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miércoles, 31 de julio de 2019

Un paseo por el arte a través de once autores de cómic


 ¿Pintas o dibujas? Un paseo por el arte de la mano del cómic es el título de la exposición que se inaugura hoy como aperitivo del salón Viñetas desde o Atlántico, que se inaugura la próxima semana. En esta muestra participan un total de once autores españoles de cómic que a través de sus trabajos establecen puentes con el mundo del arte clásico y contemporáneo.

La exposición, que podrá visitarse hasta el día 8 de septiembre, está pensada para ocupar espacios abiertos y vías públicas, por lo que se ha optado por situarla en la dársena de la Marina, en vez de an las salas que colaboran habitualmente con Viñetas desde o Atlántico.

martes, 30 de julio de 2019

RTVE:'El mal camino', el irresistible embrujo de un cómic marginal


En estos tiempos en que casi nadie se atreve a desafiar a lo políticamente correcto es un placer encontrarse con obras tan bestias, surrealistas, divertidas, marginales, e incluso tiernas, como El mal camino (Fulgencio Pimentel), la nueva e irreverente obra de la saga de la bruja Megg y el gato Mogg (Hechizo total, Oldies, Bahía de San Buho, Melancolía...), del dibujante underground Simon Hanselmann (Tasmania, 1982).

Uno de los cómics más frescos de la actualidad y de los pocos que recuperan ese espíritu subversivo del underground de los años 60 y 70, cuando podía pasar cualquier cosa en las páginas de un cómic. Cuando los dibujantes cuestionaban la sociedad a través de personajes que estaban fuera de ella (que es lo que pasa en esta historia).

Un cómic que el propio autor define como una mezcla entre Todd Solondz, Peter Bagge y Los Simpson. Y en el que, a pesar de que prima la comedia, tampoco faltan episodios depresivos. Y es que, a pesar de que parezcan muy marcianos, estos personajes son alter egos de su autor, que también los usa para hacerse preguntas sobre su vida y volcar sus frustraciones. Y que confiesa que empezó a dibujar cómics como una forma de terapia.

Una sitcom

Y es que la serie es casi como una sitcom televisiva que narra las desventuras de Megg, una bruja depresiva que usa poca brujería y muchas drogas, su novio Mogg (que es un gato que está todo el día fumado) y el búho Búho, sin olvidar personajes como tan divertidos como Werewolf Jones (un hombre lobo), el nigromante Mike y el monstruo asustaniños transexual Moco.

Una comedia generacional que gira en torno a la vida y que narra la convivencia de estos extraños personajes que no paran de consumir drogas y gastarse bromas pesadas, y que no para de ver maratones de series en la televisión. Y cuyo mayor entretenimiento es ir de compras al centro comercial.

Drogas, sexo bizarro, depresión, maravillosos diálogos y continuas sorpresas en uno de los cómics más políticamente incorrectos de la actualidad; y cuya frescura le ha valido el éxito en todo el mundo, pasando de ser un cómic marginal a uno de los más aplaudidos por la crítica y el público de numerosos países. Y cuya temática contrasta con su dibujo naif y casi infantil.

Y con unos personajes que, como Peter Pan, no quieren madurar. A pesar de que eso los conduzca a la autodestrucción.

Búho se va de casa

En este nuevo tomo, El mal camino, Búho decide marcharse de casa, porque está harto de las trastadas que le hacen sus propios amigos. Eso rompe el trío de protagonistas y deja un vacío enorme, sobre todo para Megg y para los lectores. Un acontecimiento que cambiará la vida de Megg y Mogg, pero que dará pie al autor a tratar temas tan serios como las familias desestructuradas, los amores imposibles, las crisis de pareja...

Sin olvidar otros temas, como el precario mercado laboral actual. Uno de los mejores episodios del libro es cuando Megg va a que le renueven la baja laboral por depresión, para poder seguir cobrando el subsidio. Los trucos de Megg para engañar al psicólogo que tiene que aprobar su baja son tan surrealistas que no podemos evitar soltar más de una carcajada.

El mal camino es un libro de transición, marcado por las malas decisiones de sus protagonistas, que parecen abocados al fracaso personal. Una espiral que parece dirigirse a un abismo infinito. Un aviso de que si Megg no deja ese camino que lleva estará abocada al fracaso. Ya veremos cómo sobreviven nuestros protagonistas en los próximos tomos (si es que lo hacen).

El autor más original del momento

Para entender la obra de Simon Hanselmann, hay que conocer su historia: Nació en Tasmania en 1982, hijo de una madre con problemas con las drogas y sin apenas recursos económicos. Lo que le llevó a refugiarse en el dibujo hasta que decidió huir a Londres y luego a Estados Unidos.

Por eso sus cómics son profundamente autobiográficos e incluso él se ha convertido en uno de sus personajes, ya que suele disfrazarse en las entrevistas en las que habla de las cosas más bizarras como el sexo entre hombres y perros. Un marginado que, sin embargo, ha logrado triunfar hablando de sí mismo y de sus problemas. Y cuyos cómcis han entrado en la lista de los más vendidos del New York Times.

Y debido a todas esas dificultades que padeció, Hanselmann está dispuesto a aprovechar la vida a tope, Aunque no tanto como sus desmadrados protagonistas. Por eso confiesa estar enganchado al dibujo, que le permitió soportar los momentos más duros de su vida y que sigue siendo su mejor terapia.

Estamos deseando leer ya las nuevas aventuras de esta fauna que, en el fondo, nos provoca tanta diversión como ternura.

lunes, 29 de julio de 2019

La exposición sobre el álbum 'Astérix en Italia' muestra su proceso de creación


Son muchas las cuestiones que hay que tener en cuenta a la hora de elaborar un cómic. Colores, técnicas, guión... Todo ello se une para conseguir el álbum perfecto. Este proceso de creación se puede conocer de primera mano en la exposición '¿Quieres saber cómo se hizo Astérix en Italia?', una muestra de más de 30 láminas que hacen un recorrido por los entresijos del del álbum número 37 de la famosa saga. La exposición, que ya recorrido varias ciudades de toda España, aterriza en Marbella con motivo de la Feria del Libro.

Estas láminas repasan todo el proceso creativo del cómic, que además es el último publicado por la editorial de Astérix, la francesa Dargaud, en 2017. Ésta empresa fue la encargada de escanear en alta definición los bocetos previos y las páginas terminadas del álbum, para crear una exposición en el formato original de la pagina de cómic. «Podemos ver como se va formando la imagen de los personajes, lo que se desecha o los dibujos simples. Son varias partes determinadas que reflejan la evolución de la obra», explica Germán Borrachero, director del Museo del Grabado Español Contemporáneo, que ofreció el pasado miércoles una conferencia sobre uno de los 'padres' de Astérix, René Goscinny. «Fue el fundador de la revista 'Pilote', que supuso toda una revolución en Francia y fue dónde mostró a Astérix por primera vez, en el año 1959».

