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jueves, 20 de julio de 2017

Un cómic recrea la epopeya de Pedro de Valdivia en la conquista


El Centro Extremeño de Estudios y Cooperación con Iberoamérica, Cexeci, presentó ayer en Villanueva de la Serena el cómic La Araucana. Alonso de Ercilla sobre Pedro de Valdivia, de la ilustradora cacereña María Ramos. Se trata del sexto volumen de la colección Extremeños en Iberoamérica-Historieta.

En el acto de presentación, celebrado precisamente en la tierra natal del conquistador Pedro de Valdivia, a pocos metros de su estatua, participaron el director académico del Cexeci, César Chaparro; el alcalde de Villanueva de la Serena, Miguel Ángel Gallardo, y la autora del cómic.

El Cexeci quiere dar a conocer con estas publicaciones la historia y la intrahistoria de muchos extremeños que llegaron a América. En este sentido Chaparro dijo que «nos fijamos en los aspectos conquistadores, pero la labor de los extremeños en América fue también una labor cultural y evangelizadora excelente y eso hay que ponerlo en valor».

Por su parte, el alcalde de Villanueva destacó la importancia de aprender, cinco siglos después, del encuentro entre dos mundos, ya que «es inagotable la fuente de saber y el conocimiento por lo acontecido».

Gallardo afirmó que este cómic «nos aporta una página dramática y sangrienta de la batalla en la que murió Pedro de Valdivia y nos ayuda a comprender parte de nuestra historia».

La autora del cómic señaló que le interesaba mostrar el choque y contraste cultural y para ello se inspiró en los tres primeros cantos de La Araucana dedicados a Pedro de Valdivia. Para evocar ese poemario ha querido «añadir un contraste a lo que Ercilla podía escribir» y ella como ilustradora da un poco de contenido utilizando un dibujo de línea negra a un solo color, «intentando que sea algo muy evocador».

María Ramos ha escogido pasajes del poema épico-caballeresco La Araucana, obra de 1569 de Alonso de Ercilla, en la que se describe el mundo araucano-mapuche, sus paisajes y pueblos, según los cánones y los valores del Renacimiento europeo, por lo que su visión del Nuevo Mundo chileno aparece bajo la óptica europeizadora; aun así, los pueblos araucanos son realzados por su valor, independencia, fidelidad a sus leyes y dignidad en la lucha provocada por los españoles. Ercilla ya muestra cierto aspecto humanista y de proximidad hacia el pueblo indígena.

La Araucana, Alonso de Ercilla sobre Pedro de Valdivia adapta con ritmo febril y poético las palabras de Alonso de Ercilla en imágenes de gran belleza y elegancia. Entre los pasajes que ilustra está la Batalla de Tucapel, acontecida en Chile en diciembre de 1553, entre las fuerzas españolas dirigidas por Pedro de Valdivia y los mapuches liderados por Lautaro. Culminó con la derrota de los españoles y la muerte de Valdivia.

María Ramos estudió Bellas Artes en Salamanca y se especializó en ilustración en Madrid. Su trabajo se centra principalmente en la realización de comics y libros para niños. Ha trabajado para MTM, Mamut Comics, Sally Books, Fosfatina Ediciones y Walk With Me, entre otros. Actualmente también es docente del curso de ilustración en el Instituto de Diseño de Madrid.

miércoles, 19 de julio de 2017

Las Torres de Bois-Mauri Integral


Los aficionados al vivimos un momento inmejorable en cuanto a novedades comiqueras se refiere. El catálogo de las editoriales crece sin parar mes tras mes, poco importa si hablamos de cómic americano, ya sea Marvel, DC o independiente, manga o europeo. Es en este último grupo en el que habría que hacer especial hincapié, una “etiqueta” que históricamente ha dado algo de miedo el acercarse a estos productos. Por temática, duración, precio o complejidad de argumentos, la razón no importaba mucho y pocos eran los que pasaban por caja para hacerse con sus compras mensuales facturadas en el viejo continente.
Estos “prejuicios” están desapareciendo poco a poco gracias al buen hacer de algunas editoriales que han perdido ese mencionado miedo a la hora de programar sus planes de novedades y echan mano de relatos nuevos o antiguos, sin importarle el número de tomos publicados o por publicar. Yermo, Norma, Panini o Planeta, todas, en mayor o menor medida, han decidido incluir referencias de BD en sus catálogos, algo que las enriquece sobremanera de cara a un potencial comprador. Es precisamente la última la que se ha lanzado con una serie clásica, un título que siempre ha estado ahí y que ahora es recuperado en forma de atractivos integrales.

Las Torres de Bois-Mauri Integral #1 de Hermann Huppen supone unos de los máximos exponentes del eurocómic y ahora podemos disfrutarla en la inmejorable edición que ha publicado recientemente Planeta Cómic. El historietista belga está considerado como uno de los autores más prestigiosos que ha dado la BD, vivió las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial directamente en sus carnes, hecho que le llevó a trabajar junto al guionista Greg en su estudio. Una historia real como la vida misma, llena de calamidades que no hace más que engrandecer su figura.

En este primer volumen vamos a poder encontrar los tres álbumes con los que se abren la serie, una historia que tiene lugar durante los siglos X y XI, un retrato bastante realista de lo que es la Edad Media, tanto que por momentos parece que estemos ante un libro de historia. Aunque el peso de la acción recae sobre Armand de Bois-Mauri no podemos obviar a otros personajes como Sir Aymar, un noble errante que intenta reclamar su hogar, o Germán, un escultor que es sometido a juicio de Dios, la campesina Babette que aparece en las primeras páginas… una trama coral que desarrolla un argumento que crece en intensidad e interés a cada página que pasamos.

Se nota que Hermann realiza un trabajo de investigación bastante concienzudo, su narración nos muestra aquellos días tal y como eran, con toda su crudeza y violencia: campesinos, villanos, señores feudales, supersticiones, oscuros movimientos de poder… Para todo aquel que no ha podido disfrutar aún de esta obra, entre los que me encuentro, por el motivo que sea, está de enhorabuena. El tiempo ha tratado de maravilla a Las Torres de Bois-Mauri y esta ocasión se antoja inmejorable para poder leer uno de los pilares fundamentales del comic europeo. Lo dicho, son publicaciones como esta las que certifican el buen momento que vive el cómic en nuestro país. Que dure mucho.

martes, 18 de julio de 2017

EL País:Un cómic que se lee sin mirar


Apoyas las dos manos sobre el papel. Las yemas de los dedos palpan una superficie en relieve. Tocan líneas rectas y otras curvas y se siente algo que parecen dibujos abstractos difíciles de identificar. En la parte superior de cada página, hay un pequeño comentario escrito en braille: Un viaje en barca, dice. El resto es ilustración, una sola viñeta que guarda figuras que buscar contar una historia, pero que no son del todo inteligibles al mirar. Solo con el tacto. El lector está sintiendo el primer cómic narrativo para personas invidentes o con baja visión, un experimento primigenio que hace el arte en viñetas a la accesible.

"En el proceso tuve que descartar uno a uno recursos propios del cómic. Los tenía casi todos vetados. Eran como las obras que hacían los autores de Oulipo. Trabajar con todas las restricciones posibles fue difícil, pero apasionante", cuenta el dibujante, guionista y colaborador de este periódico Francesc Capdevilla, conocido como Max (Barcelona, 1956), que se lanzó a esta frontera inhóspita sin paracaídas. Pese a la alegría final, el autor no esconde que hubo ocasiones en las que estuvo a punto de tirar la toalla: "Es un primer peldaño". Solo cuenta la simple historia de un viaje en barco en los canales de Venecia, "pero su forma demuestra que el cómic, como arte joven, está muy lejos de encontrar sus límites", ratifica. De hecho, esta primera prueba ni siquiera está a la venta, sino que es parte de la presentación del Instituto Ramon Llull en la Bienal de Venecia, en el marco del proyecto Catalonia in Venice 2017. Allí, en la ciudad italiana que sirve también de protagonista, estará presente hasta noviembre.

"El tebeo exige un esfuerzo de los ciegos. No se entiende de manera automática y necesita concentración, pero parece que este paso funciona", respira tranquilo Max, que tuvo que diseñar varias pruebas para que su trabajo llegara a buen puerto. Para hacer la experiencia más inteligible, por ejemplo, tuvieron que introducir en la primera página un glosario de términos que explican cada dibujo en relieve y cada onomatopeyas, elemento clásico del cómic que sí pudo usar, aunque con pictogramas, sin letras. Así, si aparece un recuadro con puntos significa luz; si hay líneas onduladas tocas el agua, y si las líneas son rectas es un muro. Pero también se representan figuras sin forma como sonido, los motores, olores o el eco.

