo, de prohibir la acción de retirada de libros en la Bienal, solicitada por el alcalde el pasado viernes. Crivella, pastor evangélico licenciado, se había molestado con el dibujo de un beso gay de la historieta Vengadores: la Cruzada de los Niños.

El ministro de la Corte Suprema, Celso de Mello, ya había enviado un duro recado a Crivella, en una nota publicada por el diario Folha de São Paulo. “Bajo el signo del retroceso, cuya inspiración resulta de las tinieblas que dominan el poder del Estado, un nuevo y sombrío tiempo se anuncia, de la intolerancia, de la represión al pensamiento, de la prohibición ostensiva al pluralismo de ideas y del rechazo al principio democrático”, escribió Mello.
El beso gay en un cómic despertó en Crivella una actitud que quedó en evidencia internacional. El funcionario, sin embargo, comanda el ayuntamiento de una ciudad que acumula problemas más concretos. El alcalde evangélico optó por fomentar el espíritu conservador de los políticos que ganan espacio bajo la presidencia de Jair Bolsonaro.

El tío de Crivella, el obispo Edir Macedo, también fue noticia este final de semana al asistir al desfile del día 7 de septiembre, el de la Independencia del Brasil, al lado del presidente Bolsonaro. Días antes Macedo ungió al presidente en un ritual en su templo evangélico para reforzar la idea a sus fieles de que Bolsonaro había sido elegido por dios.

El intento de forzar una revolución moralista y religiosa explica acciones como la de Crivella, muchas veces con respaldo de sectores de la Justicia. El presidente del Tribunal del Río, Cláudio Tavares, avaló la petición de Crivella, por entender que "no hubo impedimento o intimidación a la libertad de expresión" en la petición de Crivella de incautar el material clasificado como “impropio”. Escenas que Brasil creía que ya no existían desde el fin de la dictadura en 1985.

La batalla que se formó entre el derecho a la preferencia sexual y el empuje conservador fue destacada en la carta de Celso de Mello. “Mentes retrógradas y cultoras del oscurantismo, y apologistas de una sociedad distópica, se erigen por ilegítima autoproclamación, a la condición de sumos sacerdotes de la ética y de los patrones morales y culturales que pretenden imponer, con apoyo de sus acólitos, a los ciudadanos de la república”.

Pese a la decisión de Toffoli y las palabras de Mello hayan dado un norte jurídico para nuevas tentativas de censura, la Corte Suprema no logró impedir que la Bienal fuera visitada dos veces por fiscales. El viernes, bajo protestas de los que estaban en el evento, y el sábado, cuando fiscales recorrieron los locales, sin que estuvieran uniformizados, revisando se había algún libro "impropio", según la ley que protege a la infancia. “No fue encontrada ninguna violación a las normas legales que regulan la comercialización de ese tipo de material para niños y adolescentes”, dijo el jefe de fiscales, Coronel Wolney Días, de la Secretaría de Orden Pública del ayuntamiento, en entrevista a Globo la noche de sábado.

La discreción de los fiscales fue una manera de esconderse de las protestas de quienes fueron hasta la Bienal contra la acción de Crivella. Muchos atendieron la invitación del youtuber Felipe Neto quien compró miles de ejemplares de libros con temática gay para repartirlos en la Bienal, en un gesto de rechazo a la censura del alcalde. “No habrá censura”, gritaron centenares de jóvenes en un momento de tensión en el Ríocentro.

