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sábado, 31 de marzo de 2018

Jodorowsky en cine y cómic: “Yo hago lo que quiero”


“Fuimos al Louvre, gracias a un amigo que me deja entrar cuando no hay nadie. Y allí frente al gran cuadro de Da Vinci sobre la coronación de Napoleón, lo coroné”. Así explica Alejandro Jodorowsky (1929) el acto de psicomagia que practicó con Jeremy Petiqueux (1984), su compañero en la saga Los Caballeros de Heliópolis, una serie de cómics en cuatro álbumes, escrita por el chileno y dibujada por el diseñador belga para el sello francés Glénat.

Escritor e ilustrador presentaron en el Salón del Libro de París el segundo tomo de la saga, que retoma el enfrentamiento de Luis XVII con Napoleón. Allí Jeremy Petiqueux contó el acto de psicomagia en el Louvre: “Fue divertido estar allí solos los dos delante de ese gran cuadro, porque ponemos esa imagen en nuestro libro. Napoleón es nombrado emperador en Nôtre Dame de París y era para mí un gran desafío dibujar esa decoración. Fue bueno situarse en el contexto y ver todos esos cuadros de propaganda sobre Napoleón”.

El primer tomo salió en 2017 y logró muy buena recepción gracias a una historia que combina la alquimia con una saga en el siglo XVIII. En un comienzo Los Caballeros… se desarrollaba en un fondo medieval, “pero Jodo propuso tratarlo durante la Revolución Francesa. Lo encontré súper original, tratar la alquimia en esa época”, dice el dibujante, quien buscó al autor chileno para trabajar juntos.

En Los Caballeros de Heliópolis, Jodorowsky retoma un episodio real de la historia de Francia, o mejor dicho un personaje: Luis XVII, segundo hijo varón del rey Luis XVI y María Antonieta. Delfín a los cuatro años tras la muerte de su hermano Luis José de Francia, fue detenido junto a la familia real en la prisión del Temple de París al estallar la Revolución Francesa. A los ocho años fue proclamado rey por los monárquicos, una vez que sus padres fueron degollados y se cree que probablemente murió de peritonitis en prisión, aunque su temprana desaparición dio origen a muchos mitos sobre su posible huida. “Hay muchas novelas históricas que tratan de arreglar la historia y darle interés. Para mí la historia es un motivo en el cual mi imaginación se complace agregando cosas fantásticas”, dice el chileno sin temor de que algún francés apegado a la objetividad se sienta tocado por esta reinterpretación: “Estoy cansado de esas cosas, un artista no debe estar temblando, no estamos en la Inquisición, no somos EEUU con esa locura de caza de brujas, yo hago lo que quiero”.

Y su imaginación ha transformado la historia: “El protagonista, Luis XVII, es hermafrodita, tiene los dos sexos, así nació, entonces es hombre a veces y a veces es mujer, no se sabe lo que es, no está definido. Ha sido aceptado por un grupo de inmortales, alquimistas, que según la tradición alquímica parece que existen. Hay un pueblo de personas que vive hace ya más de 30 mil años”, cuenta, y agrega: “30 mil años son muy pocos, yo no me quiero morir”.

En el Salón del Libro la semana pasada, Jodorowsky convocó a numeroso público en una charla, sobre todo jóvenes que siguen cada una de sus frases como un mensaje sagrado. Tan jóvenes como su dibujante que lo escuchaba desde el público. Hasta que el autor insistió y el ilustrador subió al escenario. El escritor dice “haber domado a su ego”. Por eso tampoco es el protagonista de la próxima película (ver nota abajo). “Estoy preparado una película sobre la psicomagia, investigando otras formas de hacer cine. Es un cine para sanar, quiero ver si el cine sirve para eso o sólo para entretener”. La cinta estará en febrero de 2019 y es un paréntesis en su trilogía biográfica. “Estamos grabando en España, Italia, donde han tenido lugar los actos psicomágicos, pero no cuento más porque es un secreto”, concluye.

En septiembre del año pasado, Alejandro Jodorowsky (1929) inició en Francia la revisión de sus archivos que datan del 60 en adelante. En ellos hay horas de filmación que hacen una suerte de biografía sobre la técnica que inventó y perfeccionó a principios de los 80 y que son el pilar para su actual proyecto cinematográfico, Psicomagia, un arte que sana.

Fue después de practicar la pantomima, el yoga y los chacras, la medicina china y la cábala, que el escritor desarrolló esta terapia que conjuga el Tarot de Marsella, el teatro y el psicoanálisis. “Creé una técnica que consistía en realizar, en la vida cotidiana, un acto curativo con el fin de liberar un bloqueo inconsciente”, explica en la página oficial de la nueva cinta. “Un acto de Psicomagia es una acción teatral y metafórica precisa que el consultante debe llevar a cabo por sus propios medios”, escribe.

La película la integran registros antiguos y nuevas filmaciones que siguen a las personas durante todo su proceso de curación. “Muchos no entienden cómo puede funcionar, entonces eso genera la necesidad de explicar y mostrar”, cuenta Xavier Guerrero, productor de Jodorowsky desde hace ocho años.

“Hubo un trabajo previo de estudio de los archivos que nos convenció de que hay un potencial enorme para la historia”, continua Guerrero. Para financiar el proyecto, el equipo inició un crowdfunding que en tres semanas sobrepasó la meta inicial de $ 75 millones y fijó una nueva, alcanzar el 150 % (unos $ 112 millones). Al cumplirse este objetivo, Jodorowsky hará una conferencia en Facebook Live para responder preguntas sobre el filme y la psicomagia.

Guerrero adelanta que esperan estrenar en festivales de cine arte, como Cannes 2019 y coincidir con la celebración de los 90 años del director. En paralelo planifican la adaptación de la tercera parte de su biografía imaginaria y una eventual animación a la pantalla grande.

viernes, 30 de marzo de 2018

Desmontar el "sueño americano" a través del cómic


 La violencia y el sufrimiento detrás de la migración centroamericana son los elementos que reinan en "El hábito de la mordaza", una novela gráfica sobre las pandillas realizada por el hondureño Germán Andino, que desmantela la narrativa del "sueño americano".

"No ha habido una cosa tan maligna como llamar a lo que se supone que los inmigrantes perciben como 'sueño americano'. Llamarle así implica un componente de decisión y oculta la parte de que la gente huye de esos países", argumentó en una entrevista con Efe Andino, que expone su cómic en la Universidad de Michigan (EEUU).

Para el ilustrador, actualmente afincado en Bilbao (España), este concepto del "sueño" y los "soñadores" significa que las autoridades de Estados Unidos no tengan que responder a estos migrantes como demandantes de asilo: "No se ven en la obligación de llamarles refugiados".

"Se tiene una idea errónea de los motivos por los que la gente migra en Centroamérica", aseguró.

El primer capítulo del proyecto,"Transformar números en barcos pirata", narra la historia de los pandilleros en Honduras, concretamente en Tegucigalpa, desde la óptica de un joven maltratado por su padre y que termina formando parte de este mundo.

Escondiéndose bajo la mesa para dibujar, Isaac, el protagonista, disfrutaba de la soledad cuando su padre le enviaba a dormir a la calle mientras abofeteaba a su madre. Como pandillero terminó heredando de su padre una de las frases que marcó su infancia: "Elige, ¿con dolor o sin dolor?".

El joven, envuelto en este entorno de violencia, acabó dibujando en la piel de los mareros para salvarles la vida, después de que los tatuajes se convirtieran en una "sentencia de muerte" de cara a las autoridades.

En esta línea, Andino profundiza con él en el mensaje de que no todo es "blanco o negro, malo o bueno", sino que hay grises en todos los ámbitos.

"Dentro de la gente mala hay gente buena y dentro del grupo de la gente buena también hay gente mala", comentó a Efe el dibujante, que rechaza ser identificado como periodista o artista.

El cómic, que se extiende a lo largo de cien metros de viñetas, es el resultado de cientos de entrevistas realizadas entre 2012 y 2016, de las que algunas servirán para los próximos capítulos de "El hábito de la mordaza", que constará de tres en total y del que solo se ha publicado y expuesto el primero.

Este trabajo, el primero de los episodios, ganó el premio de innovación de la Fundación para el Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) el pasado septiembre, tras ser publicado por el diario "El País México", en la versión digital y acompañado por audios de sus entrevistas.

Andino avanzó a Efe que los próximos episodios ampliarán la atmósfera a otros países después de que el primero estuviera ambientado en las calles hondureñas de Tegucigalpa, pese a que la investigación de Andino ha proseguido también por San Pedro Sula, la segunda ciudad en importancia de Honduras.

En la obra, Andino incide en la influencia de los pandilleros californianos deportados a finales del siglo XX, que llegan a Honduras reconstruyendo sus redes.