Esta muestra, promovida por la editorial Salvat (encargada de comercializar estos álbumes en España), hace un repaso por el estilo de los cómics franco-belgas, que tienen varias particularidades, según apunta Borrachero. «La rotulación de las letras se hace a mano, por lo que es muy interesante ver el proceso». A esto se le suma el trabajo realizado a lápiz de color, muy usado en cómics «por facilidad»: tras dibujar en tonos celestes claros, se 'entinta' en negro, que permanece como único tono a la hora de escanear, por lo que no es necesario borrar el color celeste. «Todo este proceso lo podemos ver en la exposición, que es una delicia tanto para niños como para todos los que leemos los cómics de Astérix», comenta.

Estos conocidos cómics traspasaron fronteras en una época políticamente complicada. «Los cómics tenían buen talante, y creo que consiguieron despertar el interés por la Unión Europea a muchas generaciones», subraya Borrachero, que afirma que René Goscinny es «el Walt Disney de Europa».

El guionista francés fue el editor de Astérix hasta su muerte, en 1977. El otro padre de estos famosos álbumes, Albert Uderzo, fue el encargado de mantener viva la historia hasta su jubilación en 2013, cuando dejó al mando al guionista Jean-Yves Ferri y al dibujante Didier Conrad. «Su estilo es idéntico al de Uderzo, si no eres especialista no los distingues». Estos dibujantes preparan un nuevo álbum de Astérix que podría salir a la luz el próximo octubre, según apunta el director del MGEC.

viernes, 26 de julio de 2019

Alejandro Amenábar también se pasa a las series: adaptará el cómic 'El tesoro del Cisne Negro' para Movistar+


Parece que la relación entre Alejandro Amenábar y Movistar+ no se terminará una vez dado por finalizado todo el ciclo promocional de 'Mientras dure la guerra', su drama ambientado en los primeros meses de la Guerra Civil española. Y es que el director debutará en el mundo de las series con 'El tesoro del Cisne Negro'.

Basada en la novela gráfica homónima de Paco Roca ('Arrugas') y Guillermo Corral (al dibujo y guion, respectivamente), Amenábar se pondrá detrás de las cámaras para dirigir una miniserie de seis episodios con una historia inpirada en el caso de la Mercerdes y el pecio rescatado por la empresa cazatesoros Odyssey.

El cómic (que es uno de los mejores de 2018) está escrito desde el punto de vista de un diplomático del gobierno y una experta que deben lidiar con esta crisis, mientras investigan el origen de este tesoro y el barco hundido frente a las costas portuguesas. Todo esto deriva en una batalla jurídica que determinará, finalmente, la propiedad del tesoro encontrado.

La verdad es que la historia real ya da para su traslación a la pantalla al más puro estilo hollywoodiense y, de hecho, 'El tesoro del Cisne negro' (por unos 19 euros en Amazon) tiene un toque de género de aventuras "spielberguianas" fabuloso. Así que me alegro mucho de la adaptación, sobre todo si son capaces de trasladar ese espíritu del cómic a la pantalla.

Personalmente Amenábar no me termina de cuadrar (la historia es más "Bayona") pero, como siempre, habrá que esperar. De momento sabemos que tanto Paco Roca como Guillermo Corral (que, además, vivió en directo como diplomático este caso), estarán involucrados en el guion, lo cual es tranquilizador.

jueves, 25 de julio de 2019

ABC:Del cohete de Tintín al módulo lunar de Snoopy: los personajes de cómic que han estado en órbita


Al igual que pasa en la literatura y el cine, la Luna ha llamado la atención de los cómics. Desde sus mismos comienzos ha habido personajes que han querido viajar a nuestro satélite. Así, uno de los sueños del Pequeño Nemo de Winsor McCay le llevaba a la Luna, en un viaje fantástico en el que se nota la inspiración de George Méliès.

Otros intentaban ser menos fantásticos y más creíbles, menos Méliès y más Julio Verne. Hergé, que solía documentarse a fondo para sus tebeos, echó mano de la especulación científica de la época para poner en órbita a Tintín en «Objetivo: la Luna» y «Aterrizaje en la Luna». El resultado es una historia sin selenitas ni monstruos, en la que la tensión la ponen sabotajes, fallos mecánicos y escasez de oxígeno; un enfoque casi visionario, teniendo en cuenta que estas historias se publicaron antes del lanzamiento del Sputnik 1.

Además de científicamente acertados, estos dos álbumes son tan entretenidos como cualquier otro protagonizado por el célebre reportero. Seguramente por ello el cohete rojo con cuadros blancos creado por el profesor Tornasol es uno de los elementos más reconocibles de la iconografía tintinesca.

Un detective en el espacio

Una vez empezada la carrera espacial se desató la fiebre y las historias de ciencia-ficción se extendieron a los tebeos más inesperados. Hasta Dick Tracy acabó viajando al espacio y teniendo de nuera a una «Doncella Lunar», que fue víctima de un criminal cuando se vio que aquello no pegaba ni con cola en las aventuras de un duro policía de Chicago.

Y resulta curioso cuál fue el primer personaje de cómic que estuvo cerca de llegar realmente a la Luna, al menos en nombre: Snoopy. Charles M. Schulz era un gran admirador del programa espacial, colaboró con dibujos promocionales y dio permiso a la NASA para usar gratis la imagen de sus personajes, así que su famoso perro dio nombre al módulo lunar del Apolo 10 (que hizo un descenso a pocos kilómetros su superficie), cuyo módulo de mando se llamaba Charlie Brown. Aún hoy en día el módulo Snoopy sigue en algún lugar del espacio, orbitando el Sol, y la NASA continúa entregando los premios «Snoopy de Plata» a quienes contribuyan a mejorar la seguridad o el éxito de una misión.
Cuando Armstrong y Aldrin pisaron finalmente nuestro satélite, era inevitable que algún personaje de cómic les siguiera de cerca. Stan Lee hizo que los Cuatro Fantásticos evitasen un ataque de los alienígenas kree al Apolo 11 en el número 98 de su serie, publicado en mayo de 1970. Y no eran los únicos superhéroes que estaban allí, ya que años más tarde una historia de viajes en el tiempo puso a Hulk ante las mismas narices de Neil Armstrong. La Luna ha estado muy concurrida en los cómics de Marvel. En ella habitan los Inhumanos (más conocidos ahora por el batacazo de su adaptación en Netflix) y también Uatu, el Vigilante, un ser encargado de levantar acta de todo lo que sucede en la Tierra. Además, sobre su superficie se desarrolló –al menos en los cómics, no así en la reciente adaptación cinematográfica– la batalla que condujo al desenlace de una de las historias más importantes de los X-Men, «La saga de Fénix Oscura».