El proceso no fue simple. Max y Mery Cuesta, comisaria de Catalonia in Venice 2017, enviaron durante meses las pruebas a lectores invidentes que probaban si las partes cuadraban. Expertos como Anna Morancho, gerente de la Fundación de discapacidad visual Cataluña, respondían con correcciones tras probarlo: "Al principio todas las muestras eran blancas. Las personas con poca visión no lo distinguíamos. Por eso se creó el contraste entre negro y blanco."

Había que crear casi desde cero una técnica sin probar. Describir, por ejemplo, un puente para una persona que nunca ha visto la forma de uno. "Para los videntes, lo que da vida al cómic es la sutileza de gestos y movimientos. Eso no lo captan. Yo trabajo mucho con personajes y sus respuestas y eso no lo pude explotar", recuerda Max, que, acostumbrado a contar historias y chistes en solo tres pequeñas viñetas, tuvo que reducir a una gran viñeta por folio su historia. Con la ayuda de las yemas de los dedos, los invidentes no captaban un tamaño menor. "Probé con personajes muy simples, pero los lectores no llegaban a la sutileza. Así que me desanimé, y me pasé a la abstración". Pese a las injerencias, el dibujante reconoce que resultó una experiencia provechosa que le obligó a "ejercitar la mecánica cerebral, emocional y a quitar tics habituales". Pero ¿es un trabajo de Max?: "La personalidad no se pierde y, aunque no se parezca en nada al resto, me dicen que se nota que es mío".

Para Morancho, escudriñarlo es como un puzzle: "Cada uno lee de una manera. Lo bueno es que no tiene muchos elementos que confundan. Algunos lo hacen con una mano, otros con dos; algunos desde el centro, y otros primero leen el braille y, con esas pistas, sabes lo que buscar. Pasas de lo grande a lo concreto. Poco a poco revelas el dibujo inteligible".

El resultado es un primer acercamiento todavía extraño, como aquel tren que llegaba a la estación en una de las primeras películas de los Lumière. Hoy el canal sustituye a las vías. "Estoy esperando la respuesta de los lectores sin visión para ver si es útil y aprovechable por ese público", apunta Max, consciente de que un proceso así no pueda llegar todavía al mercado: "La tecnología actual no da para imprimir a precio razonable en relieve. La esperanza son las impresoras 3D". Morancho lo tiene claro: "La cultura accesible, es inclusión social".

lunes, 17 de julio de 2017

‘Batman: The Dark Prince Charming’ es el próximo cómic de Enrico Marini


El pasado mes de junio os informábamos que Francia iba a tener su propia novela gráfica protagonizada por Batman con Enrico Marini al frente del proyecto como dibujante y guionista. Una de las incógnitas que nos dejaba la noticia, aparte de desconocer su título e historia, era que no había una confirmación por parte de Dargaud, la editora en Francia, y DC Cómics de que el cómic pudiese publicarse en más países. Ahora sabemos que ‘Batman: The Dark Prince Charming‘, título con el que se conocerá la obra, será traducida al inglés en un lanzamiento previsto para el 1 de noviembre.

Compuesta de dos volúmenes, podemos ir haciéndonos una idea de lo que encontraremos en el primer número, ya que también tenemos una sinopsis oficial:

¿Qué conexión secreta comparten Batman y el Joker con una misteriosa y extraña joven? Después de haber sido secuestrada por el Joker, Batman deberá sumergirse en el submundo de Gotham y embarcarse en una carrera contrarreloj para averiguar donde está siendo retenida. ¡Las apuestas son altas, y para Batman, es algo personal!

Parece que el nuevo enfrentamiento entre la clásica pareja va a tomar un cariz más cercano, viendo que esa misteriosa joven puede tener algún tipo de pasado compartido con el Caballero Oscuro. Lo que sí sabemos es que esta nueva aventura del superhéroe no será una historia más de las que estamos acostumbrados a ver en el género, y es que el autor de ‘Le Scorpion’, ‘Eagles of Rome’ y ‘Gipsy’ es reconocido por dejar en sus obras una gran impronta personal influenciada por el estilo de cómic europeo.

El segundo volumen tiene previsto su salida en primavera de 2018. 

domingo, 16 de julio de 2017

El País:La maqueta del ‘Unicornio’ de Tintín, subastada por 39.000 euros


La maqueta del Unicornio, el barco de un antepasado del capitán Haddock cuya reproducción ocultaba un pergamino que acabó llevando a Tintín hasta el tesoro de Rackham el Rojo, es real. El creador del intrépido periodista, Hergé, mandó construir en 1942 un modelo de la goleta para inspirarse en los dibujos de uno de sus álbumes más emblemáticos, El secreto del Unicornio (1943). La maqueta ha sido subastada este lunes en Bruselas por 39.000 euros, en una venta de más de 200 objetos de coleccionista vinculados al universo del reportero del tupé.

Se trata de la pieza estrella de la subasta anual dedicada al mundo del cómic en la Galerie Moderne de Bruselas, en la que durante más de tres horas se han vendido un total de 527 objetos con pujas en línea, por teléfono o en la sala, donde finalmente se ha adjudicado el reconocible buque de El secreto del Unicornio. Con un precio de salida de 12.000 euros, la maqueta era ya conocida por los expertos, aunque estuvo desaparecida durante décadas y ha visto la luz de manos de los nietos del veterinario de Hergé, que cuidaba de sus gatos siameses y a quien se la cedió en 1960. El modelo, de unos 55 centímetros, con tres mástiles, cincuenta cañones y velas de lino, había permanecido hasta entonces en el despacho de Georges Rémi, el verdadero nombre de Hergé (acrónimo formado por sus iniciales escritas al revés —R.G.— y pronunciadas en francés).


Al avanzar en las páginas del álbum, que fue publicado originalmente por series en el diario Le Soir entre 1942 y 1943, el meticuloso autor decidió encargar al maquetista Gérard Liger-Bélair una reproducción del misterioso buque del caballero de Hadoque, antepasado del capitán Haddock, ya que quería más precisión para las viñetas de la batalla naval en la que el barco aparecía con detalle. El encargo, sin embargo, llegó tarde, y ante la presión del editor del periódico, el dibujante no pudo finalmente utilizar la maqueta acabada para retocar las más de 90 viñetas protagonizadas por el buque, aunque sí los planos del maquetista, ha explicado el biógrafo de Hergé, Philippe Goddin, durante la subasta.

"Hergé fue modificando poco a poco los dibujos que iban apareciendo en el periódico. El Unicornio evoluciona y cada vez está más perfeccionado, hasta convertirse en el que hoy conocemos en el libro, con dos filas de cañones, en lugar de una, o más detalles en la decoración", añadió. Para el experto, el hecho de que la maqueta "solo fuera empleada por el autor como referencia en el último momento es una prueba de su autenticidad", lo que la convierte en una pieza de museo.

"Es un barco mítico, forma parte de nuestra infancia", expresó el comprador, un belga ajeno al coleccionismo que prefirió mantenerse en el anonimato; "simplemente un enamorado del mar, inseparable de Haddock y de Tintín". El nuevo dueño del Unicornio, que bromeó con "romper el mástil" para encontrar el tesoro escondido en el pergamino —como ocurre en el cómic—, se mostró dispuesto a prestar la pieza a museos y exposiciones y "orgulloso" de que este icono de Tintín, que ha recibido ofertas de Canadá o Estados Unidos, entre otros países, se quede en el país de su creador.

El secreto del Unicornio también estuvo presente en la subasta con la venta por 2.200 euros de uno de sus primeros ejemplares, dedicado por el autor con un dibujo de Tintín y Milú y fecha de 1952. La segunda pieza más cotizada después de la maqueta del barco fue uno de los cien ejemplares únicos de Las joyas de la Castafiore (vendido por 21.350 euros), que Hergé regaló solo a amigos y conocidos, todos dedicados, en 1963. Otras pujas señaladas fueron las del ejemplar de Vuelo 714 para Sidney (1968), vendido por 7.900 euros, o tarjetas de felicitación navideñas firmadas por Hergé, una de ellas por 2.200 euros.

Muchos de los objetos vendidos pertenecen a coleccionistas, pero también a familias que los han encontrado por casualidad en el desván y han decidido separarse de ellos, explicó el experto de la Galerie Moderne, Johnny Kindt. Entre ellos destacan también figurines, alfombras, papeles de regalo, miniaturas de coche, vitolas de puro y sellos subastados entre los 100 y los 800 euros, así como una serie de placas esmaltadas vendidas alrededor de los 1.000 euros. Tintín, Haddock, Tornasol y otros compañeros de las aventuras de Hergé estuvieron acompañados durante la subasta por otros héroes de la historieta belga como los Pitufos, de Peyo, o Spirou, de Rob-Vel.

sábado, 15 de julio de 2017

Jessica Jones, una superheroína que triunfa en el cómic y la televisión


Tras el éxito de la serie de televisión Jessica Jones, basada en el personaje  de Marvel y protagonizada por Krysten Ritter, y el inminente estreno de Los Defensores (que unirá a los personajes de las series televisivas), el personaje vuelve a protagonizar su propio cómic con el mismo espíritu del original: argumentos de serie negra en los que lo más importante son los personajes y las relaciones entre ellos, aunque siempre con superhéroes rondando por ahí. El primer tomo Jessica Jones: ¡Desatada!, acaba de ser publicado en España por Panini.