El autor destacó que la historia de las maras difiere en función del país y que en el caso de Honduras uno de los factores determinantes fue el huracán Mitch, que en 1998 asoló Centroamérica, dejando 11.000 muertos, tres millones de damnificados y pérdidas económicas superiores a los 9.000 millones de dólares.

"El huracán Mitch destruyó buena parte del país, cambió mucho el terreno de las pandillas en Honduras y diluyó un poco la cultura californiana del pandillero", narró a Efe Andino, quien resaltó cómo los pandilleros se sirvieron de la "impunidad" en el territorio y cómo parte de la población recurrió a las pandillas por necesidad.

Sobre los beneficios que le ofrece el cómic como medio para difundir la historia, el centroamericano enfatizó que el "acercamiento" que le permite el dibujo es "mucho más íntimo" que el que permite una cámara, pese a que esto implique estar mirando y retratando a una persona durante una o dos horas, "el trabajo de campo".

Andino, que entra y sale de Honduras para avanzar en el proyecto, considera que en el país "cada vez la cosa va a peor", algo que percibe mediante el contacto con algunos de los personajes de la historia y determinados barrios, que han pasado de ser "remansos de paz" a áreas de violencia.

jueves, 29 de marzo de 2018

Spielberg asegura que la saga de Tintín sigue viva


Durante una entrevista promocional de Ready Player One con la francesa Premiere, Steven Spielberg ha afirmado que sigue en pie la idea de hacer una nueva entrega de Tintín que continúe las aventuras del personaje que el director inauguró en 2011.

Recordemos que el proyecto surgió de la intención de Steven Spielberg y Peter Jackson de trabajar juntos. La idea, una trilogía de animación cuya primera entrega dirigiría Spielberg, Jackson la segunda y mano a mano la tercera. Ese proyecto se materializó inicialmente en Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, un título celebrado en su momento pero que 7 años después apenas ha dejado un poso sólido entre los espectadores. Personalmente, un bluff bastante considerable.

Según Spielberg “Peter Jackson tiene que hacer la segunda parte. En principio, si todo va bien, pronto empezará a trabajar en el guión. Teniendo en cuenta que llevará unos dos años de trabajo de animación en la película, en vuestro caso, no esperaría a verla antes de tres años. Pero Peter se pondrá con ello. ¡Tintín no está muerto!“.

No es la primera vez que Spielberg hace declaraciones al respecto, ya en 2016, durante la promoción de Mi amigo el gigante, afirmó algo muy similar, aunque asegurando que Jackson probablemente rodaría antes otra película. Ese hipotético título intermedio no ha tenido lugar de momento, Jackson no ha estrenado nada desde la tercera entrega de El Hobbit en 2014, pero sí que ha estado inmerso en un documental sobre la Primera Guerra Mundial, que debería ver la luz este año, y como productor en Mortal Engines.

La idea para la nueva película sigue siendo adaptar el arco argumental que componen dos de los cómics de Tintín: Las siete bolas de cristal y El templo del Sol. Ambos giran en torno al descubrimiento arqueológico de varias tumbas incas en Perú y Bolivia, entre ellas la de Rascar Capac, que parece arrastrar una terrible maldición.

miércoles, 28 de marzo de 2018

García Márquez en cómic


Gabriel García Márquez llegó a conocer el cómic del que es protagonista. Meses antes de su muerte, acaecida el 17 de abril de 2014, se publicó en Colombia 'Gabo. Imágenes de una vida mágica', que relata los puntos más relevantes de una biografía que resulta tan torrencial como sus propias novelas. Cuando el libro salió a la calle, el autor de 'Cien años de soledad' llevaba tiempo inmerso en las brumas de una enfermedad degenerativa que había ido borrando su memoria, el manantial del que todo escritor, y más él, obtiene el material para su literatura. Ahora, el libro llega a España también editado por Rey Naranjo y con idéntico formato, en un papel que se asemeja al de los periódicos -en la edición colombiana era realmente el utilizado para hacer los diarios- en los que el escritor publicó gran cantidad de reportajes y columnas, incluso algunos cuentos.

Óscar Pantoja es el autor de los textos y Miguel Bustos, Felipe Camargo y Tatiana Córdoba lo son del diseño gráfico y los dibujos. En el volumen repasan la vida del Nobel colombiano tomando como punto de partida 'Cien años de soledad' y retrocediendo y avanzando en el tiempo para explicar las relaciones entre cuanto aparece en esa novela y la vida del escritor. Ahí están el abuelo que participó en la Guerra de los Mil Días y que luego mataba el tiempo haciendo pececitos de oro, el padre que tantos oficios tuvo y tan gloriosos fracasos cosechó en casi todos ellos, la hermana que comía tierra, el cura de Aracataca a quien los fieles creyeron ver cómo flotaba en el aire, la matanza durante la huelga contra las bananeras y la presencia protectora y fiel de Mercedes, a quien tuvo la clarividencia de anunciar cuando ella era aún una niña que terminarían casándose.

Una de las escenas cruciales de 'Gabo. Memorias de una vida mágica' es cuando el escritor viaja con su familia a Acapulco y tiene una especie de iluminación: de camino, mientras conduce, recuerda el momento en que su abuelo lo llevó a conocer el hielo. Se dio cuenta de inmediato de que esa imagen era la que mejor le servía para contar las historias que escuchó a sus abuelos en los años de su infancia, cuando sus padres vivían lejos y él crecía en una casa enorme habitada por un viejo coronel que arrastraba aún la sombra de la derrota y un grupo de mujeres -abuela, tías, criadas-, unidos por una afición desbordante a la narración oral.

Vida pública y privada
En el libro están también los amigos de la juventud y la literatura -Plinio Apuleyo Mendoza, Álvaro Cepeda, Germán Vargas, Ramón Vinyes...-, los de la política, como Fidel Castro; la época convulsa de la agencia Prensa Latina y dos episodios ya míticos. El primero, cuando regresa a Aracataca con su madre para vender la casa familiar y descubre desde el tren una finca esplendorosa, un verdadero oasis en un campo arrasado, llamada Macondo. El segundo, el envío por correo postal en dos entregas, porque no tenían dinero para remitir todo en un solo paquete, del original de 'Cien años de soledad' al editor Francisco Porrúa.

Con un dibujo de tono realista e impreso a dos tintas, el libro capta instantes de la vida pública y privada del escritor. Los autores usan para ello datos obtenidos de las obras de este anteriores a 1967 y su autobiográfico 'Vivir para contarla'. También aparecen citados otros libros, como 'El olor de la guayaba' de Plinio Apuleyo Mendoza; 'Gabriel García Márquez. Una vida' de Gerald Martin -la biografía más extensa y rigurosa-; e incluso 'García Márquez. Historia de un deicidio', el estudio que Vargas Llosa hizo de 'Cien años de soledad', y que estuvo literalmente desaparecido de las librerías durante décadas a causa de un incidente nunca aclarado por completo que rompió una de las más entrañables amistades de la literatura hispanoamericana.

La historia termina con la publicación y el éxito de 'Cien años de soledad', con un epílogo que salta hasta la concesión del Nobel y la ceremonia en la que, vestido con un liquiliqui, recogió el galardón de manos del rey Carlos Gustavo de Suecia. Ese día, el escritor volvió a ver las mariposas amarillas que vuelan por todos los capítulos de su novela más célebre.

martes, 27 de marzo de 2018

Alfonso Font, más de 50 años siendo un grande del cómic


En el 'Graffiti' de Radio Euskadi recibimos a Alfonso Font, veterano dibujante catalán y uno de los más reconocidos autores de cómic a nivel europeo. Pionero en trabajar para otros países, como Francia o Inglaterra, Alfonso Font empezó muy joven su carrera, con apenas 16 años en la mítica editorial Bruguera.

Tras sufrir los rigores de la censura en la España franquista, decidió irse a vivir y trabajar en París, donde colaboró con importantes editoriales. Tras la muerte de Franco regresó a España, y como autor completo creó muchos de sus mejores trabajos: Clarke y Kubrick, El prisionero de las estrellas, Taxi, John Rohner, marino ó sus geniales Historias Negras.

La editorial Planeta acaba de reeditar el álbum La flor del nuevo mundo, una historia con guión de Enrique Sánchez Abuli que Font dibujó en el marco de los actos conmemorativos del Quinto Centenario del Descubrimiento de América. En los últimos años, Alfonso Font ha trabajado para la editorial italiana Bonelli, y ahora tiene lista una nueva serie, titulada LAMA, y ambientada en el mundo de los falsificadores.