Firmado, Clark Kent

En comparación, DC ha prestado menos atención a la Luna, si bien la Liga de la Justicia tuvo allí su base durante algunos años, para gran fastidio de Batman, que nunca tuvo muy claro qué murciélagos pintaba él allí arriba, tan lejos de los oscuros callejones de Gotham. Sí que ha servido para ser deformada cuando alguien quería dejar un mensaje bien visible. Por ejemplo, el Joker –siempre dispuesto a montar un buen número– usó los inmensos poderes que obtuvo durante la serie «Emperador Joker» para poner su cara en la superficie lunar. Y hasta al mismísimo Superman no se le ocurrió mejor idea que grabar en ella un mensaje de despedida a la humanidad cuando creyó haber contraído un virus mortal durante una historia publicada en 1962; firmando, para colmo, como Clark Kent, lo que hizo que tuviera que borrarlo a toda prisa cuando todo resultó ser un mero catarro con extra de kriptonita. Como ven, la Luna ha dado mucho juego en los cómics, hasta haciendo las veces de «post-it» sideral.

miércoles, 24 de julio de 2019

El cómic y la ilustración, personajes principales en el IVAM a partir de 2020


La primera hemeroteca fanzinera de España abrirá sus puertas al público en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) en el año 2020. La colección de casi 4.000 fanzines, con la que cuenta actualmente la biblioteca del museo, será de acceso libre para investigadores tras el proceso de catalogación que está llevando a cabo el Eduardo Guillén Rodrigo, historiador del arte y experto en viñetas.

La fanzinoteca del IVAM cuenta con ejemplares muy especiales como el Zap Comix nº 0 de 1968, considerado uno de los primeros de la generación underground, o el Ademuz Km. 6 de 1975, uno de los primeros fanzines españoles y el primero del que se tiene constancia de Valencia, realizado por Sento Llobell y Micharmut. La colección también cuenta con una gran variedad de fanzines internacionales, tanto europeos como latinoamericanos y estadounidenses, destaca la institución cultural en un comunicado.

Gracias al apoyo de la Fundación Divina Pastora, que aporta 6.000€ para financiar el proyecto, en el mes de octubre se habrá logrado catalogar el 75% de la colección de fanzines donada al IVAM por el experto en cómics Álvaro Pons. “La fanzinoteca avanza a buen paso, a pesar de las dificultades que conlleva catalogar fanzines”, comenta Eduardo Guillén sobre estas publicaciones que nacen de la independencia, la libertad creativa y el espíritu contestatario.

Los fanzines, a lo largo de su historia, se han caracterizado por ser publicaciones efímeras que nacían, se leían y desaparecían. Es por ello que el trabajo documental resulta muy complicado. “No hay depósitos legales, faltan los ISBN, a veces tampoco se detalla la fecha de publicación o el autor ha firmado con un seudónimo”, explica Eduardo Guillén sobre la ordenación de la colección. La apertura de esta fanzinoteca en el IVAM “confirma la apuesta del museo por el cómic y la ilustración y la mayoría de edad de un género históricamente denostado que está viviendo una auténtica edad de oro de explosión creativa”, subrayan desde el museo.

martes, 23 de julio de 2019

Paco Roca, premiado en la Comic-Con de San Diego por ‘Los surcos del azar’


El éxito internacional de Paco Roca (Valencia, 1969) se ha visto refrendado una vez más al recibir el premio Inkpot en la prestigiosa Comic-Con de San Diego, la convención dedicada al universo de la historieta más importante de Estados Unidos y una de las más importantes del mundo. El dibujante y guionista valenciano ha recibido este premio en la 50.ª edición de la Comic-Con por la edición estadounidense de Los surcos del azar, que publicó originalmente en 2014 la editorial Astiberri y que narra las peripecias de “La Nueve”, la compañía formada mayoritariamente por soldados españoles republicanos exiliados que contribuyó a la liberación del París ocupado por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Fantagraphics, la editorial más importante del cómic de autor en el país norteamericano, ha sido el sello encargado de esta edición en inglés, y también publicó en su momento Arrugas, la novela gráfica que precipitó la fama mundial del autor español, que hasta entonces había trabajado mayoritariamente para el mercado francés.

El premio Inkpot se concede cada año a personalidades de muy diverso perfil por sus contribuciones al mundo del cómic. No solo lo han ganado profesionales estrictamente ligados al sector, sino también otros personajes como Steven Spielberg, Francis Ford Coppola o Arnold Schwarzenegger.

El próximo álbum de Paco Roca que verá la luz en Estados Unidos, de nuevo de la mano de Fantagraphics, será La casa, una de las obras más personales del autor —dejando aparte sus Memorias de un hombre en pijama, recién llevadas a la gran pantalla—, en la que narra con una gran sensibilidad la pérdida de su padre y cómo buena parte de sus recuerdos quedaron asociados para él y sus hermanos a la casa de verano de la familia. Según Publisher’s Weekly, la obra se encuentra entre las novelas gráficas más esperadas del otoño en Estados Unidos.


Españoles en los Óscar del cómic


En la Comic-Con de San Diego se entregan cada año los premios Eisner, el equivalente a los Óscar del mundo del cómic. En esta edición tres españoles que trabajan para el mercado americano han sido premiados. Julia Madrigal fue uno de los nombres destacados de la velada ya que se llevó, junto a John Allison y Max Sarin, dos Eisner a la mejor publicación de humor y a la mejor serie regular por Giant Days, sobre tres chicas universitarias, en la que ha participado como dibujante en sus últimos números. Gabriel Hernández Walta, que se ha hecho un hueco importante en Marvel, ganó el premio a la mejor reedición por The Vision, un reconocimiento que compartió con Tom King y Michael Walsh. Y, por último, Ken Niimura (Madrid, 1981), se alzó con la victoria en el apartado de mejor cómic digital por Umami. Por su parte, Lorena Álvarez, autora de Hicotea y Luces nocturnas, ganó el premio Russ Manning a una joven promesa y la librería sevillana Nostromo quedó como finalista en el premio Eisner Spirit, concedido a la mejor librería especializada en cómic del mundo, galardón que finalmente obtuvo la argentina La Revistería y que el año pasado se llevó la librería Norma Cómics de Barcelona.

lunes, 22 de julio de 2019

El célebre cómic Superman: Hijo Rojo tendrá una película de animación


Uno de los mejores cómics de Superman de todos los tiempos, y quizás la mejor historia What If? o alternativa del hijo de Krypton se hará película. Superman: Hijo rojo, la obra maestra de Mark Millar y Dave Johnson se convertirá en film gracias al nuevo proyecto de DC. Lo ha confirmado la propia editorial en la Comic-Con de San Diego, adelantando a los asistentes que será el primer gran proyecto en forma de largometraje de de DC Universe. Llegará en 2020.