Y Jessica lo va a pasar bastante mal, como ya le sucedió en su primera colección. De hecho, al comienzo de la historia la joven se ha visto obligada a dejar Los Vengadores (en una situación deshonrosa) e incluso ha roto su matrimonio con Luke Cage, con el que tiene una niña pequeña. Su única salida ha sido reabrir Investigaciones Alias, su antigua agencia de detectives. Pero detrás de todas estas desgracias hay motivos ocultos.

Una excelente serie con la que uno de los personajes femeninos más interesantes del cómic de superhéroes recupera el protagonismo que merece.
Un personaje rompedor

En 2001 la editorial Marvel quiso lanzar una línea de cómics enfocados a un lector más adulto, que compitiese con la exitosa línea Vértigo de su principal competidora (DC) y la serie elegida para abrir fuego fue Alias, del guionista Brian Michael Bendis y el dibujante Michael Gaydos, con David Mack ocupándose de unas impactantes portadas pintadas, que dieron a la serie un aspecto diferente, más realista. Alias era un cómic de serie negra, ambientada en el Universo Marvel tradicional, sobre una superheroína retirada, Jessica Jones, que montaba una agencia de detectives (Alias) para ocuparse de casos que se salían de lo normal.

Desde el primer momento la serie recibió excelentes críticas y acabó convirtiéndose en la punta de lanza de esa nueva línea editorial, aunque el éxito hizo que Marvel reclamase a Bendis para ocuparse de sus series más famosas (como Los Vengadores o Secret Wars), gracias a las que acabó convirtiéndose en uno de los guionistas estrella de lla editorial. Por cierto que Bendis no renunció a Jessica Jones y se la llevó a Los Vengadores donde la casó con Luke Cage y los hizo padres de una niña.

Del cielo al infierno
La serie original de Alias partía de una premisa muy interesante. Tomando como ejemplo la carrera cinematográfica de la actriz Sean Young, que de un día para otro pasó de ser una estrella (Blade Runner) a ser completamente olvidada,  a Brian Michael Bendis se le ocurrió la idea de que eso mismo le pasara a una superheroína. Y pensó en Spider-Woman (Jessica Drew). pero al final no pudo usar el personaje y creó a otra joven, que también se llamaba Jessica pero que se apellidaba Jones, y que tiempo atrás había sido una superheroína conocida como Joya.

Jessica dejó la carrera de superheroína después de su encuentro con el Hombre Púrpura, un villano de segunda de Daredevil que en manos de Bendis se convirtió en un tipo terrorífico. El Hombre Púrpura tenía el poder de controlar a los demás, por lo que convirtió a Jessica en su esclava y amante, estableciendo una relación enfermiza con ella de la que Jessica nunca se recuperaría. Un argumento que también fue el tema de la primera temproada de la serie de televisión, en la que El Hombre Púrpura fue magistralmente interpretado por el estupendo actor británico David Tennat (Doctor Who).

Durante 28 números Jessica resolvería casos sórdidos, en su mayoría relacionados con superhéroes, al tiempo que nos desvelaba su pasado sombrío y volvía a enfrentarse con el Hombre Púrpura. Después, como comentábamos, la serie se canceló y Jessica se incorporó a los Vengadores donde se casaría con Luke Cage y tendrían a una niña. Pero esos 28 números fueron un  hito en la historia de Marvel. Por cierto que Panini los ha recopilado en cuatro tomos de Marvel Saga. Jessica Jones.

El futuro
Tras este interesante primer tomo que recupera el escenario, el ambiente, los grandes personajes y los estupendos diálogos que hicieron famosa a la serie, auguramos nuevos éxitos para Jessica Jones. Aunque también nos tememos que el personaje lo va a pasar francamente mal. Pero estamos convencidos de que el día que Jessica se recupere volverá a la grandeza, porque hay pocos personajes de Marvel tan interesantes como Jessica, que tiene una inquebrantable fuerza de Voluntad.

Y no olvidemos que, además de todos los problemas que se avecinan, Jessica tiene que cumplir con sus principales obligaciones: las de cualquier madre con una niña pequeña.  Una serie de esas que marcan época.

Coincidiendo con el lanzamiento de Jessica Jones y la inminente serie de Los Defensores, que comentábamos antes, Panini también recupera (en un grueso tomo de su colección Marvel Gold de más de 700 páginas), la mítica serie Power Man y Puño de Hierro, que en los 70 unió a dos de los personajes más singulares de la editorial.

Juntos formaron Héroes de alquiler, una agencia mediante la que se ofrecían a resolver problemas a cambio de dinero, aunque siempre por causas que les pareciesen justas (Cage ya había sido el primer superhéroe en alquilar su sus servicios).  La unión del primer superhéroe afroamericano en tener su propia colección y el experto en artes marciales surgido a raíz del boom de los 70 (Bruce Le, Kung-Fu), fue un éxito artístico, con grandes historias que hoy en día ya son clásicos. 

Destacar la larga etapa con guiones de Mary Jo Duffy, que indagó en los orígenes de los protagonistas, aparte de potenciar a los personajes secundarios, sobre todo a la detective afroamericana Misty Knight y a la experta en artes marciales Collen Wing, que se convirtieron en co-protagonistas de la serie. 

Lo curioso es que en el cómic el nombre de Los Defensores pertenecía a otro grupo formado, originalmente, por Estela Plateada, el Doctor Extraño, Namor y Hulk. Y no como en la serie de televisión en la que sus integrantes sean Luke Cage, Puño de Hierro, Jessica Jones y Daredevil.

Un gran cómic imprescindible para comprender de dónde sale el universo televisivo de Marvel.

viernes, 14 de julio de 2017

Benoit Peeters: "Las grandes ciudades corren el peligro de convertirse en museos para ricos"


Hay autores de cómics que recrean a la perfección el mundo en que vivimos, pero hay otros visionarios que consiguen crear una nueva realidad, como Benoit Peeters y François Shuiten, que llevan 35 años dando vida a un mundo paralelo al nuestro al que llaman Las ciudades oscuras (Norma Editorial), una de las sagas más premiadas del cómic europeo. Benoit (Bélgica, 1956) ha estado en Madrid, para dar una conferencia en el Instituto Francés, y hemos hablado con él sobre ese universo y sobre la última obra del dúo: Volver a París (Norma Editorial), un relato futurista donde esa ciudad se ha convertido en un museo para ricos.

“Las ciudades oscuras -nos cuenta Benoit- es un desplazamiento en el espacio, como si hubiese una falla que nos lanzase a un universo diferente. Mientras que Volver a París, escribe un ciclo nuevo, al que podíamos llamar Las ciudades futuras, ya que la acción transcurre en nuestro mundo, en París, pero en el año 2156. Por lo tanto, reconocemos la ciudad de París, aunque es poco probable que en un futuro sea como la imaginamos. Pero como nuestros lectores no estarán allí para comprobarlo, no hay problema”.

“La protagonista de la historia –asegura Benoit- es una joven heroína que ha vivido toda su vida en una colonia espacial muy lejana de la tierra. Pero está fascinada por la ciudad de París, por razones que se irán descubriendo poco a poco. Durante toda su vida recopila imágenes sobre ella y reconstruye en su mente una imagen de París que mezcla realidad, sueños, imágenes de Julio Verne… Y cuando por fin viaja a París se pregunta si lo que descubrirá se parecerá a lo que ha imaginado. Al principio sufrirá un shock, porque llegará a un páramo. Y tendrá que merecerse París, irla descubriendo poco a poco. Y adaptar su imaginación a la realidad”.

París convertido en un museo
En ese futuro utópico la ciudad de París se ha convertido en un museo gigantesco. Y es que, según Benoit, las grandes ciudades se están convirtiendo en eso: “No solo París, sino también Barcelona, Amsterdam y otras ciudades europeas están saturadas por los turistas, hasta el punto de que es dificil llevar una vida cotidiana normal. Por ejemplo, los pequeños puentes de Amsterdam, que no están preparados para el continuo flujo de turistas”.

“Llevando eso al límite -continúa- imaginamos que en varias ciudades europeas la economía se ha vuelto únicamente turística, y que los turistas cada vez exigen más: Quieren que haga buen tiempo, que la luz sea perfecta… que los parisinos vistan como uno se imagina que tienen que vestir, que el agua del Sena sea pura y te puedas bañar… y por tanto esas ciudades acaban convirtiéndose en sitios donde no se puede vivir y los residentes desaparecen”.

“Por eso –continúa- el centro de esas grandes ciudades turísticas y la periferia son tan diferentes: vivir en París es imposible para una familia con ingresos normales, y es en el extrarradio donde se forman los barrios de la gente con menos recursos. Eso pasa en todas las grandes capitales. La gente normal no puede vivir en el centro y tiene que residir muy lejos, con los consiguientes problemas de transporte, atascos…”.