Os dejamos un enlace a la entrevista de Radio:http://www.eitb.eus/es/radio/radio-euskadi/programas/graffiti/detalle/5480941/alfonso-font-50-anos-siendo-grande-comic/

lunes, 26 de marzo de 2018

«O corpo de Cristo» es el título de la obra con la que Bea Lema ha ganado el Premio Castelao de Cómic de la Diputación


Bea Lema es la primera mujer que gana el Premio Castelao de Cómic de la Diputación de A Coruña. Doce ediciones ha tenido que esperar el galardón para que ocurra algo así. Y, además, esta diseñadora de producto coruñesa (1985) lo ha hecho con una novela gráfica valiente y dura a pesar de su estética dulce, O corpo de Cristo, en la que explora, a través de los ojos de una niña, un tema tan delicado como son las enfermedades mentales. Ahora, podrá gozar de un apartado en el salón del cómic Viñetas desde o Atlántico. 

-¿Cuánto tiene de autobiográfica esta historia?

-Mucho, es mi propia experiencia. Aunque a mí me gusta decir que es una realidad ficcionada, porque cuando trabajas con los recuerdos y la memoria siempre te metes en terrenos borrosos. Siempre hay algo de ficción en la realidad y al revés. Pero no deja de ser una experiencia vivida por mí.

-La historia se narra desde el punto de vista de una niña, lo que en cierta manera le permite abordar un tema tan duro con cierta inocencia.

-La intención era esa. Cuando eres niño no te cuestionas el mundo en el que vives, lo ves todo con mucha naturalidad. Así que pensaba que este punto de vista le iba a restar dramatismo. No quería que la historia resultase victimista. A pesar de ser un drama, que lo es sin duda, no creo que ahonde demasiado en la herida. Esa perspectiva más ingenua e inocente no le resta seriedad al asunto, pero sí que lo hace más llevadero de alguna manera, es más fácil hablar del problema.

 -¿No había escrito nada sobre enfermedades mentales con anterioridad?

 -Nunca lo había tocado de ninguna manera. De hecho es mi primer cómic, pero tampoco había escrito sobre el tema en ningún medio.

-Resulta especialmente valiente debutar con algo así.

 -La verdad es que sí. Ha sido un proyecto en cierto modo catártico para mí. Enfrentarme a este tema, verlo con cierta distancia, asumirlo... No fue fácil, pero a la larga ha sido una experiencia muy positiva.

-¿Y por qué elige el cómic como medio para contar esta historia? 

-Como medio de expresión el cómic tiene muchísimas posibilidades, te abre un abanico enorme y, por otro lado, es muy sencillo, porque no necesitas más que un papel y un lápiz. Eso te da toda la independencia del mundo. A eso súmale que siempre me ha gustado dibujar. He estudiado Diseño de producto, que aunque no sea exactamente lo mismo digamos que lo del dibujo va casi implícito. Además, no tengo las habilidades narrativas tan desarrolladas como para plantearme escribir una novela en el sentido clásico. Pero sí que me atrevía a hacer una mezcla de ambas, de la novela y el cómic. Me ha resultado muy cómodo expresarme así, la verdad.

-Llama la atención cómo contrasta el dibujo, tan sencillo e incluso dulce, con una historia tan compleja. 

-A nivel gráfico la apuesta es muy sencilla, porque quería priorizar la historia sobre la imagen. Por eso es solo blanco y negro, con mucha presencia de blanco en el papel, jugando con la escala, porque hay muchos personajes muy pequeños, y con el vacío. Es un estilo muy sencillo, casi caligráfico.«Ser la primera mujer que gana el Castelao me provoca una sensación agridulce»Bea Lema se ha hecho con el Premio Castelao con la que es su primera experiencia en cómic.

 -¿Por qué le dio por dibujar cómic? 

-Todo el mundo del cómic es muy reciente para mí. Cuando terminé la carrera trabajé en Sargadelos y después empecé a trazar una trayectoria independiente, por mi cuenta. Y fue ahí cuando descubrí el cómic independiente, el mundo de los fanzines. Eso fue lo que más me atrajo del medio.

-¿Alguna influencia o inspiración externa reconocible? 

-Siempre hay fuentes de las que bebes. Hay muchos trabajos autobiográficos de mujeres muy potentes, como La muñequita de papá de Debbie Drechsler o Fun Home de Alison Bechdel. Tienen ese punto particular de ser historias dramáticas contadas por mujeres. Y a nivel gráfico me gusta mucho Felipe Almendros o clásicos como Saul Steinberg. Podría darte una lista infinita de referencias. 

-Es la primera mujer que se lleva el Castelao... 

-Es algo un poco agridulce, porque por un lado estoy orgullosa, claro, pero por otro viene a demostrar que, en efecto, la mujer no está suficientemente representada en muchos aspectos de la sociedad y la cultura. Afortunadamente parece que las cosas están cambiando. Quiero pensar que es solo cuestión de tiempo, porque talento femenino hay de sobra. Seguro que soy simplemente la primera de muchísimas más autoras que vendrán detrás ganando el Premio Castelao.

-¿Tiene ya un próximo cómic en mente?

 -Me he quedado con ganas de más, así que seguiré dando guerra. Me gustaría profundizar en este tema de la enfermedad mental. Se ha tratado poco y creo que hay mucho que contar. Iniciación al mundo del cómic en Vimianzo, desde hoyIniciación al mundo del cómic en VIMIANZO, desde hoy. En paralelo a las segundas Xornadas Artísticas, la Escola Municipal de Arte de Vimianzo acogerá hoy, mañana y el miércoles, de 20.30 a 22.30 horas, un curso de iniciación al mundo del cómic impartido por el artista Javier Ávila Pite. Más información e inscripción para las Xornadas en la Casa da Cultura vimiancesa.

domingo, 25 de marzo de 2018

RTVE:'Tigre Callejero', ¿el cómic que le hubiera gustado escribir a Tarantino?


Un día el dibujante y guionista Ertito Montana (Sicarios) se preguntó cómo sería un cómic escrito por Tarantino. Y se puso manos a la obra. El resultado es Tigre Callejero (GP Ediciones), un tebeo violento y descarnado pero también con diálogos inteligentes y afilados. Un homenaje a las películas trash y exploitation que recuerda a los films de acción de culto de los 70 y 80, con unas pinceladas de las pelis de kung-fú del mismo periodo. El cómic está protagonizado por un misterioso personaje que asesina a miembros de las organizaciones criminales de su ciudad.

“Sin hacer mucho spoiler de la historia –nos cuenta Ertito-, ya que el factor sorpresa es fundamental para su desarrollo. Tigre Callejero trata de un vigilante urbano que busca venganza enfundado en chupa de cuero y casco, dedicando su tiempo a acabar con la mafia de Ciudad Nam, con su bate de béisbol como arma. Así a simple vista es una típica historia de venganza que se ha podido ver en películas de acción de los 80 de Charles Bronson o más actuales de Liam Neeson, pero cuando empiezas a leer la historia en seguida te das cuenta que no es un relato típico”.

“En varios momentos –continúa- el guion se torna de tal manera, cambiando las formas de una narración de este tipo que respetando la base de venganza no puedes dejar de pasar páginas sin dar crédito a lo que ves. La verdad es que es difícil especificar más el contenido sin caer en el spoiler y no quiero quiero que eso ocurra. Quiero que el lector se quede anonadado cuando lo lea”.

Un personaje espiritual con el carácter de Charles Bronson
A pesar de sus ansias de venganza, Ertito describe al Tigre Callejero como: “Un personaje espiritual que ha dedicado su vida al esparcimiento de cuerpo y alma estudiando las artes marciales más puras en armonía con la energía y la naturaleza. Pero en un momento de su vida una gran desgracia tiñe de rojo su vida y se vuelca por completo en la venganza, que lo llevará más lejos de lo que puede imaginar”.

En cuanto a sus referentes están muy claros: “Efectivamente –confiesa- Charles Bronson y Tarantino son dos grandes referentes en esta obra, son dos personajes de los que he bebido durante mi vida. Como alguna vez me he atrevido a decir, Tigre Callejero es el cómic que le hubiera gustado escribir a Tarantino pero más allá de ellos dos, el cómic referencia a toda la cultura trash, artes marciales y serie b de los años 70 y 80”.

La historia está ambientada en una ciudad ficticia pero reconocible: “Ciudad Nam –asegura Ertito- es una atípica ciudad americana, es como si en algún momento Nueva York hubiera tenido gran influencia asiática y se hubiera fundido con ella. Quería también hacer un guiño llamándola Nam por ese gran lastre que los americanos llevan con la guerra del Viet Nam que tanto nos han querido mostrar en sus cientos de películas. La ciudad en si es una mezcla arquitectónica y cultural de culturas occidentales y orientales generando un buen caldo de cultivo para el crimen y la acción violenta”.

Villanos que parecen salidos de Dick Tracy
En cuanto a los otros protagonistas, Ertito destaca que: “El personaje principal que va a acompañar a Tigre Callejero en esta historia y futuras que vendrán es Paloma Negra, otra vigilante urbana que se mueve más en el anonimato y las sombras que nuestro protagonista Tigre, que no es que oculte excesivamente sus actos”.