Una obra maestra del cómic convertida en película

Durante años, el tebeo ha sido celebrado y querido por los aficionados al personaje, que han visto en sus páginas una de las historias más originales y cuya simbología y trasfondo ha sido imitado en posteriores obras sin tanta suerte. Hijo rojo plantea una dimensión alternativa en la que Superman no llega con su cápsula de salvamento a Kansas, sino que desembarca en la Rusia soviética de los años cincuenta.

Millar esboza un nuevo universo, en el que personajes y héroes como Wonder Woman, Batman en su versión más anarquista y Green Lantern, conviven y luchan entre ellos por sus propias cuotas de poder e ideales en mitad del régimen comunista. Cambiando el origen del personaje, y evitando que nazca en Smallville, Kansas o Estados Unidos, se crea un escenario completamente distinto, rico y muy particular.

"Se trata de un vívido retrato de la paranoia de la Guerra Fría, que revela cómo la nave que transporta al niño que más tarde será conocido como Superman aterriza en medio de la Unión Soviética de los años 50", explican desde DC Cómics de forma oficial en relación a la sipnosis del proyecto cinematográfico. "Criado en una comuna, este chico crece y se convierte en todo un símbolo para la población soviética, cambiando el mundo tal y como lo conocemos", apunta. De hecho, este es uno de los mejores ingredientes de Hijo rojo, que desdibuja el mundo como lo conocemos y creemos a día de hoy, transformándolo por completo, borrando fronteras, creando otras nuevas y diseñando un horizonte en el que Superman es un símbolo del comunismo, el poderío soviético y el pueblo.

miércoles, 17 de julio de 2019

RTVE:'Laura Dean me ha vuelto a dejar', un bellísimo y esperanzador cómic sobre las relaciones tóxicas


"Me llamo Freddy Riley. Tengo diecisiete años... Llevo prácticamente un año enamorada de una chica llamada Laura Dean. Es lo más duro que he vivido nunca"

Con esa frase tan descriptiva comienza Laura Dean me ha vuelto a dejar (La Cúpula), una de las novelas gráficas más maravillosas, emocionantes y desgarradoras de este 2019. La historia de una joven inmersa en una relación tóxica de la que, a pesar de que sabe que la está destrozando psicológicamente, no puede escapar. Y es que confunde el amor con otra cosa mucho más siniestra que puede llevarnos a perder nuestra propia identidad.

Un cómic de Mariko Tamaki (Hulka, Supergirl) y Rosemary Valero-O'Connell que habla de sentimientos muy profundos con tanta sencillez, naturalidad y belleza que es imposible no meterse en la cabeza de la protagonista y vivir la historia con ella en primera persona, sintiendo lo mismo que siente. Pocas veces hemos empatizado mejor con un personaje de ficción como con esta joven que no puede escapar de sus propios sentimientos.

Y es que mezcla Laura Dean me ha vuelto a dejar mezcla esa magia del primer amor con una historia sobre el paso de la adolescencia a la edad adulta que nos hace reflexionar sobre muchas cosas.

Sin olvidar que es un gran retrato de la juventud actual y de sus problemas como el bullying, la homofobia o los embarazos no deseados.

Un cómic que recomendamos a los lectores de la misma edad que las protagonistas (17-18 años), pero también a cualquiera que quiera disfrutar de unos personajes inolvidables y una historia apasionante. Sin olvidar sus alucinantes dibujos.

Me ha vuelto a dejar

El cómic cuenta la historia de Freddy (Frederica) Riley, una joven de 17 años que está enamorada de la chica más popular del instituto, Laura Dean, a la que idolatra a pesar de sus continuas infidelidades. De hecho la historia comienza el día de San Valentín, cuando Freddy sorprende a Laura engañándola con otra chica, en un día tan señalado. Lo mejor de todo es que, al día siguiente, es Laura la que vuelve a dejar a Freddy, por tercera vez, con una excusa bastante tonta.

Así comienza la desesperación de Freddy, que es tan infeliz cuando está con Laura como cuando no está con ella, porque se ha metido en una relación tóxica de la que no consigue escapar. Una relación en la que Laura le da migajas de amor para no perderla, para tenerla siempre disponible, mientras vive su vida y mantiene relaciones sentimentales con quien quiere. Una relación intermitente que amenaza con volver loca a Freddy.

Lo peor de todo es que ese amor tóxico también afecta al resto de la vida de Freddy y, sobre todo, a su relación con su mejor amiga, Doodle, que siempre la ha apoyado en sus peores momentos y a la que deja tirada cuando más la necesita.

También veremos cómo son las relaciones entre los otros jóvenes del instituto en el que hay problemas tan de actualidad como el bullyng, la homofobia o los embarazos de adolescentes.

Destacar que las autoras consiguen retratar a los personajes con gran naturalidad. Hasta usan el mismo lenguaje que los jóvenes de la actualidad, con constantes SMS que usan para todo, desde para reflejar sus sentimientos hasta para romper con sus parejas.

Dos grandes autoras

El cómic es un ejemplo de hasta donde se puede llegar cuando la comunicación entre guionista y dibujante es tan fluida como la de Mariko y Rosemary.

La canadiense, de origen japonés, Mariko Tamaki (Toronto, 1975) es una guionista que está triunfando en el cómic norteamericano gracias a sus historias, llenas de emoción y en las que suele estar presente el feminismo; por lo que editoriales como Marvel y DC han recurrido a ella para que escriba sobre sus superheroínas más famosas como Hulka o Supergirl. También es novelista y ha escrito mucho sobre el complicado mundo de la adolescencia en títulos como Cover me. Sin olvidar los cómics que ha escrito para que dibujase su prima, Jilliam Tamaki, como Skim y Aquel verano, en los que los protagonistas también son jóvenes. También ha escrito artículos feministas para grandes medios y por sus trabajos en el cómic ha conseguido los mayores premios de la industria, el Eisner y el Ignatz.