“Por eso pienso que este cómic –añade- no es una historia de ciencia ficción sino de anticipación. Jugamos con el tiempo y el espacio para hablar de los problemas de hoy y a donde nos pueden llevar si no los solucionamos. Y es que ese París vitrificado del cómic, por muy bonito que parezca, es una crítica y una pesadilla que parte de la situación actual”.

La ciudad futura ideal
Peeters y Schuiten llevan desde 1982 construyendo ese mundo paralelo de Las ciudades oscuras, en una quincena de álbumes de cómic, objetos, discos e incluso falsos documentales. Tras ese largo estudio… ¿Cómo sería para el la ciudad ideal?

“Lo primero –asegura Benoit- sería deconstruir ese concepto de la ciudad ideal, que a menudo corresponde a una planificación. La Utiopia de Tomás Moro es una planificación. Creo que la ciudad ideal realista debería acoger la complejidad, la diversidad, la contradicción… y esa mezcla extraordinaria de pasado, presente y futuro que construye una ciudad. En la que convivan sus memorias estratificadas y la proyección futura”.

“Creo que lo fundamental –añade Benoit- es que nos replanteemos la escala ideal de las ciudades. Las actuales ciudades gigantescas son una locura. Habría que plantear microciudades relacionadas entre ellas. Y que tuvieran una mezcla de lo rural y lo urbano. Porque nos gustan esos dos polos. De vez en cuando necesitamos un poco de aire puro”.

“Cuando pienso en ciudades gigantescas –continúa- , como Pekín, Seoul, Sao Paulo, creo que esas ciudades se han convertido en gigantescas maquinarias contra sí mismas. Las razones que esa poblaciones tienen para estar juntas se ven anuladas por el grado de gigantismo de las urbes”.

“La ciudad ideal para mí, que no tengo responsabilidades políticas, sino solo ensoñaciones, tendría una escala que correspondería a la del cuerpo humano –comenta el autor-. Una ciudad media, con una parte peatonal importante, y que se pueda atravesar a pie o en bicicleta sin dificultad. Pero al mismo tiempo –asegura- la imagino en constante movimiento, con interacciones entre habitantes que desplacen los centros urbanísticos y los lugares tan compartimentados que tenemos ahora”.

Ciudades vivas
Las historias y los protagonistas de cada historia de Las Ciudades Oscuras son diferentes y pueden leerse en cualquier orden. Pero todos comparten la idea de ciudades inabarcables, casi como si estuvieran vivas y creciesen. Y en las que se mezclan presente, pasado y futuro; y todo tipo de estilos arquitectónicos.

“Nuestras historias son fábulas, metáforas –asegura Benoit- Cada una de nuestras ciudades lleva una idea hasta el límite… como las ciudades obsesionadas con el trabajo y el crecimiento continuo, las ciudades que reniegan de su memoria… Son ideas que dibujadas quedan muy bien, pero si se cumpliesen serían auténticas pesadillas”.

“La ventaja que tenemos frente a los arquitectos urbanistas es que nuestras ciudades son imaginarias, nadie tiene que vivir en ellas. Por eso podemos llevar al extremo los elementos positivos y los negativos, como pasaba en Metropolis, de Fritz Lang, o Brazil, de Terry Gillian. Son ejemplos perfectos que han contribuido mucho a la reflexión sobre las ciudades pero, precisamente, porque son contramodelos”.

Además, los libros de Peeters y Shuiten “Nos permiten viajar a bajo coste –asegura Benoit- y descubrir nuevos conceptos de ciudades, cuyas arquitecturas las hacen muy seductoras. Es una ambigüedad, porque al ver nuestros cómics pensamos que serían ciudades muy bonitas y agradables. Pero cuando leemos las historias, la cosa cambia”.

“Recuerdo una anécdota de un viaje a China –asegura el autor- cuando presentamos nuestros álbumes y, al salir, se nos acercó un hombre que nos dijo: “Esa arquitectura es formidable. Hay que construirla en China". Era un promotor inmobiliario que quería construir nuestros edificios. Y para nosotros era una idea horrorosa. Porque quería coger nuestras imágenes monumentales, desmesuradas, y construir esos edificios tan locos para que las personas viviesen dentro. Ese contrasentido nos hizo reflexionar mucho porque, que algo se pueda construir no significa que deba hacerse. Era un homenaje envenenado, en cierta manera”.

Un dibujante excepcional
Guionista y dibujante son amigos desde los 12 años y siempre soñaron con trabajar juntos. François Schuiten (Bruselas, 1956) pertenece a una de las familias de arquitectos más famosa de Bélgica y, aunque no estudió arquitectura, como su padre y sus hermanos, diseñó el Pavillion de l´Utopie para la Expo 2002 de Hannover y se ha encargado de la decoración de sendas estaciones de metro en París y en Bruselas.

“Schuiten –asegura Peeters- es un dibujante excepcional. Dedica una semana a cada página de Las ciudades oscuras y dos o tres años a cada álbum. Y le gusta experimentar en cada trabajo, por eso algunos álbumes son en color y otros en blanco y negro. Es una forma de experimentar y transformarse que impide que se canse del trabajo y conserve intacta su energía. También cambiamos de personajes, de ciudades y por lo tanto adapta su estilo en cada trabajo”.

“Los originales de Schuiten –comenta Peeters- Son espectaculares. Hay que destacar que todo lo hace él, frente a otros dibujantes que usan ayudantes, desde el dibujo al entintado, y que no trabaja con el ordenador, sino con herramientas tradicionales.

“Por ejemplo –continua- cuando añade el color, reinventa el dibujo. A veces no sabe cuáles van a ser los resultados finales por lo que experimenta. Además, se preocupa de todos los detalles, desde los bordes de las viñetas hasta el diseño final de los libros. Eso ralentiza muchísimo su ritmo de trabajo pero, afortunadamente, es algo que podemos permitirnos, porque nuestros álbumes funcionan muy bien. En cierta forma somos vestigios del pasado”.

Uno de los mayores expertos en Hergé
Además de guionista de cómics, Benoit Peetes ha escrito ensayo, biografía, historia ilustrada, fotonovela, cine, televisión y teatro radiofónico. Y es uno de los mayores expertos en la obra de Hergé (Tintin), sobre el que ha hablado en el Instituto Francés de Madrid.

“Es una cuestión generacional –asegura-. Cuando yo era un niño Hergé era el gigante del cómic y me fascinaba. Luego tuve la suerte de conocer a Hergé y entrevistarle. Y sin darme cuenta me convertí en un experto en su obra; y siguen pidiéndome libros (lleva escritos tres) y conferencias sobre él”.

“Lo que más me influyó de Hergé –confiesa Benoit- es que demostró que el cómic podía hablar de todo, desde la guerra hasta los sentimientos; además de conquistar la luna, viajar a países lejanos, mezclar la aventura y el humor (algo que hizo mejor que nadie). Además, hizo crecer el lenguaje del cómic en una época en la que no había especialistas, ni críticos. Y contribuyó a la idea del cómic como arte y como negocio, porque su éxito disparó el sector. Hergé es una inspiración para cualquier dibujante o aficionado al cómic”.

Benoit reconoce también su deuda con Julio Verne, al que ha homenajeado en su obra en varias ocasiones: “Verne es un hombre de grandes mitos, como De la tierra a la luna, La vuelta al mundo en ochenta días, 20.000 leguas de viaje submarino… Por eso, aunque no se lea tanto como antes, construyó arquetipos que permanecen en la memoria colectiva. En cierta forma novelaba el saber de su época. Otra cosa fascinante de Verne –asegura- es esa mezcla de texto y grabados de sus libros, que casi son inseparables, y que convierten a esas ediciones en auténticas joyas".
Sus proyectos

Sobre sus proyectos Peeters nos comenta que: “Schuiten está realizando un álbum por su lado, que será una variación personal de los personajes de Blake y Mortimer. Y yo trabajo con una joven artista, en un cómic de comedia en torno a los experimentos de mi juventud como cocinero a domicilio, para pagarme los estudios.

En cuanto a proyectos comunes con Schuiten, preparamos una exposición sobre Winsor McCay, el creador de Little Nemo, que se verá en Normandia durante todo el verano.

Y sobre el próximo álbum de Las ciudades oscuras: “Con tanto trabajo no podremos planteárnoslo hasta dentro de dos o tres años” –asegura Peeters-.

jueves, 13 de julio de 2017

Netflix anuncia serie de The Umbrella Academy


The Umbrella Academy es uno de los cómics más interesantes de los últimos 10 años. Escrito por Gerard Way (ex-vocalistas de My Chemical Romance) e ilustrado por Gabriel Ba, cuenta la historia de una disfuncional familia de superhéroes, quienes han sido entrenados para evitar una amenaza que acabará con el mundo en el futuro.