La Bienal de Río termina este domingo, por eso la decisión de la Corte Suprema tuvo, más que nada, un peso simbólico. Toffoli destacó que el discurso y las actitudes de Crivella van en contra la Constitución brasileña y contra los principios de dignidad humana al vincular una escena de beso de amor gay, por ejemplo, a “contenido impropio”. Toffoli argumenta en su decisión el “reconocimiento del derecho a la preferencia sexual como directa emanación del principio de la 'dignidad de la persona humana': derecho a autoestima en el más elevado punto de la conciencia del individuo. Derecho a la búsqueda de la felicidad.” Rebate, aún, el uso del argumento del alcalde Crivella de que el gesto de recoger libros en la Bienal debía “cumplir la ley y defender la familia”. Toffoli recuerda que la Constitución brasileña no le presta al sustantivo “familia” ningún “significado ortodoxo”, sin diferenciar parejas heteros u homosexuales.

sábado, 7 de septiembre de 2019

La ‘movida de Mecano’, inmortalizada en un cómic


No cabe duda de que Mecano es uno de los grupos pop referentes de la década de 1980. Han pasado treinta años de la disolución de la banda, y canciones como Hoy no me puedo levantar continúan formando parte de la banda sonora no solo de aquellos que abrazaron el movimiento contracultural de la Movida Madrileña, sino también de los pertenecientes a generaciones posteriores.

Más allá de lo que puedan inspirar estas canciones, ha llegado el momento de descubrir los secretos que encierra la propia banda. Con la publicación de la novela gráfica En tu fiesta me colé, cada uno podrá “colarse” en la fiesta que duró más de 20 años y que ha marcado a todo un país. El primero en entrar a formar parte de esta celebración es el integrante Nacho Cano, que asistió al cumpleaños del fotógrafo Pablo Pérez-Mínguez en la casa de Enrique y Juan, las Costus, en 1981.

La autora de las ilustraciones que acompañan al texto, María Pereda, ha explicado a El Independiente que “este es un libro ilustrado con cuatro capítulos que tienen como título el nombre de las canciones del grupo”. De este modo, los lectores podrán navegar por la historia de la banda, teniendo en cuenta el “contexto social y musical de la época”.

Con apenas 18 años, el ya mencionado Nacho Cano se encontraba en el mejor momento de su vida. Este adolescente conoce a Coloma Fernández Armero, primer gran amor que inspiró dos de sus mejores éxitos: La fuerza del destino y El 7 de septiembre. Dejando de lado el ámbito personal, el joven estaba sumergido en una rutina de “discos, conciertos, giras interminables, fama, dinero y la irrealidad que otorga el éxito desmesurado”. Y es que no es oro todo lo que reluce.

A pesar de que la década de los 80 fue un momento en que “España supo pasarlo bien”, a través de las ilustraciones de este nuevo libro, se retrata el “sida que arrasó con una generación entera y supuso el final de una larga fiesta”. El fallo positivo, que es una de las canciones escogidas para titular un capítulo de la novela, hace precisamente referencia a los enfermos sobre el VIH. En este caso, Cano cuenta las vivencias de una persona cercana.

Como todo fenómeno musical, la influencia de Mecano se extendió a todos los ámbitos. Y uno de ellos es la moda. A medida que se va navegando por las ilustraciones de En tu fiesta me colé, el lector es testigo de “la evolución estética a lo largo de los años que vivió el propio grupo” cuenta María Pereda.

La autora fue la encargada de crear “retratos de ellos que acompañaran a la información que se cuenta en el texto”, para así presentar un producto que fusione lo visual con lo escrito. Si María ha sido la encargada de poner color a la historia de Mecano, Javier Abrador, autor del libro Mecano (Plaza y Janés), repite como biógrafo del grupo.

viernes, 6 de septiembre de 2019

La Diputación de Cáceres convoca el IV Premio Cómic/Manga/Arte Joven para incentivar la creación plástica