En Laura Dean me ha vuelto a dejar, la guionista consigue el difícil equilibrio de contar una historia emocionante sobre el amor, con ternura y honestidad pero, sobre todo, con verdad. Porque todo es tan natural que, a las dos o tres páginas ya parece que conozcamos a la protagonista de toda la vida. E incluso creemos que es real.

Lo mejor de todo es que, a pesar de la dureza de la historia, nunca cae en el sensacionalismo ni en la lagrimita fácil y siempre mantiene la esperanza en que se puede escapar de esas relaciones tóxicas. Y que una de las claves para conseguirlo son los verdaderos amigos, que siempre están ahí y a los que, a veces, no valoramos como debiéramos.

Parece mentira que esta sea la primera novela gráfica de Rosemary Valero-O'Connell (Minnesota, 1994), porque la belleza de cada una de sus páginas es apabullante. Con un estilo entre el manga y el cómic norteamericano, la autora logra que sus personajes parezcan vivos, a la vez que refleja en sus rostros lo que sienten y es capaz de dibujar, con una belleza exquisita, cosas tan difíciles como las manos o el pelo.  Sin olvidar que sus páginas están llenas de maravillosos detalles y singulares encuadres que nunca estorban a la narración. Y sus toques de color son fabulosos (aunque sea con un color tan difícil de aplicar como el rosa).

Rosemary debutó en el fanzine español Thermozero, porque se crió en Zaragoza. Posteriormente ha colaborado en cómics de tanto éxito como Leñadoras, Academia Gotham o Steven Universe. Y en 2018 fue nominada a dos Premios Eisner por su tebeo What is left.

Un cómic tan bello como emocionante, que trata con gran sensibilidad temas delicados, que es muy recomendable para los jóvenes (y para todo tipo de público) y que nos hace esperar con ansía los futuros proyectos de estas dos grandes autoras.


Enlace articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190717/laura-dean-vuelto-dejar-bellisimo-esperanzador-comic-sobre-relaciones-toxicas/1973280.shtml

martes, 16 de julio de 2019

Cine y cómic se conjuran para escenificar en octubre el espectacular regreso de Joker


La editorial DC ha contratado al maestro de cine de terror John Carpenter para guionizar el cómic 'El Joker: El año del villano', que será publicado el 9 de octubre. Por otro lado, el 3 de octubre, se estrenará el filme en el que Joaquin Phoenix lucirá la inquietante mueca del 'Príncipe del Crimen'.

A pesar de que este año se celebra el 80 aniversario de Batman, quien parece tener todas las cartas para triunfar este año es su inquietante némesis, The Joker. Ello acontecerá en un mes de octubre en el que coincidirán el esperado estreno el 3 de octubre de 'Joker -apadrinada por Martin Scorsese, dirigida por Todd Phillips y protagonizada por Joaquin Phoenix- y la publicación el 9 de octubre de un cómic de la editorial DC que girará en torno al temible payaso.

Uno de los puntos más relevantes de este cómic radica en que la trama ha sido firmada por todo un experto del cine de terror, John Carpenter. El director de películas tan referenciales dentro del género como 'La Cosa' o 'La Noche de Halloween', ha contado con la colaboración de Anthony Burch - con quien ya trabajó en 'Big Trouble en Little China: Old Man Jack', una seeucela en formato de viñetas basada en la conocida película de Carpenter 'Golpe en la pequeña China' (1986).

El propio cineasta ha afirmado que «el Joker es el mejor villano de los cómics. Estoy orgulloso de reunirme con Anthony en este proyecto». Por su parte, Burch, añadió que «estoy tan emocionado que no se puede describir con palabras lo que supone escribir sobre el villano más grande de Gotham City. Espero que las hazañas del Joker hagan reír, temblar y sentir náuseas al mismo tiempo».

El apartado artístico correrá a cargo de los ilustradores Philip Tan y Marc Deering y DC ya ha avanzado la portada de este cómic que se compone de 40 páginas y que lleva por título 'El Joker: El año del villano'.

Su trama arranca cuando otro conocido villano de la factoría DC, Lex Luthor, ofrezca un plan maestro al resto de villanos y cometa el grave error de no invitar al criminal de la sonrísa constante. No resulta difícil imaginar que este 'olvido' provocará en Joker un gran enfado, por lo que decidirá demostrar que no necesita de nada ni de nadie para montar por su propia cuenta su gran evento delictivo.

Una inquietante variación de 'El rey de la comedia'

Esta historia impresa de 'El Joker' podrá ser disfrutada a partir del próximo 9 de octubre, cinco después del estreno de 'Joker', una película apadrinada en la producción por Martin Scorsese y que ha sido dirigida por Todd Phillips, un cineasta especialmente destacado en la comedia gracias sobre todo a su exitosa saga 'Resacón' y a la excelente 'Juego de armas' (2016).

A pesar de estas credenciales, el filme promete ser especialmente crudo en su tratamiento de la violencia y recorrerá la caída a los infiernos de Arthur Fleck -Joaquin Phoenix-, un hombre gris cuya principal motivación en la vida es hacer reír a una sociedad que lo ignora y maltrata constantemente. Una premisa argumental que podría pasar por ser una variante retorcida y perversa del clásico de Martin Scorsese, 'El rey de la comedia' (1983).

Dicha conexión tiene su elemento más evidente en la presencia en el reparto de 'Joker' de Robert De Niro el cual confirmó que «hay una conexión clara entre ambas historias».

Este acercamiento a las penumbras que rodean el origen de personaje, es quizás uno de los aspectos más atractivos de un filme que respeta las credenciales del eterno enemigo de Batman: astuto, siniestro, despreciable y desconcertante.

El cineasta Todd Phillips aseguró que el villano encarnado por Joaquin Phoenix, es «una criatura grotesca en una ciudad corrupta. La paulatina pérdida de la esperanza de Arthur Fleck será el epicentro de esta historia y se traducirá en la violencia explícita que conlleva su evolución tras ser cruelmente señalado por la sociedad».