Ahora, esta historia llegará Netflix en forma de serie live-action; según lo dejó ver el propio Way en una publicación en su Instagram.

El proyecto contará con 10 episodios, siendo Steve Blackman el líder del proyecto, y Jeremy Slater el escritor del episodio piloto. Se espera que se mantenga fiel al material original, después de ver lo logrado con otras obras del ramo, como las series de Marvel.

Se estrenará en algún punto de 2018.

miércoles, 12 de julio de 2017

El País:La balada de Corto Maltés cumple 50 años


Charles de Gaulle, el presidente que refundó la República francesa tras la II Guerra Mundial, afirmó una vez que su único gran rival era Tintín. Preguntado sobre el asunto, François Mitterrand, el más maquiavélico, leído y poderoso de los presidentes franceses, se decantó por otro héroe de tebeo. "Yo tengo una debilidad por Corto Maltés. No es que me parezca al héroe de Hugo Pratt, pero no me aburriría en la piel de este aventurero lacónico, solitario, espíritu libre en el que confluyen numerosas culturas". Aquel marino que tuvo la capacidad para saltar de las viñetas a la sociedad cumple hoy 50 años: un 10 de julio de 1967 se publicó la primera entrega de La balada del mar salado en la revista Sergent Kirk, en la que Corto aparecía abandonado a la deriva en el Pacífico. Medio siglo después, el viaje continúa y el próximo septiembre se publicará una nueva historia de Corto, Equatoria, la segunda firmada por los españoles Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero.

El marino, con sus patillas, su aro en el lóbulo izquierdo y su eterno cigarrillo símbolo de unos tiempos en los que los héroes podían fumar, se ha convertido en un icono inconfundible (y un negocio tremendo, ya que sus volúmenes siguen vendiendo miles de ejemplares en todo el mundo). Existe un Corto Maltés que da nombre a bares y que se vende en forma de pósteres en casi todas las tiendas de cómics, un personaje que aparece hasta anunciando un perfume de Dior, una línea de relojes... Pero todo ese merchandising no ha logrado descafeinar al personaje original, heredero de los relatos de Jack London y Robert Louis Stevenson, el último gran héroe del mar, sobre el que Umberto Eco escribió: "Cuando quiero relajarme leo a Engels, cuando quiero algo serio leo a Corto Maltés".

En estos 50 años se ha convertido en un personaje muy importante de la cultura europea", explica Juan Díaz Canales, el autor madrileño que junto a Rubén Pellejero recibió el encargo de resucitar a Corto Maltés. Tras la muerte de Hugo Pratt (1927-1995) se produjo un largo silencio durante el que, a diferencia de otros héroes, nadie retomó las aventuras del marino errante. El nuevo tebeo, Bajo el sol de medianoche, creó unas enormes expectativas, pero su publicación en 2015 recibió el beneplácito de los viejos lectores y enganchó a una nueva generación de fans. La agencia que lleva los derechos de Pratt indica que más o menos se venden 100.000 copias cada año, pero en 2015 se vendieron 220.000 ejemplares del nuevo título y se triplicaron además las ventas de todo el catálogo de Pratt.

"Corto Maltés era hijo de Mayo del 68, de esa filosofía que rompió tantas barreras", prosigue Díaz Canales. "Su publicación significó un cambio de paradigma en los cómics, tanto por el contenido como también por el continente, con historias mucho más largas. No supuso una ruptura total, porque se inscribe en una vieja tradición de cómics de aventuras, pero sí marcó un antes y un después". Aunque la publicación arrancó en Italia, fue en Francia donde el personaje alcanzó su cénit, cuando comenzó a aparecer en historietas en la revista Pif.

Corto nunca ha dejado de protagonizar exposiciones —actualmente puede verse una en la estación de Austerlitz en París—, tesis doctorales, hasta novelas —como Querido Corto Maltés, de Susana Fortes—, pero sobre todo es un personaje que ha logrado ser fiel a sí mismo durante 14 aventuras, doce dibujadas y escritas por Pratt y dos por sus continuadores. Pratt se inspiró en parte en su propia vida, casi tan aventurera como la de personaje, pero también en los clásicos de la literatura de viajes.

Hijo de una gitana de Sevilla y de un marinero de Cornualles, Corto Maltés nació en Malta un 10 de julio de 1887. Su primera aventura, La balada del mar salado, transcurre en 1915, durante la I Guerra Mundial, aunque en un tebeo posterior Pratt le situó en 1904, en Manchuria, en la guerra ruso-japonesa donde se cruza con un joven escritor y aventurero, Jack London. Recorrerá todos los escenarios que marcaron el primer tercio del siglo XX, desde la batalla del Somme hasta la lucha por la independencia de Irlanda, el final del Imperio Otomano, Siberia, las selvas de Centroamérica o Buenos Aires. La mayoría de sus aventuras transcurren durante la I Guerra Mundial.

Sobre su final se sabe muy poco. Un personaje de Las Etiópicas, Cush, asegura en otro álbum de Pratt sobre su compañero: "Parece que desapareció durante la Guerra Civil española". Su creador siempre dijo que no había sitio para Corto en un mundo crecientemente tecnológico y en su última aventura incluso le envío a descubrir la Atlántida. "Corto Maltés se irá porque en un mundo en el que todo es electrónico no hay lugar para un tipo como él", afirmó Pratt en una entrevista.

Corto Maltés se grabó en la mano con una navaja una nueva línea de la vida porque la que tenía no le gustaba y, cuando alguien intenta leerle la buenaventura, responde: "No quiero conocer mi futuro porque entonces no me interesaría vivirlo". Es imposible imaginar al marinero entre teléfonos móviles y redes sociales, pero han pasado 50 años y sigue ahí, esperando una nueva aventura.

martes, 11 de julio de 2017

Un cómic para celebrar un aniversario 'Beatle'


Andan The Beatles de aniversarios sonados. Hace unas semanas vio la luz el nuevo disco remasterizado de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band con motivo de sus 50 años de existencia, y ahora su incursión cinematográfica más aplaudida también tendrá lo suyo. A tiempo para su 50 cumpleaños saldrá publicado un cómic sobre los personajes de Yellow Submarine, el filme de 1968.La comedia animada, estrenada en plena era de la psicodelia de los 60, dio vida a personajes de dibujos de Paul McCartney, John Lennon, George Harrison y Ringo Starr, con temas inéditos de los cuatro de Liverpool y cameo de los principales protagonistas. El título tuvo una buena acogida de público y crítica y ayudó a entender la animación de forma más seria.

Del homenaje a ese trabajo se encargará uno de los grandes aficionados de la cinta, Bill Morrison, el creador de los Bongo Comics y nuevo editor de la revista MAD. La serie de dibujos llegará al público bajo el sello de Titan Comics basada en la cinta del 68."Estamos encantados de publicar The Beatles: Yellow Submarine con motivo del 50 aniversario de esta fantástica película", indicó Chris Teather, director de Titan Comics. "No podemos esperar a que los fans de los Beatles puedan disfrutar de esta adaptación oficial".Es un acuerdo que ha contado con el visto bueno de Apple Corps, la entidad que controla los derechos de imagen del grupo británico, y que explotará aún más la nostalgia por la película con una colección de muñecos.Curiosamente, ninguno de los cuatro componentes de la banda recibieron con emoción la posibilidad de hacer la película, desanimados ante el resultado de Help! en 1965, dirigida por Richard Lester. De hecho, lo del cameo de la última escena lo hicieron por que así se estipulaba en el contrato con United Artists. Sin embargo, el experimento les salió bien.

lunes, 10 de julio de 2017

El Joker debe salvar a Gotham en el cómic ‘Batman: White Knight’


Tenemos entre manos un nuevo enfrentamiento entre la pareja más icónica de DC, pero las tornas han girado, ya que esta vez Batman no debe salvar a Gotham del Joker, sino que es este quien debe salvaguardar a la ciudad del murciélago. Pero antes pongámonos en situación. El Joker se ha curado de su locura y con él su compañera Harley Quinn, quienes querrán hacer algo por todo el daño que han causado a la ciudad. ¿Cuál es la mayor amenaza que vive en ese momento Gotham? Bruce Wayne y toda la élite que le rodea. Con esta premisa, DC Comics lanzará el 4 de octubre ‘Batman: White Knight’.