“Los villanos, como en cualquier buena historia, son fundamentales –añade-, todos los personajes que aparecen llevan su carga en el desarrollo de la narración, Cabeza de Huevo, Rassif Yassif, La banda de Barrio Crema... todo actor de la obra y la historia que lleva consigo son llave para desentramar la historia completa”.

Cine negro y ciencia ficción
En la obra de Ertito, tanto en este cómic como en Sicarios, destaca su gusto por la mezcla de la ciencia ficción y el género negro. “Son dos estilos que me apasionan –asegura- pero en la obra y en mis referencias entran toda clase géneros, artes marciales, thriller, suspense, acción... es posible que entren todos los géneros menos el más puro drama lagrimal, no me gusta hacer llorar a nadie”.

“Cuando creé en mi cabeza esta serie –añade- iba a ser una historia de acción pero según iban surgiendo las páginas y dada mi gran afición por la serie b, iban aflorando ideas absurdas y atrevidas para hacer de la trama algo totalmente diferente a lo planteado en un principio, lo comenté con mis dos gurús, Roberto Corroto y Juan Albarrán, a los que siempre les pido consejo, y les parecían ideas locas pero molonas, podía ser que el lector no entendiera bien el concepto y tirara el cómic a la basura, me arriesgué en ello y parece que los lectores no solo lo han entendido perfectamente si no que les ha gustado y se ha convertido en una marca de identidad para Tigre Callejero”.

Un estilo de dibujo atípico
En cuanto a su estilo de dibujo, Ertito lo define como Atipico: “Como se puede observar desde luego que no es un estilo típico, a lo largo de muchos años de profesión he ido probando y aprendiendo de muchos estilos, desde el realismo al más puro estilo cartoon, llegando a un punto en el que me siento realmente cómodo dibujando y puedo contar las historias con la soltura que necesito, es un estilo muy cinematográfico y muy entretenido de seguir, en una de las presentaciones que he ido últimamente algún lector me dijo incluso que veía referencias manga, lo cual desde luego no es intencionado ya que no es que yo sea un gran aficionado a ese tipo de lecturas, pero si a la cinematografía de artes marciales y oriental”.

“No me gusta mucho poner etiquetas al arte –añade- y no sabría decirte en que baremo me muevo ya, en estos casos siempre es mejor echarle un ojo y que cada cual decida. En mis historias no busco la profundidad interior del ser humano, busco el entretenimiento puro, que el lector coja el cómic y no pueda parar de leer hasta el final y diga, pues mira que buen rato me he pasado, como el que ve una serie en televisión y esta impaciente por ver que ocurre en el siguiente”.

Destacar las escenas de acción que Ertito cuida hasta el más mínimo detalle: “ Esas escenas son muy importantes, a donde iría a parar una historia de venganza sin unas buenas escenas de acción. Para construir este entorno me nutro una vez más de mi mente repleta de VHS de artes marciales, acción y violencia. Mi juventud a estado siempre ligada a un videoclub y a un kiosko”.

“Intento –añade- que la acción no cubra toda la extensión del cómic porque lo que me interesa es contar una buena trama y desarrollar un historia compacta y sorprendente, la historia tiene espacio para todo incluso si te das cuenta en algunos momentos hay escenas hasta culturales, recuerda el cuadro de Goya, ja, ja, ja…”

Dibujante y escritor
Ertito Montana combina las obras que escribe y dibuja con sus colaboraciones con Roberto Corroto, junto al que publica la serie Sicarios (Zona 00), que David Lloyd (V de vendetta) les publica también en Inglaterra.

“Roberto es un fenómeno –afirma Ertito- y coincidimos en muchos gustos, por eso somos un combo perfecto, jajaja pero antes de conocerle y después siempre he realizado mis propios guiones, tenemos estilos diferentes de narrar las historias y eso hace que con el mismo dibujante podamos sacar historias variadas que gusten al lector. Tanto Roberto como yo tenemos muchas historias en la cabeza que a veces no encajan como para hacerlas juntos pero siempre estamos buscando cosas para hacer en pareja, profesional”.

“Mi forma de trabajo –continúa- es un poco curiosa, para empezar no me gusta saber el final de las historias, me gusta sorprenderme al dibujarlas igual que un lector haría al leerlas, cuando el guion es mio principalmente no cuento con guión, tengo una idea de aproximada de lo que quiero pero no escribo un guion, me pongo frente a la hoja en blanco y me pongo a dibujar viñetas y textos de lo que me gustaría ver a mi en un cómic y según voy avanzando veo como la historia se va construyendo sola intentando sorprenderme a mí mismo, cambiando ideas continuamente con lo que al final la historia se convierte en algo totalmente diferente a lo que tenía en mente en un principio o por lo menos sorprendente para mí”.

“Cuando trabajo con guionistas -concluye- el planteamiento a veces es similar, les digo que me cuenten la historia en general para saber si encaja conmigo y si la historia me gusta, pero a la hora de trabajar no me suelo leer el guión completo, voy trabajando según leo, intento no saber lo que ocurre en siguientes paginas para así transmitir con mis dibujos y narraciones esa incertidumbre y suspense al lector. Tanto Roberto como los guionistas que saben esto y trabajan conmigo si hay algo importante que ocurra que se deba saber antes procuran apuntármelo para que lo tenga en cuenta. Es posible que sea un lastre para los guionistas, ja, ja, ja…”

Sus proyectos
Ertito fue elegido Futuro Talento del Cómic en la reciente Heroes Comic Con Valencia. nos comenta que: “Si el público sigue respondiendo tan bien como hasta ahora seguro que habrá más historias de Tigre Callejero y además estoy preparando ya un spin off, Historias de Ciudad Nam, que serán historias autoconclusivas dentro del mundo de Tigre Callejero con nuevos personajes, héroes y villanos. Y guionizados por diferentes artistas del cómic, donde también estará Roberto entre otros e incluso algún guionista americano que revelaré en su momento”.

“Entre otros trabajos ya acabados –añade- están los números 1 y 5 de la colección Tales of Rogues que publica El Torres en su sello americano Amigo Comics; La Chica del Cementario con guion de Antonio Sachs, que está terminado y en busca de editor; la novela gráfica, o como llamemos a un cómic de aventuras locas de 120 páginas de nombre Abraxas, que he dibujado bajo la batuta de Javier Marquina y que verá la luz en algún momento con la buena gente de GP Ediciones”.

“Por otro lado tengo varios proyectos de diferente talante en busca de editorial: Jessie Johnson; con Fernando Llor, Agente Tesla, guionizado por mí; y con Roberto Corroto tengo Lady Goodbye, Odette y una miniserie de Sicarios en formato comicbook donde haremos un reboot de los personajes contando una nueva aventura con miras en el mercado americano. Como veis, proyectos e historias no me faltan, lo que me falta es gente dispuesta a publicarlas”.

sábado, 24 de marzo de 2018

La exposición «Prehistoria i Cómic» llega a Elx de la mano del Museu de Prehistòria de València


El circuito itinerante 2018 de la exposición ‘Prehistoria y cómic’ hace su tercera escala y se instala al Museu Arqueològic i d’Història d’Elx, donde se podrá visitar desde el sábado 24 de marzo hasta el 1 de julio. Después de haber pasado por Xàtiva y Sagunt, la muestra producida por el Museu de Prehistòria de València, que depende de la Diputació, sale de la provincia de València y llega a la ciudad alicantina.

La inauguración de la muestra tendrá lugar el sábado 24 de marzo a las 11.30 horas con la asistencia del diputado de Cultura, Xavier Rius, el alcalde d’Elx, Carlos Gonzàlez, y la regidora de Educación y Cultura, Patricia Macià.

El objetivo de esta producción es que los visitantes, desde los más pequeños hasta los más mayores, se sumerjan en un mundo de ficción y disfruten de un amplio abanico de conocimientos y piezas culturales.

Reflexiones científicas y personajes inolvidables

La muestra ofrece una mirada sobre el mundo del cómic desde la propia prehistoria de la mano de los grandes iconos universales presentes en el imaginario y que remiten directamente a los tiempos más remotos. La exposición recopila una gran diversidad de cómics con más de 100 ejemplares publicados desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

El recorrido empieza con una reflexión científica sobre la representación gráfica prehistórica que pivota sobre tres aspectos relacionados estrechamente con el mundo de la narración gráfica: un recorrido desde las primeras ilustraciones del origen de la Humanidad y que va desde mediados de siglo XIX a la actualidad; un guiño al arte rupestre levantino como la primera narración gráfica en nuestras tierras; y la novela de ficción como fuente de inspiración de muchos autores de cómics.