El Boletín Oficial de la Provincia de Cáceres ha publicado este viernes, 6 de septiembre de 2019, las bases de esta cuarta edición, a la que podrán presentarse jóvenes de 14 a 20 años para la categoría junior, y de 21 a 35, para la categoría senior. Los trabajos participantes en este certamen podrán presentarse hasta el próximo 15 de noviembre, según informa la Diputación de Cáceres en nota de prensa. PUBLICIDAD inRead invented by Teads Respecto a los premios, la Categoría Senior establece un Primer premio de 2.000 euros y diploma para el ganador, y un segundo premio de 1.000 euros y diploma, mientras que en el caso de la Categoría Junior también se establecen dos premios, el primero dotado con 1.000 euros y diploma, y el segundo, con 500 euros y diploma. Según establecen las bases, cada autor participante podrá presentar un máximo de dos trabajos, y el estilo, tratamiento o el género del cómic o manga serán libres; el argumento autoconclusivo, es decir, con un principio y un final, y escrito en castellano. Además, el concurso señala que no se aceptarán obras que promuevan el consumo de tabaco, alcohol u otras drogas, ni que atenten contra la dignidad de las personas y los derechos humanos. Los personajes deben ser originales, de creación propia e inédita, y los trabajos tendrán una extensión mínima de 8 páginas y máxima de 12. En la valoración, el jurado tendrá en cuenta conceptos como la presentación, el argumento y la calidad del dibujo. De entre las obras presentadas, el jurado podrá seleccionar hasta 20 para formar parte de una exposición si así lo considerara, y de esa selección serán elegidos los ganadores.

jueves, 5 de septiembre de 2019

RTVE:¿Y si... los atentados de las Torres Gemelas se hubieran evitado?


Si hay un acontecimiento histórico reciente que ha cambiado el mundo ese es, sin duda, los atentados del 11-S, de los que se van a cumplir 18 años. Además, al ser retransmitidos en directo por televisión, se han quedado grabados en nuestra memoria colectiva. Pero... ¿podrían haberse evitado? Esa pregunta es el punto de partida de El príncipe de las tinieblas. El hombre que arruinó los planes de Bin Laden (Ponent Mont) una apasionante distopía basada en la historia real de John Patrick O'Neill (1952-2001), un agente del FBI que advirtió durante años sobre un posible atentado de Bin Laden y que, ironías de la vida, murió en las Torres Gemelas.

Esta interesante historia comienza en enero de 2005, cuando John Kerry se convierte en el 44º presidente de los Estados Unidos, después de derrotar a George W. Bush hijo en las elecciones. Es entonces cuando su vicepresidente, Barak Obama, le cuenta que su victoria electoral solo ha sido posible gracias a que el agente del FBI, John Patrick O'Neill, y Robert Booker, de la CIA, impidieron los atentados que Al Qaeda y Bin Laden habían preparado. 

Como veis una historia muy diferente a la que conocemos pero basada en hechos reales perfectamente documentados, lo que hace que el argumento sea aún más apasionantte. Si a eso le añadimos un trepidante guion, de Fred Duval y Jean  Pierre Pécau, lleno de conspiraciones y acción, y propio de las mejores películas de espías; y el dibujo de uno de los grandes artistas del cómic europeo, Igor Kordey (Viuda Negra, Alien, Batman), nos hallamos ante una impecable superproducción del cómic. Destacar también la excelente edición de Ponent Mon que incluye los tres tomos franceses originales.

La historia

El cómic comienza en enero de 2006. John kerry es el nuevo presidente de los Estados Unidos. Y tras la destitución de Sadam Husein a manos de los iraquíes, el país oriental da la bienvenida a la democracia, acelerando la llegada de la primavera árabe. Aunque debilitados, Bin Laden y Al Qaeda siguen en activo y, a pesar de las advertencias sobre su peligrosidad, los EE.UU. hacen oídos sordos para no comprometer sus intereses petroleros.

Pero Bob Baer y John O’Neill, ahora director del FBI, están convencidos de que Bin Laden todavía representa un peligro real para los Estados Unidos. Y con la ayuda de otra agente del FBI, Carter, intentarán acabar con Bin Laden, aunque para ello deban enfrentarse a su propio país.

Un apasionante thriller de política-ficción, que logra crear una atmósfera muy creíble, gracias a usar esos personajes históricos y a mezclar acontecimientos reales con otros que, aunque sean ficticios, podrían haber sucedido. Destacar la atmósfera realista que consigue Kordey, un gran dibujante con más de 40 años de experiencia.