Escrito y dibujado por Sean Murphy, ‘Batman: White Knight’ se tratará de una miniserie del que aún no se sabe de cuantos números constará. Por su parte, Murphy ha realizado una entrevista para el medio Wired, donde ha aprovechado para comentar sus impresiones sobre el proyecto y qué podemos esperar de él:

Ver Gotham por primera vez con una mirada más limpia, su psicosis curada, él empieza a entender el absurdo de tener a un vigilante y cómo las acciones de Batman solo contribuyen a un ciclo interminable de crimen. Mi principal objetivo fue deshacer los tópicos recurrentes de los cómics  transformando Gotham de una ciudad de cómic a una ciudad de verdad, una ciudad que se ocupa de movimientos como “Black Lives Matter” o las desigualdades salariales, pero en vez de escribir un cómic sobre esas desigualdades, he dado esas ideas al Joker, quien lidera una especie de lucha mediática contra la élite de Gotham ganándose a la gente con sus potentes observaciones y retórica

Si bien es un aire fresco al mundo del cómic, dándole una trama de implicaciones actuales, está por ver si se tratará de una obra más aleccionadora y de discurso o veremos algún tipo de acción, ya que Murphy ha retratado a un Joker muy distinto al que estamos acostumbrados a ver:

Sabemos que el Joker es un genio, sabemos que es implacable, y sabemos que puede jugar con la gente, así que, ¿por qué no le convertimos en político? Frank Miller lo modeló tras conocer a David Bowie, Chris Nolan lo mostró como un sociópata controlable. Yo veo al Joker con Don Draper

No sabemos si finalmente veremos al Joker convertirse en un buen ciudadano o si volverá a su redil de locura, pero lo que sí sabemos es que Murphy tiene entre manos un proyecto en el que tocará temas muy delicados y de actualidad.

domingo, 9 de julio de 2017

Marika: "El lenguaje del cómic es machista, pero se han empezado a romper estereotipos"


Hacia 1973 aún dibujaba historias románticas. El franquismo tenía a la mujer por una menor de edad. Sólo cuatro años más tarde, en los balbuceos de la democracia española, hacía ya viñetas con bocadillos concluyentes: "...Y cada día una mujer es violada por un extraño...". María del Carmen Vila (Barcelona, 1949), más conocida por su nombre artístico, Marika, debatió ayer junto al dibujante argentino Iñaki Echeverría sobre la violencia de género en el cómic. "El lenguaje del cómic es machista, pero en los últimos quince años se han empezado a abrir grietas y a romper estereotipos", aseguró antes la ilustradora catalana.

Algunos de sus trabajos -de Marika y de Echeverría- se incluyen en la exposición "Visualizando el maltrato", una de las apuestas de la trigésima edición de la "Semana negra". Hay obras también de Una, Susanna Martín y Gabriela Cabezón. Esta última es la guionista de "Beya", la relevante historia publicada en 2013 e ilustrada por Echeverría. "Mi gran miedo era cómo hacer algo bello con una tragedia, tratar la desnudez del horror". Captar el clima de un maltrato.

"Poco a poco, el cómic ha ido aceptando a la mujer, lo que antes no ocurría; es un cambio que ha costado mucho", indicó Marika. Recordó esa lenta y paulatina evolución de un arte que es "androcéntrico" y ha venido siendo cuestión de varones, según el especialista avilesino Norman Fernández.

Marika fue una de las mujeres que, desde los pioneros dibujos feministas de la también barcelonesa Núria Pompeia, más conscientemente ha trabajado en la búsqueda de lenguajes coherentes con la problemática de género. Sigue en esa pelea. "Empiezo haciendo historias románticas, pero no estaba de acuerdo con el mensaje; era un mundo absolutamente masculino", subrayó.



sábado, 8 de julio de 2017

'Danger Girl', las ángeles de Charlie del cómic


Una mezcla entre los ángeles de Charlie, James Bond e Indiana Jones. Esa podría ser la definición perfecta para Danger Girl, la obra más conocida del dibujante J.Scott Campbell (con la ayuda en los guiones de Andy Hartnell). Un cómic trepidante que cuenta las aventuras de un grupo de agentes secretas femeninas (Danger Girl), y en el que lo más importante es la diversión. Planeta Comic reedita la miniserie original (luego le seguirían varias más) en una edición integral llena de extras.

Una auténtica película de acción dibujada protagonizada por chicas y chicos sexys, que salvan el mundo de villanos de opereta, en escenarios exóticos, y con un ritmo propio de una superproducción de acción. Un cómic con unos dibujos y un color absolutamente irresistibles. 

Destacar la edición de Planeta que incluye la miniserie original (de siete números), con el color y los efectos digitales remasterizados, y 100 páginas de extras, como bocetos inéditos explicados detalladamente, una introducción del actor Bruce Campbell (Posesión infernal) e incluso una secuencia de animación en folioscopio en la esquina de las páginas finales.

Los protagonistas
La protagonista de la historia es Abbey Chase, una especialista en civilizaciones antiguas y cazadora de tesoros exóticos (al estilo de Indiana Jones) con facilidad para los idiomas y que también es una tiradora de elite. La trama comienza cuando se une a la organización Danger Girl, liderada por Deuce, un antiguo espía británico del MI-6 (como James Bond), cuyo aspecto físico está inspirado en un madurito Sean Connery.

Las otras componentes de este grupo de ángeles de Charlie son Sydney Savage, una agente de operaciones especiales experta en el manejo del látigo y sin miedo al peligro, Natalia Kassle, Una antigua agente rusa de inteligencia experta en el combate cuerpo a cuerpo y muy diestra con los cuchillos, y la adolescente Silicon Valerie, una genio de los ordenadores y las comunicaciones, nacida en Oxford, que se encarga de dar apoyo logístico a las demás.

Otros de los buenos son Johnny "Barracuda", un agente de la CIA que colabora con las chicas en algunas misiones y que  tiene una relación de amor odio con Sydney Savage; y el  Agente Secreto Zero, un espía y maestro del disfraz que es todo un misterio.

Las Danger Girl se enfrentan a El Cuarto Reich, una organización nazi encabezadapor Hammer (un anciano nazi confinado en un pulmón de acero) y a su ejército, liderado por el Mayor Maxim, un poderoso soldado nacido de un experimento, que tiene un aspecto parecido a Darth Vader con su atuendo de cuero negro rematado por una máscara de gas que le da un toque terrorífico. Y que encabeza un grupo de exóticos asesinos.

Lo curioso es que la primera agrupación de las Danger Girls iba a estar formada por seis chicas, pero lo desecharon porque  "era demasiado Spice Girls".

Un éxito instantáneo

En la introducción al cómic, J. Scott Campbell reconoce la importancia que han tenido en su vida (y su trabajo) las películas que vió en su juventud, como La Guerra de las Galaxias, En busca del arca perdida o la saga  de James Bond. Por eso, cuando terminó su primera serie larga, Gen13 (que fue un éxito), se juntó con su amigo Andy Hartnell y decidieron rendir homenaje a esas películas que tanto les gustaban.

De hecho el cómic comienza con una escena de introducción, a la que siguen los títulos de crédito, como las películas de James Bond.

Así que volcaron toda su pasión en este cómic, publicado en 1998, que reunía todos esos elementos que les gustaban y que fue un éxito instantáneo desde el primer número. La prueba es que en el año 2000 protagonizaron su propio videojuego.

Desde entonces las Danger Girls han protagonizado muchas otras miniseries, siempre con los mismos elementos: acción y diversión. Y es que Danger Girl es un cómic trepidante, refresctante y divertido. Ideal para disfrutar en verano.

viernes, 7 de julio de 2017

Cinco años sin Moebius, cumbre del comic europeo


Espíritu curioso

Nacido en un suburbio parisino en 1938, se aficionó al tebeo desde pequeño y estudió en la Escuela Nacional de Artes Aplicadas de la capital francesa, donde conocería y entablaría amistad entre otros, con Jean-Claude Mézières, otro gigante de la historieta francesa, autor de la saga de Valérian: agente espacio temporal.

Curioso, versátil, ecléctico y, sobre todo, dispuesto a la experimentación constante, Giraud consiguió algo que sólo está al alcance de muy pocos ilustradores: triunfar con dos estilos de dibujo muy diferentes, firmando como Gir y, alternativamente, como Moebius.

Su apertura al mundo y a todo tipo de influencias creativas estuvo muy marcada por una adolescencia agitada que incluyó la residencia en México a donde se fue con 16 años después de que su madre se casara con un mexicano; según sus propios recuerdos, allí descubrió entre otras cosas la pintura, el jazz y la marihuana, además de vivir su primera experiencia sexual.

No es extraño, pues, que muchas de sus obras se desarrollen gráficamente sobre fondos desérticos y rocosos que, de una manera más o menos consciente, remiten una y otra vez a aquellos años decisivos para su formación.
Blueberry


Publicó sus primeros dibujos con 18 años en el sector publicitario y su primera historieta, en la revista Coeurs Vaillants (Corazones Valientes), pero el elemento decisivo para impulsarle en el comic fue su discipulado en 1961 con el historietista belga Joseph Gillain, más conocido por su seudónimo de Jijé.

El teniente Mike Steve Donovan, alias Blueberry (Arándano), es un sudista que por azares del destino termina enrolándose como corneta en las filas nordistas durante la Guerra de Secesión y luego vive innumerables aventuras entre apaches, pistoleros y demás iconos del comic del Lejano Oeste.