La exposición, además, hace un repaso por los diferentes personajes que aparecen en los cómics. Esta revisión va desde la óptica más infantil y caricaturesca hasta la más realista, e incluye también héroes selváticos o seres primitivos monstruosos. A través de estos personajes se descubre un mundo fantástico poblado por protagonistas inolvidables del cómic español como ‘Purk el Hombre de piedra’, el ‘Pequeño Pantera Negra’, ‘Altamiro de la cueva’ o ‘Hug el troglodita’. Todos estos comparten escenario con iconos del cómic americano como ‘Alley Oop’, ‘Tor’, ‘Picapiedra’ o ‘Turok’, y con otros héroes prehistóricos del cómic francófono como ‘Tounga’, ‘Rahan’, o las nuevas heroínas ‘Lucy’ o ‘Vo’ hounâ’.

El tercer espacio de la muestra se estructura en cinco bloques que corresponden a conceptos clave que el imaginario colectivo identifica con la prehistoria: los útiles, el fuego, el mundo de las fieras, el arte paleolítico y el megalitismo. Todo este despliegue de papel está apoyado por réplicas de materiales arqueológicos del Museu de Prehistòria de València como fósiles de grandes mamíferos, plaquetas grabadas, adornos o armas.

El recorrido de la exposición está acompañado además por planchas, ilustraciones, entrevistas a cuatro reconocidos ilustradores españoles y franceses, y también animaciones en 3D. Al final de la exhibición se encuentra también una biblioteca infantil con cómics ambientados en la prehistoria y un espacio lúdico y didáctico donde reflexionar sobre los grandes tópicos y anacronismos de la prehistoria.

La instalación de este trabajo en Elx es un ejemplo más de la buena relación histórica que mantienen entre sí las dos instituciones museísticas. Todas las muestras itinerantes que ha realizado el Museu de la Prehistòria de València, como ‘Las mujeres en la prehistoria’ y ‘Restos de vida. Restos de muerto’, han pasado por las salas del MAHE.

viernes, 23 de marzo de 2018

RTVE:'Vinómics', el maridaje de dos pasiones: el vino y el cómic


Creador narrativo y visual y la mitad del equipo Deamo Bros (junto a su hermano Daniel) Raúl Deamo confiesa tener dos grandes pasiones, el cómic y el vino. Así que, en 2016, decidió maridarlas en una web (Vinómics) en el que grandes autores de cómic realizaron historias sobre el tema. Ahora la segunda temporada de este proyecto ha saltado al papel en el cómic Vinómics: Relatos gráficos con sabor a buen vino (Norma editorial).

“El vino y el cómic –asegura Raúl- son dos mundos diferentes y desconectados el uno del otro pero son dos de mis grandes pasiones. Hace unos años se me metió en la cabeza que podía buscar una forma de conectar esas dos pasiones, esos dos mundos. Pero no tenía muy claro si era ésta una buena idea. Más tarde descubrí un magnífico cómic, Los Ignorantes, del francés Étienne Davodeau. Este cómic me hizo ver que se podían crear historias muy interesantes y entretenidas sobre los viñedos, el vino y sus elaboradores. A partir de ese momento ya no había marcha atrás”.

“Cómic y vino -continúa Raúl- tienen algunas cosas en común. Detrás de una novela gráfica o una botella de vino hay un autor o autores de talento que se dejan la piel en crear un buen producto y darlo a conocer. Esto es más evidente cuando conoces una pequeña bodega formada por muy pocas personas. Estos elaboradores de vino, enamorados de su trabajo, cuidan personalmente todos los detalles del proceso para crear un producto con personalidad propia que produzca en el consumidor ciertas sensaciones, emociones. A mí esto me recuerda mucho al mundo del cómic. Además para elaborar un vino se tarda como mínimo un año, es muy similar al tiempo que se tarda en realizar un cómic. Por último a la botella de vino, al igual que al cómic, hay que bautizarle con un nombre y crear una etiqueta, la cubierta en el cómic, que transmita su contenido”.

“Al final –concluye Raúl- decidí enfocar la iniciativa en forma de un cómic colectivo en que diferentes autores de talento desarrollasen de forma libre una historia corta. Hacer el proyecto plural me parecía más interesante e inesperado. Tenía claro que tenía que ser on-line con el fin de llegar al máximo número de personas para luego tener una segunda vida en papel, tal y como ha acabado ocurriendo de la mano de Norma Comics. De todas formas para conseguir todo esto se necesitaba a una institución del sector de vino que acogiese esta propuesta y la financiase. Aquí entra la DO Catalunya, que se entusiasmó desde un principio y apostó rápidamente por estos Vinómics que acogió e hizo suyos. Ahora puede parecer una decisión fácil pero en aquel momento creo fue una decisión valiente por su parte, apostaban por algo nuevo en el sector vinícola y, por tanto, con ciertos riesgos”.

Grandes autores
Destacar los grandes autores que participan en el cómic: Alberts Monteys, Deamo Bros, Manel Fontdevila, Oriol Malet, Sagar, Maribel Carod, David Morancho, Miguel Gallardo, Jaime Martín, Bea Tormo, Raule, Roger Ibáñez, Àlex Roca, Andrés Palomino, Ana Belén Rivero, Martín Tognola y Jorge Carrión.

“Destacaría su calidad –asegura Raúl-, son todos autores a los que admiro y muchos son autores destacados del panorama actual. Intenté que hubiese autores de estilos tan diferentes como complementarios para conseguir un mosaico narrativo interesante. La idea era también que fueran autores que viviesen en Cataluña para poder quedar con ellos en personas y que la DO Catalunya les pudiese enseñar un día campos de cultivo y bodegas de nuestro territorio para que tuviesen un punto de partida de cara a inspirarse. Después de esa visita cultural hubo una calçotada maridada, como no, con buenos vinos del territorio”.

“Todos los autores –añade- tuvieron libertad creativa de cara a enfocar sus historias. La DO Catalunya también entendió que este punto era clave. Había que evitar lo que ocurre en otros proyectos de encargo donde el autor no puede brillar porque le han limitado la libertad creativa o le hacen crear un publirreportaje. Cada autor ha explorado el tema vinícola de formas muy diferentes y personales, eso ha generado una gran riqueza narrativa y ha sido el germen del éxito final de este proyecto”.

Y es que, el resultado gráfico es muy variado: “Las historias que forman Vinómics –comenta Raúl- son de géneros y estilos muy diferentes ya que cada una responde al estilo de cada autor o tándem de autores. Los Vinómics son un abanico muy amplio de géneros: autobiografía, fantástico, humor friki, drama, parodia, ensayo, ciencia-ficción... Para mí esto es una muestra del gran potencial narrativo de la historieta, en este caso con un punto en común, el vino como inspiración”.

“Lo que se decidió con tal de unificar estilos tan diferentes fue marcar una extensión de 6 páginas y utilizar una paleta de colores común. Una paleta formada por el color del vino tinto y el vino blanco. Esta paleta de colores ha ayudado a que Vinómics tenga también personalidad a nivel visual” –concluye-.

Acercar el vino a la gente común
El vino siempre fue la bebida del pueblo, pero estos últimos años parecía haberse vuelto un poco snob. “El mundo del vino –asegura Raúl- ha sido elitista, o ha dado esa imagen, durante las últimas décadas. Ahora creo que está haciendo el trayecto contrario, acercándose al público joven, buscando una imagen más simpática, informal, incluso divertida. En cambio otras bebidas como la cerveza o el gintonic ahora buscan dar una imagen de bebida sofisticada. De alguna forma parece que hay un cambio de papeles en estas bebidas últimamente”.

“La idea era esa, acercar el vino a la gente de la calle, bajarlo de ese altar snob en el que muchos colocan a esta bebida. Hacer que vuelva a ser una bebida cotidiana, de proximidad y social como lo fue para nuestros padres o abuelos. En plena era de redes sociales es bueno recordar que el vino es una bebida que se disfruta en familia, con amigos o con la pareja. Una botella de vino está pensada para ser compartida y para acompañar comidas y sobremesas”.

Este cómic ha sido un éxito, colocándose enseguida entre los más vendidos: “El resultado ha superado las expectativas –asegura Raúl-. La acogida por parte de público y medios de comunicación ha sido muy buena. El sector del vino y su prensa especializada son los que más atención han puesto en el proyecto pero también la prensa generalizada. De hecho el vinómic de Albert Monteys se publicó en paralelo en el dominical de un diario nacional. Todo esto se debe a que Vinómics ha representado una forma innovadora de proyectar el mundo vinícola a la sociedad, de hacerlo más cotidiano y simpático. Por otro lado los autores, muchos de los cuales no conocían demasiado el mundo del vino, ahora se han acercado a este mundo y algunos lo han incorporado a sus intereses culturales y hedonistas”.