En este sentido, la opción elegida por Phillips también coincide con la historia que Alan Moore guionizó para la magistral novela gráfica 'The Killing Joke' (2009). Para Moore la destrucción moral de Joker se desarrolla en un contexto en el que resulta difícil discernir el bien del mal y ello provoca una conducta de violencia extrema que transforma al protagonista en un héroe trágico y grotesco.

lunes, 15 de julio de 2019

Una Historia (sentimental) del cómic


Un día, el dibujante José Luis Ágreda comenzó como un divertimento una práctica que acabaría reclamando toda su atención: decidió reinterpretar los personajes de cómic por los que sentía debilidad. Con ese homenaje, el creador no pretendía en un principio más que una distracción en las jornadas de trabajo, pero aquella idea se volvió más ambiciosa por sugerencia de Paco Cerrejón, que se topó en las redes con algunas de esas recreaciones y sopesó el enorme potencial que tenían. Ágreda se marcó así ofrecer una visión de la Historia del cómic, un proyecto en el que la exhaustividad y el rigor no dieran la espalda al componente sentimental. "El que se ve es mi canon. No quise que en ese repaso faltaran mis preferencias, los personajes que más me gustan", explica el ilustrador sobre las obras que conforman Ágreda: héroes de tebeo, la exposición que se puede ver hasta septiembre en la Casa de la Provincia.

En la muestra, que en los últimos meses recaló en varios municipios de Sevilla, el autor plasma la trayectoria "de toda una generación con la que comparto gustos. Esa generación que ha crecido leyendo a Vázquez y a Ibáñez en Bruguera, que disfrutó con Spirou o Tintín, que entró en la línea clara con autores como Daniel Torres y que encontró en publicaciones como el Víbora una educación elegida por ellos, que no venía de sus padres", señala Ágreda, que reconoce la influencia que han tenido en su universo propuestas como la argentina Mort Cinder, escrita por Hector Germán Oesterheld y dibujada por Alberto Breccia, o la más reciente Jimmy Corrigan, de Chris Ware.

Al valor que tienen las deliciosas interpretaciones que Ágreda hace de estos héroes de tebeo hay que sumar los textos que propone el escritor (y experto en cómic) José María Conget. El autor de Confesión general y El mirlo burlón cuenta entre otras historias los poco estimulantes comienzos de Tintín, que apareció en Le Vingtième Siècle, un "periódico belga de ideología católica y reaccionaria", y en sus primeras aventuras mostraba "las perversiones de la Unión Soviética" o "los beneficios que del colonialismo belga obtenían los ignorantes, feos y cobardes congoleños".

Otro espíritu bien distinto representaba Modesty Blaise, que "encarnó como nadie", en opinión de Conget, "la independencia, libertad sexual y liderazgo de las mujeres que el Londres de los Beatles, la minifalda y Carnaby Street exportó al resto de Europa en la década de los 60 del siglo pasado".

Los visitantes de Ágreda: héroes de tebeo se reencontrarán con viejos conocidos como Popeye, que en las tiras cómicas de Segar era "mucho más complejo, ingenioso o salvaje que todas sus versiones cinematográficas o televisivas y que las continuaciones en prensa o en comic-books de otros artistas"; Superman, al que Conget responsabiliza de "la plaga de superhéroes" que hoy sufrimos; o el agente secreto Anacleto, que "mantiene la tradición de la escuela Bruguera de personajes condenados al fracaso y a una relación venenosa con sus superiores, de los que es imposible arrancar un aumento de sueldo".

Conget, que destaca de Ágreda la "pasión inmensa" que siente por el cómic, así como "la considerable humildad de saber colocarse fuera de plano como quien rinde homenaje a personajes admirados y huye, por tanto, de protagonismo personal", señala entre otras cuestiones la paradoja de que "el mejor cómic del Oeste de cualquier nacionalidad es francés", El teniente Blueberry, y que el tándem francobelga formado por Goscinny y Morris mostró un absoluto respeto al far west con las entregas de Lucky Luke.

"Conget ha sabido captar muy bien ese elemento de juego que tienen estos trabajos: sus textos encierran una cultura increíble, pero también se disfruta mucho leyéndolos", celebra Ágreda, que ha reunido en esta recopilación a los personajes más diversos, un amplio abanico que va de El Capitán Trueno a Batman, de Corto Maltés a Astro Boy, de Adéle Blanc-Sec a Tank Girl. Un territorio de libertad en el que convivirán unos y otros hasta septiembre, cuando la muestra deje la Casa de la Provincia. "Es una pena que no se pueda sacar con un libro, pero por la cuestión de los derechos saldría carísimo", lamenta el dibujante, que en abril estrenó en los cines otro proyecto que puede entenderse como un homenaje, Buñuel en el laberinto de las tortugas, una película en la que ejercía de director de arte y que recreaba desde la animación el rodaje de Las Hurdes. Tierra sin pan.

viernes, 12 de julio de 2019

La voz a trazos de las mujeres del cómic en Granada


Cuando un foráneo piensa en Granada, lo habitual es que piense en los rincones más icónicos de la capital nazarí —la Alhambra, el Albaycín— atestados de una marabunta caótica de turistas desorientados y perdidos a lomos de esas monturas del siglo XXI que son los segway. La ciudad proyecta hacia el exterior multitud de eslóganes —“la Liverpool del sur de España”— y un sinfín de retruécanos que pretenden posicionarla como producto de mercado. Entre todo ese ruido, desde un tiempo hasta esta parte, una serie de voces femeninas han surgido con discursos muy heterogéneos entre sí, a través de un vehículo concreto, el cómic o la ilustración, un arte —el noveno— ligado históricamente a Granada.

A Juanjo Guarnido —Premio Nacional de Cómic en 2014 y ganador del Premio Eisner en 2015—, José Luis Munuera, Sergio García —que ha trabajado para The New York Times— y a tantos otros dibujantes —Enrique Bonet, Rubén Garrido, Jorge Jiménez—, se les han ido sumando ilustradoras y dibujantes como Belén Ortega, Ana Belén Rivero, Irene Márquez y Ana Müshell, entre otras tantas.

El origen de la vinculación de Granada con el cómic es incierto. La humorista gráfica Ana Belén Rivero (Granada, 1982), colaboradora habitual de El Jueves, en tono jocoso y con su sentido del humor característico, señala que es debido a que “antes hacía mucho frío y tocaba encerrarse a dibujar”. Rivero añade a continuación otro posible motivo: el hecho de que Granada es uno de los “destinos favoritos” de los estudiantes universitarios: “Tiene una buena escuela de arte, una facultad de Bellas Artes con un máster en ilustración y cómic, el Salón, el FicZone y tapas gratis, que para lo tiesos que solemos estar los dibujantes, es algo a tener en cuenta”.

Aunque las temáticas que abordan sean muy diferentes y sus discursos visuales sean distintos, las autoras sobre las que versa este reportaje tienen algunos aspectos en común. Uno de ellos, que empezaron a dibujar en edades muy tempranas. “Desde que tengo uso de razón”, señala Ana Belén Rivero. “Todos dibujamos de pequeños, ¿no? Yo seguí haciéndolo porque me divertía mucho”, sostiene Irene Márquez, manchega de Valdepeñas que ha fijado su residencia en la ciudad. “Desde pequeña, y nunca he dejado de hacerlo”, secunda Ana Müshell, jerezana de nacimiento.