Esta serie tuvo un éxito de crítica y público casi inmediato, debido tanto al sólido guión de Jean Michel Charlier -otro de los gigantes del comic europeo, creador también de Tanguy y Laverdure, Barbarroja y Buck Danny, entre muchos otros personajes- como al eficaz dibujo de Gir.

Blueberry disparó su fama y le permitió ingresos económicos suficientes para consolidarse en el sector y, de hecho, habría bastado para inmortalizar a este dibujante, pero una serie de diferencias con la posterior evolución de la dirección de Pilote le impulsó a probar en nuevos territorios igual de exitosos.


Moebius y los Humanoides Asociados

Así, a finales de 1974 y convertido en un gran aficionado a la ciencia ficción, funda el grupo de Humanoides Asociados junto a Phillippe Druillet, Jean-Pierre Dionnet y Bernard Farkas, y empieza a firmar con el seudónimo de Moebius, en homenaje al matemático y astrónomo alemán August Ferdinand Möbius, que falleció en la segunda mitad del siglo XIX y alcanzó cierto reconocimiento gracias a la llamada banda de Möbius: un anillo con forma de infinito.

Según explicaría más tarde Giraud, este seudónimo no nació del deseo de ocultar la autoría de sus nuevos trabajos, más enfocados hacia los argumentos de CF, sino de definir otro tipo de experiencias creativas, fiel a su espíritu de experimentación.

Los Humanoides Asociados publicaron otra revista de inolvidable recuerdo, Métal Hurlant (Metal aullante), que tuvo ediciones no sólo en Francia sino en otros países incluyendo a España y donde terminaron colaborando muchos grandes nombres del comic europeo y norteamericano contemporáneo, con publicaciones como DEN de Richard Corben, Lone Sloane de Druillet o Alef-Thau de Alejandro Jodorowsky y Arnaud Dombre, más conocido como Arno.

El nombre del personaje principal, Arzach, varió a lo largo de sus sucesivas y oníricas aventuras en las que viajaba a bordo de un gigantesco y característico pájaro, pasando a llamarse Harzak, Harzack, Arzak y Harzakc.
Cornelius y Difool


Siempre interesado en nuevo campos, Giraud llegó al misticismo esotérico a través de los libros de Carlos Castaneda y las conversaciones con Jodorowsky, principales influencias de otra de sus obras más conocidas: El garaje hermético.

El protagonista aquí es Jerry Cornelius, que se enfrenta a sucesivos desafíos en un asteroide donde coexisten varios mundos superpuestos con un dibujo cada vez más puro y un argumento aún más desconcertante, por lo deshilvanado, que en el caso de Arzach.

Difool es un detective no especialmente brillante que, a través de sus casos, profundiza en el camino de la iluminación metafísica, ayudado por su pájaro parlante y más inteligente que él.

En los años 80, Gir/Moebius se consolida como una de las grandes estrellas de la historieta a nivel mundial, como demuestra su avasallador desembarco en Estados Unidos a través de Marvel Comics que, no sólo publica toda su obra sino que el propio Stan Lee escribe una aventura de Estela Plateada para él: Silver Surfer. Parábola.
Cine y obra final


Su prestigio internacional termina llevándole al cine, donde participa en el diseño de numerosas películas de género fantástico desde Alien hasta Willow, pasando por El imperio contraataca o El quinto elemento.

Era una forma de devolver al Séptimo Arte toda la formación que él reconocía haber recibido del mismo pues, como solía comentar, llegó a ver de ocho a diez películas por semana.

Sus últimas entrevistas son reveladoras de la preocupante decadencia o, directamente, la defunción del tebeo como publicación regular en países como Italia, el Reino Unido o la propia España.

Así, en el caso español, decía que “me parece sorprendente la casi desaparición de la historieta” en un país “con grandes creadores pero que no están respaldados por la industria editorial”, de manera que “los mejores dibujantes españoles publican ahora en Francia”.

Su última obra, que terminó de editarse póstumamente, fue Inside Moebius: ocho volúmenes de los que seis ya habían visto la luz cuando falleció, en los que ajustaba cuentas consigo mismo y con su obra, disfrutando de su peculiar ironía y sentido de la parodia. 

jueves, 6 de julio de 2017

Dragon Ball Super - La Serie Roja podría continuar con Planeta Cómic


Planeta Cómic ha estado lanzando a lo largo de este año una edición muy especial para los amantes de Goku y compañía: Dragon Ball Super Serie Roja. Tal y como comentó la empresa hace meses, esta tirada estaría compuesta únicamente por 5 números, los cuales abarcarían los sucesos correspondientes al contenido del tomo 1 japonés. Sin embargo, parece que algo ha cambiado...

La maniobra de Planeta Cómic pensando en su público más nostálgico ha surtido un efecto mayor del que cabría esperar. Lejos de ser una publicación del montón, Dragon Ball Super Serie Roja ha sido un rotundo éxito en ventas. Sin ir más lejos, el número 1 se agotó a los pocos días y ahora ha pasado lo mismo con el segundo ejemplar, el cual se encuentra en reposición. Incluso el número 5 que salió ayer ya es lo más vendido de Amazon España en la sección de cómics y manga. ¿Y qué sacamos en claro de todo esto?

En efecto, Planeta Cómic ha pasado de plantear la Serie Roja como un lanzamiento limitado a 5 números a pensar seriamente en la publicación de más volúmenes. A día de hoy, esta apuesta se encuentra en estudio y no será hasta 2018 cuando podremos encontrar (o no) el número 6 de la serie, el cual se antoja a día de hoy como un sueño para los seguidores del formato.

Os recordamos que el próximo mes de octubre, Planeta Cómic lanzará el tomo 1 de Dragon Ball Super, que recopilará estos 5 números de la Serie Roja. Y a ti, ¿te gustaría que continuaran con este formato de cómic-book? No en vano, es una edición exclusiva en el mundo, ni siquiera Japón ha comercializado la obra de Toyotaro y Akira Toriyama en este tamaño y calidad. ¡Kai, Kai! 

miércoles, 5 de julio de 2017

Más de cien ejemplares muestran en Xàtiva la relación entre el cómic y la prehistoria


Xàtiva es la primera parada del circuito itinerante de la muestra Prehistòria i Còmic, una exposición producida por el Museu de Prehistòria de la Diputación de Valencia, que representa un proyecto pionero sobre la prehistoria y la también llamada novela gráfica. La muestra, que se podrá visitar hasta el próximo 29 de octubre en el Espai Cultural del antiguo convento de Sant Domènec de la capital de la Costera, ha sido inaugurada por el diputado de Cultura, Xavier Rius; el alcalde de Xàtiva, Roger Cerdà; el concejal de Cultura, Jordi Estellés; y Santiago Grau, técnico del Museu de Prehistòria.

Rius destacó ayer que esta exposición «intergeneracional está pensada en clave muy didáctica», con el claro propósito «de estimular a los más pequeños con la fantasía de los mundos imaginarios de la prehistoria», además de contar «con numerosos elementos de interés para los visitantes más mayores», ha indicado.

Prehistòria i Còmic ofrece una mirada a ambos mundos de la mano de los grandes iconos universales presentes en el imaginario colectivo. Recoge una gran diversidad de cómics, más de un centenar de ejemplares, que abarcan desde principios del siglo XX hasta la actualidad. El recorrido comienza con una reflexión científica sobre la representación gráfica de la prehistoria. En ella tienen cabida los diferentes personajes que aparecen en los cómics, desde la visión infantil y caricaturesca hasta la más realista, pasando por los héroes selváticos y los primitivos monstruosos. A través de estos se descubre un mundo fantástico poblado por protagonistas inolvidables del tebeo español, como Purk el Hombre de piedra, el Pequeño Pantera Negra, Altamiro de la cueva o Hug el troglodita, que comparten escenario con iconos del cómic americano, como Alley Oop, Tor, Los Picapiedra o Turok, entre otros.

martes, 4 de julio de 2017

Himawari de Belén Ortega reeditado por Planeta Cómic



La autora Belén Ortega ha anunciado a través de sus redes sociales que su obra Himawari será reeditada por Planeta Cómic. Además, esta nueva edición contará con un formato de mayor tamaño, nueva portada e incluirá contenido extra. Aunque por el momento no hay una fecha concreta, está previsto que salga a lo largo de 2017.

Himawari es un manga realizado por Belén Ortega y que originalmente fue lanzado por EDT dentro de su línea Gaijin. Salió a la venta en 2011, siendo además uno de los primeras obras de la colección en publicarse en sentido oriental.

Este anuncio es la confirmación del éxito de la autora originaria de Granada. En el XXII Salón del Manga de Barcelona no solo fue encargada de realizar el cartel del evento, sino que además contó con una exposición de algunos de sus trabajos. Además, próximamente va a ilustrar las portadas de la nueva edición de La Espada del Inmortal que reeditará Planeta Cómic.