Las sensaciones de un buen vino
Raúl nos recuerda que: “El vino es una bebida con 5.000 años de historia, de ahí que arrastre un importante legado mitológico, ha acompañado a la humanidad desde tiempos inmemoriales. Por eso la tradición oral, los textos antiguos y las religiones contienen tantas referencias al cultivo de la vid y a esta bebida que al principio tenía un carácter mágico. El vino forma parte del ADN de nuestra cultura mediterránea y de la mayoría de países occidentales. Sólo hace falta recordar qué bebida se sirve en misa o la cantidad de refranes que tenemos sobre vino”.

“Pero –continúa Raúl- la idea no era hacer historietas pedagógicas. Hacer eso habría sido encorsetar a los autores y crear un proyecto menos interesante. La idea era que cada autor enfocase su historieta con total libertad. El vino podía ser el centro de la historia o una simple excusa narrativa. Lo que queríamos, y creo que hemos conseguido, es que fuesen buenas historias, independientemente del tratamiento y peso del vino en la historia. Algunos autores como Manel Fontdevila, Miguel Gallardo o Bea Tormo han apostado por un tratamiento autobiográfico. Estos autores sí que han aportado pinceladas pedagógicas que describen en primera persona como ellos han entendido el mundo vinícola y sus particularidades. Lo que sí hubo en todo los casos es un asesoramiento por parte de la DO Catalunya para que en los cómics no hubiese errores o explicaciones inexactas de la parte vinícola”.

Y es que querían conseguir un cómic que transmitiera las sensaciones de un buen vino: “A mí el vino, como el cómic, me despierta sensaciones, emociones, me divierte, me formula preguntas... Me gusta el debate posterior con el resto de personas que han leído el cómic o probado el vino. En los dos casos, yo que soy muy curioso, me pregunto por las personas que hay detrás de estos dos productos culturales. Porque el vino también se puede considerar un producto cultural. Más allá de los típicos vinos que encontramos en un supermercado hay vinos de autor o de garaje, de elaboraciones poco habituales, de microbodegas, de elaboración ecológica o biodinámica, de alta montaña... por no hablar de todas las regiones y Denominaciones de Origen que tenemos en nuestro territorio”.

“Sería –añade- como hablar en el mundo del cómic de autores, editoriales, estilos gráficos, manga, cómic independiente, de superhéroes... Son dos mundos extensos, muy ricos y con grandes productos y autores. Que se lo digan a los franceses que son muy conscientes y enamorados de sus vinos y cómics, forman parte importante de su cultura, lo tienen muy claro. Tenemos mucho que aprender de ellos”.

La "BacusPedia"
Como comentábamos, el cómic está siendo un éxito. Por eso preguntamos a Raúl sobre su continuidad en papel u online. “Pues funcionó muy bien a nivel on-line y ahora la edición impresa también parece que está funcionando bastante bien pero no tengo por el momento demasiada información al respecto. Creo que este proyecto es poco habitual en el mercado y sólo por eso puede ser interesante a lector, incluso a un lector que no lee habitualmente cómic. Si a eso sumamos la calidad de los autores, una cuidada edición por parte de Norma Cómics y la hermosa cubierta realizada por Raquel Ródenas creo que tenemos unos cuantos puntos fuertes”.

“De momento –añade- no hemos hablado sobre una continuidad de Vinómics. Lo que sí acabamos de lanzar, también de la mano con DO Catalunya, es la BacusPedia. Se trata de una serie de cápsulas de animación que explican de forma fácil y divertida la muchas veces misteriosa y críptica terminología vinícola. El dibujo y la animación son de Alex Roca (también autor de Vinómic) y los guiones de un servidor“

Dibujantes en las etiquetas de los vinos
Preguntamos a Raúl que nos recomiende cómics relacionados con el vino: “Como ya comenté antes hay uno buenísimo, imprescindible, es Los Ignorantes de Étienne Davodeau. Este cómic lo recomiendo mucho. Luego existe también un famoso manga sobre el mundo del vino que se llama Las Gotas de Dios. Yo aún no lo he leído porque desgraciadamente no está editado en castellano. Este manga es un éxito de ventas en Asia y todos las botellas de vino que aparecen es sus páginas se agotan en poco tiempo. Las bodegas están deseando que alguno de sus vinos aparezca en este manga. Se trata de un fenómeno muy poco habitual. Y no te puedo recomendar más cómics sobre el tema porque no conozco más”.

“Lo que sí puedo recomendar –añade Raúl- es que la gente se fije en las etiquetas de las botellas de vino ya que de vez en cuando reconocidos historietistas son sus autores. Por ejemplo, hay un vino muy popular y que está en la mayoría de restaurantes cuya etiqueta está realizada por Miguelanxo Prado, seguro que la habréis visto más de una vez. Una pista, aparece un perro de un color poco habitual. Pero hay muchos otros dibujantes que han ilustrado etiquetas de vino, autores como Mike Mignola, Bernet, Liniers, Mariscal, Guitián, Oriol Malet (autor también de Vinómics), Pilarín Bayés, dibujantes de Charlie Hebdo...”

“En Barcelona –concluye- hay también una muy importante tienda y distribuidora de vinos que cada año publica su extenso de catálogo de vinos. En cada edición encargan su cubierta a un importante ilustrador o autor de cómics, dibujantes como Milo Manara o Francisco Ibáñez son algunos de ellos. Cada vez que encuentro alguna de estas fantásticas uniones de vino y cómic la publico en Twitter bajo el hasthtag #winelovescomic ¡Salud y vino amigos!".

jueves, 22 de marzo de 2018

'Memorias de un hombre en pijama', inspirada en el cómic de Paco Roca, competirá en Málaga


'Casi 40', dirigida por David Trueba, y 'Sergio & Serguéi', del cubano Ernesto Daranas Serrano, competirán en la sección oficial del 21 Festival de Málaga. Cine en Español, que tendrá lugar del 13 al 22 de abril. Una edición en la que a las importantes visitas ya anunciadas, como Guillermo del Toro o Juan Antonio Bayona, entre otros, se sumará la del actor Ron Perlman, como parte del elenco de 'Sergio & Serguéi'.

'Casi 40', con guión y dirección de David Trueba, está protagonizada por Lucía Jiménez, Fernando Ramallo, Carolina África y Vito Sanz y producida por Buenavida Producciones y Perdidos G.C. La película cuenta el viaje entre conciertos de los dos protagonistas, Lucía Jiménez y Fernando Ramallo, actores que debutaron con David Trueba en 'La buena vida', según un comunicado del Festival de Cine.

'Sergio & Serguéi', por su parte, es una coproducción de España y Cuba en cuyo elenco están Ron Perlman, Héctor Noas, Tomás Cao, Yuliet Cruz, Mario Guerra, Ana Gloria Buduén, Camila Arteche, Armando Miguel Gómez, Idalmis García y Rolando Raimjanov. La película transcurre en 1991, cuando la URSS se desintegra y Cuba entra en una gran crisis económica, momento en el que Sergio, radioaficionado y profesor de marxismo, no sabe qué hacer para reorientar su vida y sacar adelante a su familia, mientras que Serguéi, el último cosmonauta soviético, se encuentra casi olvidado en la averiada estación orbital Mir.

Además, y en la sección oficial de largometrajes, participará 'Memorias de un hombre en pijama', filme de animación dirigido por el español Carlos Fernández de Vigobasado en la novela gráfica del valenciano Paco Roca. Es la primera vez que una cinta de animación compite en la sección oficial del certamen andaluz.

Producido por Dream Team Concept, Ézaro Films y Hampa Studio y con guion de Paco Roca, Ángel de la Cruz y Diana López Varela, 'Memorias de un hombre en pijama', que combina la animación con la imagen real, tiene música de Love of Lesbian y cuenta con Raúl Arévalo, María Castro y las voces de Manuel Manquiña, Santi Balmes, Julián Saldarriaga, Jordi Brunet, Tacho González y Elena S. Sánchez.

miércoles, 21 de marzo de 2018

Una nueva batalla para Asteríx, en la Argentina


Días tristes para René Goscinny, para las nuevas generaciones de lectores y para los que vemos nuestro trabajo fagocitado por el cortoplacismo berreta". Ese tuit de la cuenta de Libros del Zorzal fue leído por miles de usuarios desde que se publicó, el viernes pasado. ¿A qué se refería? Según cuenta el editor Leopoldo Kulesz a LA NACION, la editorial francesa Hachette había cedido a su sello los derechos de toda la saga de historietas de Asteríx para volver a instalar la obra cumbre de Goscinny y Albert Uderzo en el país con una nueva traducción. Varias personas, comandadas por Kulesz y Agustina Blanco, trabajaron en esa tarea, que Hachette auditó y evaluó como inmejorable.