El oficio del dibujante no es precisamente un campo abonado con euros. “Yo aún ando en la cuerda floja. Hay meses que va bien, entran varios trabajos, colaboraciones y publicaciones. Y luego hay otros que son de sequía total. Además, en este sector se cobra a los meses de haber entregado el trabajo o la factura”, señala Ana Müshell, colaboradora habitual de GQ España y que recientemente ha trabajado para Zara para una colección limitada llamada Women in Art Collection. “Definitivamente, no es una profesión fácil”, dice al respecto Ana Belén Rivero, que cuenta ya con tres libros en su haber, el último, Señora (Penguin Random House, 2018). Por su parte, Irene Márquez —colaboradora habitual de El Jueves como Rivero y profesora de guion de cómic— sostiene que “es una profesión que te pone a prueba, es dura y no puedes dormirte. A pesar de ello, cuando te dedicas a lo que te gusta es una maravilla. Compartes tu trabajo con tu vocación. Joder, no quiero ponerme cursi plasta, pero es lo mejor que hay”. 

LA IMPORTANCIA DE LAS REDES
Para todo creador y autor, las redes sociales son claves para el posicionamiento de sus trabajos. Ana Belén Rivero, que cuenta con más de 50.000 seguidores en Instagram, se muestra cauta, aunque afirma que han sido “fundamentales” en su trayectoria. Sin embargo, considera que las redes son un arma de doble filo: de la misma manera que pueden ayudarte a obtener trabajos, también te condicionan y limitan. “Cada vez me autocensuro más porque tengo que hacer el esfuerzo mental de pensar a quién puedo ofender y la turra que me tocará aguantar, y es una pena, porque es tan fácil como dejar de seguir algo si no te gusta”, cuenta.
Ana Müshell cuenta con más de 10.000 seguidores en Instagram, una red comprada hace siete años por Facebook y que no ha dejado de crecer. “Para mí es una herramienta de trabajo fundamental. Casi todo lo que me ha entrado de colaboraciones y encargos a nivel profesional, todo el contacto con empresas y agencias de publicidad, ha sido a través de Instagram”, comenta.

Irene Márquez también comparte esta idea: “Soy muy activa en redes, y muy partidaria de que todas las personas que quieran dedicarse al cómic y la ilustración las utilicen. Son una plataforma publicitaria gratuita, sirven como porfolio online y también para descubrir y seguir el trabajo de personas de cualquier parte del mundo. También crean adicción y merman tu capacidad de concentración. Son todo ventajas”.

El trabajo de Ana Belén Rivero e Irene Márquez viene cargado de altas dosis de humor incatalogable. Rivero destaca que en sus dibujos hay una mirada hacia dentro, hacia el interior, una línea que “tira mucho de lo autobiográfico”. De hecho, su primer libro —Somos pobres en euros pero ricos en pelos del coño (autoeditado, 2014)— surgió de una broma que acabó haciéndose viral. A partir de ahí empezó a improvisar viñetas sobre situaciones cotidianas que se pueden vivir con la vulva. “Es más fácil ponerte en el ojo del huracán para no ofender a nadie que no seas tú mismo. Pero si me toca hacer humor político, me apetezca o no, lo hago”.

Por su lado, Irene Márquez destila a galones humor negro en su tira cómica “Te has pasado” en El Jueves: “Siempre me ha gustado el humor negro de forma inconsciente. Creo que cumple una función catártica. Es una especie de risa nerviosa ante algo que nos aterroriza, lo hacemos para quitarle carga”. Sin embargo, le ocurre algo distinto con las viñetas que tocan asuntos de actualidad política, que enfoca hacia la sátira. “Una caricatura agranda los defectos para que todos los vean. En ese caso, veo el humor como un arma que sirve para despreciar algunas cosas, para mostrar mis dudas sobre otras y, sobre todo, para intentar sacar al debate público estos temas”.
Ana Müshell publicó en 2017 su primer libro, la novela gráfica Pink Mousse (Ediciones Hidroavión, 2017), escrito e ilustrado por ella. Müshell suele retratar personajes que se sienten perdidos, le gusta hablar de los días raros y los momentos en los que hay algún tipo de introspección o búsqueda, habitaciones desordenadas llenas de discos, libros, ventanas y personajes aislados del exterior. “Estos personajes suelen ser mujeres porque me identifico con muchas de las figuras femeninas que dibujo, sus problemas, lo que piensan... me comunico a través de ellas, de sus miedos, sus problemas y de la ansiedad que demuestran”, explica. 

FEMINISMOS SIN CLICHÉS
Un aspecto que no comparten es cómo responden a la ola feminista que se vive desde 2018. Ana Belén Rivero se muestra ilusionada con el auge del feminismo y que haya llegado para quedarse, aunque critica que haya quienes lo usen como si fuera “su cortijo para capitalizarlo y vivir de él, tote bags y camisetas con consignas de todo a cien mediante”. Existe el riesgo, afirma, de que “la lucha se disipe y se convierta un poco en chiste”. Ana Müshell habla de algo que realmente siempre ha existido, pero que ahora tiene una visibilidad “brutal y necesaria”. Por su parte, Irene Márquez esboza una visión crítica: “Yo, lo cierto, es que no soy una feminista ejemplar, vivo más en la duda y la discordia que en la afirmación y la pancarta. No tengo las cosas nada claras y me gusta hacer el esfuerzo de pensar, aunque no llegue a nada. Y me parece que el humor gráfico siempre ha sido una forma brillante de poner de manifiesto reflexiones, callejones sin salida, dudas... Yo prefiero seguir ahí”.

Ana Belén Rivero, Irene Márquez, Ana Müshell son muestras de la heterogeneidad, diversidad y buena salud por la que pasa el cómic y la ilustración en Granada y, por extensión, en Andalucía. Sin embargo, hay muchas más, como Irene Díaz y Laura Moreno (Xian Nu Studio), Lolita Aldea o Belén Ortega. Esta última cuenta con una proyección imparable en la industria del cómic y una trayectoria que comprende Himawari (2017, Planeta), un trabajo de influencia japonesa que trata sobre la venganza, pasando por el tebeo Marc Márquez: la historia de un sueño (2016, Norma) y Millenium (2017, Norma).

jueves, 11 de julio de 2019

Drácula-el cómic de culto de Thomas y Mignola que reaparece 20 años más tarde.