Período Bakumatsu. Himawari, una niña de cuatro años y su hermano mayor Shunya, de ocho, observan aterrorizados cómo asesinan a sus padres ante sus ojos. Despavoridos, huyen a las montañas para salvar su vida, observando impotentes la gran nube de humo que levantan las llamas que destruyen su casa.

El comienzo de nuestra historia se sitúa doce años después, en el año 1859, cuando los dos hermanos emprenden una minuciosa y sangrienta búsqueda de los responsables de la matanza de sus progenitores. Sus pesquisas les llevan hasta una de las prefecturas en las cercanías de Edo, donde uno de los posibles asesinos sus padres es el jefe del clan que domina esa zona.

lunes, 3 de julio de 2017

El País:Así eran los pioneros del comic gay underground: Nazario y Tom de Finlandia



Junto a un paquete de Ducados, una ilustración en blanco y negro muestra a tres fornidos machos mostrándose y comparando con orgullo sus ciclópeas pollas, mientras en el bocadillo de texto que asoma por el lado derecho de la viñeta se lee: "¿Ves la polla del tío del centro? Pues igual, pero más gorda, con unas venas como dedos, y hasta la rodilla. ¡Un verdadero monstruo, nena!". Se lo dice Anarcoma, detective trans, perfecta fusión de Humphrey Bogart y Lauren Bacall, a la Caty, un homosexual entrado en años ­—una carroza en toda regla— que trabaja en los urinarios públicos de plaza Cataluña. Anarcoma acaba de tener un volcánico encontronazo con XM2, el robot calvo y velludo que han creado un par de científicos locos, los hermanos Herr, para calmarse los ardores. Es la página 40 de Anarcoma. Obra gráfica completa (Ediciones La Cúpula) de Nazario y, en ella, el autor sevillano, uno de los primeros motores de nuestro underground, rinde explícito tributo al artista que proporcionó un inédito imaginario de cuerpos hiperbólicos y pollas enhiestas a la cultura homosexual del siglo XX: Tom de Finlandia.

"Lo primero que vi de Tom de Finlandia fueron algunas de las historietas protagonizadas por su personaje Kake, que me pasó fotocopiadas un amigo que tenía un sex shop", recuerda Nazario, "ahora tengo tres o cuatro álbumes que me enviaron de San Francisco en los que prácticamente está su obra completa. Soy un gran admirador de su trabajo, tanto por el estilo de dibujo claro como por los tíos standard y arquetípicos que inmortalizó. Tiene bastante influencia en mi obra, aunque yo juego a la ironía y al distanciamiento con pollas mucho más grandes que las que dibujaba él. Las suyas eran grandes, pero dentro de unos límites y de un canon. A mí me gusta hacer un poco de humor y pintar pollas desmesuradas, pero a la gente también le gustan estas pollas que te puedes poner por los hombros como si fueran una boa". Con la publicación de la integral de Anarcoma, Nazario culmina una temporada especialmente fértil que tuvo su gran arranque con la publicación de La vida cotidiana del dibujante underground (Anagrama), primera entrega de sus memorias, y también trajo el suculento —e inesperado— regalo de Nuevas aventuras de Anarcoma y el robot XM2 (Laertes), reconversión en novela de lo que habría sido su tercera aventura en viñetas, un auténtico folletín delirante con psicópata arrancapollas y un gran clímax en el mismísimo Palmar de Troya. También es buen momento para la reivindicación del legado del finlandés Touko Valio Laaksonen, Tom de Finlandia para la posteridad: el próximo 7 de julio llega a los cines el respetuoso y sólido biopic que le ha dedicado Dome Karukoski, mientras en las librerías aguarda, desafiante, la edición, a precio asequible, de Tom of Finland XXL (Taschen), el lujoso libro, de 666 páginas, en el que la obra de este pornoesteta que tuvo que crear sus propias redes de difusión en la clandestinidad luce mejor que nunca y es glosada por los textos de, entre otros, John Waters, Camille Paglia y el historiador de arte Edward Lucie-Smith.

En su día existió el proyecto de instalar un museo Tom de Finlandia en Barcelona y Nazario estaba ahí: "Asistí a una reunión con los herederos y gente del Ayuntamiento, pero, al final, no se decidieron y la cosa no llegó a nada". Tanto Tom de Finlandia como Nazario vivieron los sinsabores de desarrollar su obra bajo un clima político y cultural especialmente hostil a los universos que querían visibilizar: cuando los códigos de censura norteamericanos empezaron a relajarse y el ilustrador finlandés pudo, por fin, abandonar esa doble vida que le llevaba a relegar su obra más explícita a los discretos encargos privados, Nazario lanzaba La piraña divina, la única publicación realmente underground del mercado español, convirtiéndose en objetivo prioritario en la agenda represiva del gobierno de Arias Navarro. Tantos años después, parece evidente que los surtidos maricones de Nazario y los musculosos cachos de carne de Tom de Finlandia eran capaces de trascender la cicatería de los tiempos y expandir su benigna influencia más allá del gueto.

Hombres fieramente armados

Aunque ponerse cachondo con un uniforme de las SS no sea el más presentable de los fetichismos, Tom de Finlandia nunca tuvo reparo en afirmar que, más allá de ideologías, los militares alemanes destinados en Finlandia durante la Segunda Guerra Mundial, cuando él servía en las filas del ejército finés, fueron toda una visión iniciática. Incapaz de dibujar nada que no le excitara sexualmente, este ilustrador publicitario que se convertiría en el máximo referente de la ilustración pornográfica gay construyó un detallista universo de hombres uniformados, de musculatura exagerada a partir de moldes clásicos y miembros prestos a horadar todo orificio masculino que se les pusiera por delante.

Para Camille Paglia, Tom de Finlandia marca el decisivo punto de ruptura en un imaginario homosexual hasta entonces presidido por esa estética de la androginia que artículo Oscar Wilde. El universo del finlandés es una Arcadia de hombres rabiosamente masculinos, sin atisbo de pluma, que se divierten juntos, sin culpa, sin que las relaciones de dominio que practican en pleno fervor venéreo excluyan el afecto, ni, sobre todo, el sentido de juego permanente. Motoristas bajo el influjo del Marlon Brando de El salvaje (1953), leñadores, militares, policías, carceleros, obreros de la construcción y marineros, todos ellos dibujados con una precisión de vocación fotográfica, se combinaban y recombinaban en orgiástico deleite proporcionando a una comunidad por lo general armarizada una vía de acceso a una suerte de Disneylandia sodomita y carnal, donde todo era más grande, más rotundo y más perfecto. "Sus traviesos depredadores y sus transitorios juguetes son alegres y exuberantes como si disfrutaran en una zona privilegiada que estaba maravillosamente libre del censor superego de los padres o Dios", escribe Camille Paglia en Tom of Finland XXL. Que su biopic opte por ser un producto mainstream quizá frustre al fan integrista de su obra, pero, en realidad, supone todo un triunfo: su vida ya es ejemplar… y, quizá, para todos los públicos.

Flor de arrabal

Lo que contaba Nazario en La vida cotidiana de un dibujante underground tendría serias dificultades para ser adaptado a una película mainstream, pero del impúdico artista sevillano aún queda bastante por contar. Ya tiene entregado, aunque aún sin fecha de publicación, el segundo volumen de sus memorias, donde detalla "mi vida en Sevilla desde que voy a ejercer de maestro en Morón de la Frontera, donde desarrollo un estudio sobre flamenco. Hablo también de mi salida del armario y de los primeros novios". En el primer tramo de su carrera como dibujante, Nazario se centró en las desventuras de una mujer, Purita, victimizada por la feroz tradición del patriarcado ibérico: "Estaba disimulando dentro de mis historietas. Describía unas situaciones, pero como si las estuviera contemplando escondido dentro de un armario, sin poder expresar libremente mi ser homosexual, mis experiencias homosexuales y el mundo homosexual en que vivía. Me parecía un poco hipócrita estar soslayando algo que tenía mostrar de forma más específica". Fue a partir de ese momento cuando el autor decidió consagrar su trazo a la minuciosa descripción de todos los submundos y arquetipos que poblaban esa cultura homosexual española de los 70 y 80 que avanzaba hacia la conquista de su visibilidad.

Plagadas de referentes culturales, las historietas de Anarcoma son una auténtica enciclopedia de escenarios, rituales, tipos humanos y hablas argóticas que su autor documenta con el empeño de un obsesivo miniaturista del lumpen. La estructura de folletín se convierte, en sus manos, en la coartada perfecta para integrarlo todo: "Anarcoma es un híbrido que me sirve para retratar el ambiente de Barcelona de los años 70 y 80, inspirándome en la ciudad que retrató Jean Genet. Un mundo que no se parecía en nada a la Movida de Madrid". Ni a esa Barcelona olímpica que le pegó una estocada de muerte a las esperanzas utópicas de esa Contracultura que acabó llegando a los museos, pero desapareció de las calles.

Tom of Finland se estrena el 7 de julio. Anarcoma. Obra gráfica completa está publicado por Ediciones La Cúpula.