Sin embargo, pese a los esfuerzos y méritos reconocidos por argentinos y franceses, Hachette autorizó que la edición de Planeta/Libros del Zorzal se venda en librerías y quioscos de diarios y revistas y, al mismo tiempo, permitió que Salvat, propietaria de la versión anterior, comercialice sus propias ediciones en quioscos. Si bien la operación es legal, no deja de ser atípica. En quioscos de diarios y revistas compiten ambas versiones. Los editores argentinos saben que los remanentes de esos fascículos terminan en librerías de saldos. A raíz de esto, Planeta/Libros del Zorzal bajó los precios de su edición para competir con la de Salvat. Una pequeña guerra editorial de origen francés se libra en territorio argentino.

Asteríx el galo fue creada por el guionista Goscinny y el dibujante Albert Uderzo en 1959. Fue (y es aún) un éxito en Francia y se tradujo a más de cien idiomas. La traducción que circula en español es la de Jaime Perich y Víctor Mora, que pasó por varias editoriales y ahora difunde Salvat. Según Kulesz, uno de los defectos evidentes de esa traducción es que los nombres de los personajes no siguen lógica alguna. Además, abundan galicismos, imprecisiones y errores notorios, como problemas de coherencia a lo largo de la colección. En la nueva versión, la tilde del nombre de Asteríx migra de la letra e a la i para reforzar la referencia a "asterisco", de donde proviene el nombre del héroe.

"Hay también una pérdida casi sistemática de los juegos de palabras, bromas y dobles sentidos", asegura el editor, que comenzó a negociar los derechos de Asteríx en la Feria de Fráncfort de 2006. En 2014, los compró junto con Planeta. Desde 2015, Planeta/Libros del Zorzal publicó los primeros álbumes; a un ritmo sostenido, llegaron a los 24. "No fue fácil reinstalar la colección, ya que hacía 25 años que estaba ausente de las librerías y quioscos argentinos".


Por ahora, la historia termina mal. "En nombre del cortoplacismo, pierden los lectores, pierde Goscinny y Asteríx es derrotado por los bárbaros", sostiene Kulesz. LA NACION consultó a los editores de Hachette y de Salvat por esta decisión, pero al cierre de esta edición no había obtenido respuesta. Como en la historieta, esto también continuará.

martes, 20 de marzo de 2018

Se abre la convocatoria para los stand comerciales y artistas en el Festival de Cómic Europeo



La VI edición del Festival de Cómic Europeo de Úbeda tendrá lugar los días 19 y 20 de mayo.

Desde la Organización abrimos el plazo para participar como stand comercial o en el "artist alley"

Para participar escribirnos a ubedabaezacomic@gmail.com

lunes, 19 de marzo de 2018

'Sex Criminals', el cómic que prohibió Apple (y varias bibliotecas)


La idea llegó como un fogonazo: ¿por qué no detener el tiempo con un orgasmo? Es lo que les sucede a Suzie, una bibliotecaria, y Jon, un actor, ambos protagonistas del cómic 'Sex Criminals', creado por Matt Fraction y Chip Zdarsky, cada vez que tienen sexo y llegan al clímax. La historia rápidamente se convirtió en un éxito en EEUU galardonada con los mejores premios del género -como el Eisner-, además de ser nominada a los Hugo (los Oscar del fantástico). Pero hubo a quien no le gustó aquello, alguien que tiene mucho que decir en la distribución de los libros: la tecnológica Apple se negó a poner en circulación el tomo 2 de la serie a través de su app store debido a que su contenido podría ser “no considerado” para muchas audiencias. Tampoco en algunas bibliotecas del país se vio con buenos ojos. El cómic entró así en la lista negra de los libros con más quejas recibidas (y prohibidos) tanto en 2016 como 2017.

“Cuando ocurrió lo de Apple nos molestamos, porque confiamos en lo digital para asegurarnos de que las personas todavía puedan leerlos en lugares a los que no llegan nuestros libros físicos. Da miedo que una empresa pueda sacar los libros de su servicio de esa manera, sin siquiera un aviso para los lectores. Es como si ya no existiera. Lo de las bibliotecas no fue tan sorprendente, lo que lo hace más triste todavía”, cuentan Matt y Chiop vía correo electrónico. Triste, pero es cierto que no es inusual. En EE.UU son muchos los libros, principalmente novelas gráficas de contenido sexual o violento, los que suelen ser retirados de las bibliotecas por quejas recibidas, según recoge cada año la Asociación de Bibliotecas de EEUU. Los autores, sin embargo, no creen que lo ocurrido obedezca a un aumento del ya de por sí acusado puritanismo que se recrudece en su país en los últimos tiempos. “No, lo que ocurre es que hay muchas más opciones para que la gente lo exprese”, afirma Matt.

'Sex criminals' ha sido publicado en España por Astiberri -hace un mes se lanzó el segundo volumen; en EE.UU ya van por el cuarto- y no ha recibido ningún tipo de crítica por su contenido. Al contrario, esta historia en la que aparecen diversas escenas sexuales ha sido reconocida por la elegancia de su trazo y el respeto a su tratamiento del sexo en las viñetas. Es más, la protagonista principal es una mujer de carácter libre que vive con mucha naturalidad su sexualidad desde que descubrió los orgasmos en la adolescencia. Su capacidad orgásmica, junto a la de su pareja, les posibilita cometer crímenes al conseguir detener el tiempo.

“Creemos en la igualdad y nos esforzamos por asegurarnos de que retratamos a las mujeres de forma reflexiva y completa. No tengo ningún problema si a nuestro trabajo se le tilda de feminista. Al contrario, sería extraño si lo hiciera”, sostiene Chip. Además, según añade, “los dos estábamos de acuerdo desde el principio sobre cómo debemos tratar el sexo. Nunca está ahí para excitar al lector, sino para dar servicio a la historia. Además, amamos a nuestros personajes, por lo que queremos hacer lo correcto por ellos”.
De hecho, ambos autores son muy reconocidos por el público lector de cómics en EE.UU. Desde el principio, cuando el primer volumen de la serie sorprendió a todos. “Creo que fue una combinación de circunstancias aleatorias, suerte tonta y mucho trabajo duro. O quizás por todas las bromas que aparecen sobre el pene”, admite con sorna Matt. Pese a las quejas recibidas y la censura en bibliotecas y por parte de Apple, ambos creadores han seguido trabajando en la serie. Ya tienen preparado el quinto volumen, que se publicará en su país este año. Como ellos mismos señalan: “En realidad lo que queríamos escribir era un cómic romántico”.

domingo, 18 de marzo de 2018

Un cómic inmortal


El ya de por sí rico catálogo de la editorial Asiberri se enriquece aún más con la publicación de uno de los títulos capitales del noveno arte, nada menos que Mort Cinder, la obra maestra de Héctor G. Oesterheld y Alberto Breccia. Serializadas en la revista argentina Misterix entre 1962 y 1964, las aventuras del misterioso personaje que relata, una tras otra, anécdotas de su pasado al anticuario londinense Ezra Winston son un testimonio de cuán lejos puede llegar el cómic cuando se conjugan el poder fabulador de la palabra y la fuerza expresiva de la imagen. Esclavo en la construcción de la torre de Babel, espartano en la batalla de las Termópilas, marinero en un barco esclavista, recluso en una penitenciaría de Oklahoma en 1925, Mort Cinder no es un héroe, sino un testigo, la máscara que sirve a Oesterheld para dar voz a los humildes y los olvidados, aquellos que nunca figuran en los libros de historia. El escritor bonaerense, tristemente desaparecido durante la dictadura de Videla, nos legó un puñado de maravillas, de El Eternauta a Vida del Che, pero ninguna posee la grandeza plástica de Mort Cinder, dibujada como está por un Breccia en estado de gracia, con la suma justa de clasicismo y vanguardia, de perfección narrativa y experimentación formal (muy especialmente en el ámbito de las tintas). Y es que, tal como remarca Juan Díaz Canales en su introducción, "Breccia despliega un catálogo de recursos de entintado y de juegos de luces que nos dejan atónitos aún hoy en día, cuando creemos que ya lo hemos visto todo en el ámbito visual".

Esta joya inmortal ha conocido distintas ediciones en nuestro mercado, unas más acertadas que otras, y la de Astiberri destaca por su cuidado. Se ofrece una nueva y respetuosa rotulación y la mayoría de las páginas se reproducen a partir de escaneos directos de los originales de Alberto Breccia, de modo que la lectura se convierte en toda una experiencia, pues lo que antes era negro se transforma en una gradación de grises, revelándose texturas y matices inéditos hasta ahora.

sábado, 17 de marzo de 2018

ABC:Superlópez cumple 45 años



En 1973, Juan López Fernández, más conocido por su alias Jan, da vida a un personaje que ha marcado la historia del cómic español. Es Superlópez, una parodia al clásico superhéroe de DC Cómics, Supermán, pero pronto su creador le convierte en portavoz de causas y temas sociales de máxima actualidad.

La explotación de la gente en las minas de Sudáfrica, el chapapote, el reclutamiento de jóvenes por cédulas yihadistas, las hipotecas, los desahucios, la crisis económica mundial y el botellón, son algunos de los escenarios en los que el protagonista ha tenido que hacer gala de algunos de sus poderes: superfuerza, invulnerabilidad limitada, supersentidos o visión de rayos X.