El príncipe de las tinieblas

Si os preguntáis a que viene el título del cómic, no se refiere a Bin Laden, sino al héroe de la historia, John Patrick O'Neill, que fue agente del FBI desde 1976 hasta 2001. Ese sobrenombre de " El príncipe de las tinieblas" se lo pusieron por su pasión por la ropa cara de color negro. Y es que nuestro espía era un auténtico James Bond acostumbrado al lujo, las mujeres hermosas y los buenos restaurantes. Además de que, para algunas de sus operaciones como espía tuvo que infringir la Ley.

Curiosamente, a partir del primer atentado conta el World Trade Center (las Torres Gemelas), en 1993, fue cuando empezó a especializarse en la lucha antiterrorista e incluso logró detener al responsable del mismo, Ramzi Yousef. A raíz de sus investigaciones descubrió las intenciones de Bin Laden  y Al Qaeda (a los que nadie daba iportancia)  de cometer atentados en Estados Unidos, y durante años intentó convencer a sus jefes del FBI del peligro que suponían. Pero nadie le hizo caso.

Harto de sus jefes, se fue del FBI en el verano de 2001 y el 23 de agosto de ese mismo año fue nombrado jefe de seguridad del Wolrd Trade Center. Por ironías del destino, se incorporó a su trabajo el 11 de septiembre de 2001, apenas unas horas antes de que los dos aviones se estrellasen contra las Torres Gemelas. La última vez que se lo vió, estaba ayundando a la evacuación de la Torre Sur, la primera en derrumbarse. Si le hubieran hecho caso, su muerte, y las de otras 4.000 personas, podría haberse evitado.

Como curiosidad os comentamos que en la polémica serie The Path to 9/11 (2006) John Patrick O'Neill fue interpretado por Harvey Keitel. Y en la adaptación para televisión de The Looming Tower, tuvo los rasgos del actor Jeff Daniels.

El otro protagonista del cómic también es un personaje real, Robert Booker Baer (1952-) que combatió el islamismo durante más de 20 años, participando en la Primera Guerra del Golfo. Tras fracasar en su intento de que la Administración Clinton le apoyara para derrocar a Sadam Hussein, dimitió de la Agencia y comenzó una fructifera carrera como asesor y escritor, trabajando en proyectos como el guion de la película Syriana (Stephen Gaghan,2005), protagonizada por George Clooney.

'El Día D', una interesante colección de historias alternativas

En su edición española, El Príncipe de las tinieblas recoge los tres tomos franceses que narran esta historia y que pertenecen a la serie El Día D, una interesante colección de historias alternativas ambientadas en los siglos XX y XXI, que parten de hechos históricos para imaginar qué podría haber pasado hubieran discurrido de diferente forma.

Por ejemplo, algunos de sus títulos parten de puntos tan interesantes como: ¿Y si los rusos hubiesen llegado a la Luna antes que los estadounidenses? ¿Y si el epicentro de la guerra fría se hubiese encontrado en París y no en Berlín? ¿Y si Alemania hubiese ganado la Primera Guerra Mundial? ¿Y si la imaginación hubiera llegado al poder en mayo del 1968? ¿Y si los anarquistas hubiesen derrocado al zar Nicolás II en 1917?

Los máximos responsables de este universo son los guionistas Fred Duval y Jean-Pierre Pécau, que son los responsables de casi todas las historias, aunque cuentan con la ayuda puntual de otros escritores (por ejemplo, la de Fred Blanchard en este arco de las Torres). Además, recurren a los mejores dibujantes franco-belgas.

Como véis las posibilidades son infinitas en este universo de historias alternativas que tiene un gran éxito en Francia y del que en España apenas han salido unos pocos números (Ponent Mon ha publicado La revolución rusa, ¡Tiembla, Roma! y La horda del oro;
y el mes que viene sale Las sombras de Constantinopla). Una fascinante colección de distopías históricas.


Enlace articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190902/si-atentados-torres-gemelas-se-hubieran-evitado/1977524.shtml