Setenta álbumes publicados después, Superlópez cumple en este 2018 45 años y, para celebrarlo, la editorial Penguin Random House publica cuatro nuevos cómics del personaje, además del relanzamiento de algunas de sus aventuras en volúmenes para coleccionistas, como el «El gran libro de Superlópez», con la historia, anécdotas y curiosidades de este mítico personaje.

Inéditos

En cuanto a las historietas inéditas, el año de Superlópez comienza con «Nuevas aventuras de Mambrú», la segunda parte de «Mambrú se fue a la guerra, en la que nuestro héroe favorito tiene como misión abortar un atentado. En junio cuando verá la luz «Superlópez XXL», en el que tendrá que luchar contra la obesidad infantil.

Y en el último cuatrimestre del año, coincidiendo con el estreno de la película de «Superlópez», personaje encarnado por el actor Dani Rovira y se lanzará «Robinson», que trata sobre el aislamiento que produce el uso ininterrumpido del teléfono móvil. Además, el próximo Salón del Cómic de Barcelona le rendirá un sentido tributo.

viernes, 16 de marzo de 2018

Carlos Pacheco: cómic no ha tenido crédito social para ser considerado arte


El dibujante Carlos Pacheco (San Roque Cádiz, 1961), historietista afincado en EEUU, donde trabaja para la editorial Marvel en títulos superventas como 'Los Vengadores' o 'Los 4 Fantásticos', ha dicho hoy que "el cómic no ha tenido el crédito social suficiente para ser considerado arte con mayúsculas".

Una circunstancia que, en una conferencia pronunciada en la Real Maestranza de Sevilla en sus jornadas sobre arte contemporáneo, ha achacado a sus orígenes, ya que los destinatarios del cómic en sus comienzos fueron "los más desfavorecidos, sobre todo los inmigrantes recién llegados (a Estados Unidos) que no sabían ni inglés".

Pacheco ha recordado que los orígenes del cómic son los mismos que los del cine, en los albores del siglo pasado, "cuando el cine era mudo y la historieta también lo era".

La historieta sirvió también para "socializar a los inmigrantes dentro de la cultura anglosajona", según el dibujante, que ha señalado las décadas de los sesenta y los setenta como el periodo en el que "el cómic ya está absolutamente arraigado y forma parte de la cultura pop".

Pacheco, que ha acompañado su conferencia de diapositivas para explicar todo su proceso creativo y las peculiaridades de algunos de los grandes maestros del cómic norteamericano especializado en superhéroes, ha señalado que existe una particularidad que es exclusiva del cómic y del cine, pero que no es posible en la literatura, los silencios.

De ahí que haya considerado la elipsis como "la herramienta básica de la narración; lo que ocurre en ese 'pasillo' que va de una viñeta a otra".

"La historieta no es un género, sino un medio para contar cosas" y "cualquier cosa puede ser contada en una historieta", ha señalado el dibujante que da vida a personajes como Thor o el Capitán América.

Marvel "estableció un modo de dibujar superhéroes durante décadas" optando por "la pose extrema" de sus personajes como sistema para "convertir a seres humanos en seres casi mitológicos".

Pacheco ha señalado a Carlos Jiménez, autor, entre otros, de "Paracuellos", como el mejor historietista español de todos los tiempos" como un auténtico "mago de la narración", en este caso alejadísima de los superhéroes ya que "Paracuellos" cuenta la desgraciada vida de un niño, hijo de vencidos, en un orfanato de la posguerra española.

Como ejemplo de que en la historieta cabe cualquier tipo de narración ha enumerado los acercamientos que al cómic han efectuado escritores como Julio Cortázar, Paul Aster o Allen Ginsberg, mientras que son o han sido entusiastas de ese arte semiólogos como Umberto Eco o directores de cine como Spielberg.

"No hay un personaje endémico de la historieta, y el superhéroe ha encontrado otro nicho: el cine", ha asegurado para, sobre los clientes de Marvel, añadir que sus dibujantes no trabajan pensando en el público de "la América profunda", donde tienen menos seguidores que en países como China o Japón.

El primer superhéroe de cómic, Superman, es de 1938 pero fue con la cultura pop, ha explicado Pacheco, cuando este arte se integró en la denominada contracultura norteamericana, hasta el punto de que la revista "Rolling Stone" dedicó hasta cuatro portadas a los personajes de la Marvel en aquellos años. 

miércoles, 14 de marzo de 2018

El cómic de Paco Roca conquista Japón


El dibujante valenciano Paco Roca, un "enamorado" de Japón, vuelve a Tokio para conquistar el país asiático con la traducción de su novela gráfica "La casa" (2015) y un pase especial de la película "Memorias de un hombre en pijama" (2018), un "sueño hecho realidad" para el autor valenciano.
La atracción por lo nipón devuelve una vez más al ilustrador a Japón, donde ya estrenó su película "Arrugas" bajo el paraguas del afamado Studio Ghibli, y presenta ahora sus últimos proyectos, aunque según reconoce en una entrevista a Efe, "también para disfrutar del país".

"Siempre ha habido una mirada hacia Japón por parte de los autores actuales de novela gráfica, tanto por estética como, en mi caso, por temática", explica Roca, quien se declara fan incondicional del director Hayao Miyazaki ("El viaje de Chihiro") y el historietista Osamu Tezuka ("Astroboy").

Este ilustrador de 49 años ha logrado encontrar su hueco en el país del manga, a pesar de tener que competir con un mercado muy saturado de obras locales y con otras industrias más fuertes que la española, como la americana, la franco-belga o la alemana.

Para su editor en Japón e investigador del mundo del cómic Kosei Ono, los libros de Roca "son una excepción" en el país asiático, cuyo éxito se debe, según detalla, a las temáticas y personajes que utiliza.

"La obra de Roca es realista y analiza problemas sociales que también vive Japón, como son la vejez, además todo tipo de personajes pueden ser protagonistas", afirma Ono, quien también ha trabajado estrechamente con el catalán Miguel Gallardo ("María y yo").

La vejez es uno de los hilos conductores de "Arrugas" y "La casa", uno de los motivos de su éxito en Japón, donde se estima que para 2055 más de la mitad de su población supere los 65 años.

"Mis editores en Japón sólo han publicado estas dos obras, eso me hace pensar que hay una temática de mí que les gusta, aunque creo que ambas historias son universales", afirma Roca.

Aunque en ambas se encuentran elementos muy españoles, con referencias a la segunda vivienda o la Posguerra, lo que queda, según dice su autor, es "una historia muy universal sobre las relaciones humanas, la memoria y la búsqueda de la identidad".

Roca escribió "La casa", la historia de tres hermanos que no saben qué hacer con la vivienda familiar tras la muerte del padre, poco después de la muerte del suyo y el nacimiento de una de sus hijas, una historia que será llevada a la gran pantalla de la mano del productor y director valenciano Álex Montoya.

Según confesó durante su participación en un coloquio en el Instituto Cervantes de la capital nipona, "La casa" es una revisión de su obra "Arrugas", una novela gráfica más adulta y donde el humor no enmascara la tragedia de la muerte de un familiar.

"La gente solía pensar que los cómics eran para niños, pero Japón es un ejemplo de lo contrario, ya que esta industria ya trataba todo tipo de temas en los años 30, por eso también tiene éxito Roca aquí", afirma Ono.

Además de en la industria del cómic, el historietista valenciano también ha conseguido colar las películas basadas en sus novelas gráficas en Japón, donde el filme "Arrugas" sobre el Alzheimer fue galardonado con el Gran Premio Japan Prize 2012.

La última película fundada en sus cómics, "Memorias de un hombre en pijama" -todavía sin fecha de estreno en España-, fue presentada el pasado viernes, día 9, entre una gran expectación en el Festival Internacional de Anime de Tokio, con un pase especial, a la espera de su estreno mundial en el Festival de Málaga, detalla Roca.

El ilustrador participó desde un inicio en la dirección del filme, aunque finalmente decidió abandonarla por desacuerdos con los productores, "al no poder llevar la película donde quería".

"En el mundo del cómic tienes la libertad total, las únicas limitaciones son las tuyas propias como autor, pero en el cine es lo que puedes hacer con el dinero que tienes y lo que confíen los productores en ti", lamenta Roca.

Para el ilustrador, la clave de la industria es que sigue siendo "underground", lo que otorga a sus autores una libertad creativa total, aunque según dice, cada vez más personas se apuntan a leer novelas gráficas, a pesar de no lo haberlo hecho en la infancia.

"La industria del cómic ha evolucionado mucho en España y los autores son más conscientes de que el producto es muy exportable. Nunca se había publicado tanto cómic español fuera de España como ahora", concluye Roca.