En 1992 se estrenó la versión cinematográfica de Drácula de Bram Stoker, una magnífica película dirigida por Francis Ford Coppola con un estilo único y memorable. Coincidiendo con su lanzamiento, dos grandes del cómic como son Roy Thomas y Mike Mignola crearon su adaptación al cómic maravillando a crítica y público. Por desgracia, ciertos temas legales han impedido su reedición en los últimos 20 años, convirtiendo la obra en leyenda y las copias existentes en preciados tesoros.

Por fin, tras más de dos décadas, vuelve a estar disponible esta gran obra. En un formato ampliado, en blanco y negro, y con escaneos del arte original de Mike Mignola como complemento, presentamos esta edición especial para que nuevos lectores descubran este clásico perdido en el tiempo

Drácula-el cómic de culto de Thomas y Mignola que reaparece 20 años más tarde.

miércoles, 10 de julio de 2019

RTVE:'Swordquest', la primera experiencia multimedia del cómic y los videojuegos


Actualmente se habla mucho de experiencias multimedia entre el cine, los videojuegos, internet... pero una de las primeras experiencias en ese sentido fueron los famosos mini-cómics que acompañaron al mítico videojuego Swordquest de Atari, en el ya lejano 1982, unos cómics que contenían pistas para terminar los videojuegos y que, además, contaban una historia en sí mismos. Unos tebeos míticos que, casi cuarenta años después, Planeta Cómic recupera en un estupendo tomo Atari Classics: Swordquest.

Hagamos un poco de historia: Atari fue fundada en los Estados Unidos en 1972 por Nolan Bushnell y Ted Dabney, y se considera la fundadora de la industria del videojuego, gracias al PONG, una de las primeras consolas de videojuegos que se podía conectar a la televisión.

A principios de los años 80 dominaban totalmente el mercado de videoconsolas caseras y su éxito fue tal que su personajes también saltaron al mundo de los cómics (en 1982) con la serie Atari Force (DC Comics), con guión de Gerry Conway (Spider-Man) y Roy Thomas (Conan) y dibujos de grandes artistas como Ross Andru, Gil Kane, Dick Giordano y Mike DeCarlo. Aunque la serie alcanzaría sus mayores cotas de calidad en su segunda etapa (1984-1985) cuando la dibujó el gran artista español José Luis García-Lopez.

Pero, como decimos, el mayor proyecto de la época fue el videojuego Swordquest, que se lanzaba acompañado de esos minicómics que aportaban pistas a los jugadores y que incluía un acertijo para optar a una serie de premios, valorados en 150,000 dólares de la época. Un genial intento de llevar a los videojuegos más allá de las pantallas.

Videojuegos y cómics

Hay que reconocer que los creadores de la Atari 2600 se lo curraron. Fue su imaginación la que hizo posible que de aquellos 128 colores y un puñado de ruidos surgiera un mundo tan rico como el de Swordquest. Y es que, junto con otro famoso videojuego (En busca del Arca perdida), Swordquest fue el primero en combinar elementos narrativos y de lógica.

La saga de Swordquest era muy ambiciosa porque iba a constar de cuatro videojuegos (cada uno de ellos basado en uno de los elementos: tierra, fuego, agua y aire) que venían acompañados de esos cómics que explicaban la historia y, además formaban parte de la solución a un juego de pistas. Un juego que iba a tener como colofón una competición en las oficinas de Atari, con esos jugosos premios de más de 150,000 dólares.

Sin embargo, la gran crisis del videojuego de 1983 hizo que solo se publicaran tres de los cuatro videojuegos previstos y se suspendiera esa competición. Y, además, el cómic quedó incompleto a falta del cuarto y último capítulo, que nunca llegó a publicarse. Por lo que la historia quedó incompleta tanto en el videojuego como en el papel.

Un proyecto que podía haber hecho historia pero que ahora se ha quedado como un preciado objeto de coleccionistas.

Un gran cómic

Los libros de cómic fueron producidos por DC Cómics y hay que reconocer que recurrieron a los mejores autores de la época. Fueron escritos por Roy Thomas y Gerry Conway (también autores de los cómics de Atari Force), y dibujados y coloreados por dos mitos del cómic americano: George Pérez y Dick Giordano.

El cómic cuenta la historia de dos hermanos mellizos, un chico y una chica (Torr y Tarra), que eran hijos del mayor guerrero de Eatrhworld, un país gobernado por el cruel rey Tyrannus. El brujo Konjuro asegura al Rey que esos niños le arrebatarán el trono algún día, por lo que el rey ordena su asesinato. Solo el sacrificio de los padres de esos dos hermanos hará posible que sobrevivan y, una vez que se hacen adultos, se convertirán en ladrones. Hasta que son descubiertos y tendrán que cumplir con la profecía, para lo que deberán encontrar varios objetos mágicos que le permitan vencer al tirano.

El primero de los cuatro juegos se desarrollaba en Earthworld, giraba en torno al zodiaco y el premio que se conseguía al finalizarlo era un talismán. El segundo tenía lugar en Fireworld, con la cábala y el Árbol de la vida como trasfondo y un cáliz dorado como recompensa final. Y Waterworld exploraba los siete chakras a la búsqueda de una corona.

Lamentablemente el cuarto y último juego, que debía ambientarse en Airworld, nunca llegó a realizarse. Y tampoco el cómic. El tesoro que había que conseguir era la piedra filosofal que, junto a los otros tesoros, daría acceso a la espada que daba título a la serie (Swordquest).

Algunos de los mejores autores de Marvel y DC

Destacar, como decimos, el equipo de la serie,  que firmó algunos de los mejores cómics de la historia de Marvel y DC. Gerry Conway escribió una de las historias más impactantes de la historia de Spider-Man: La muerte de Gwen Stacy, además de ser el co-creador de The Punisher (El Castigador).

Más importante es aún Roy Thomas, que sustituyó a  Stan Lee como editor de Marvel y escribió casi todas las series de la compañía, destacando su trabajo en Conan el Bárbaro. Precisamente, cuando escribió Swordquest, acababa de regalarnos una de las mejores historias de la serie: La saga de Conan y Belit, la Reina de la Costa Negra. Uno de los grandes de la fantasía heroica en el cómic.

También son genios los dibujantes de la historia: Dick Giordano (1932-2010) es uno de los mejores dibujantes de la historia de DC y famoso por sus colaboraciones con Neal Adams en Batman, Green Arrow o Green Lantern. También fue un importante editor de DC Cómics, cargo en el que figura en este tebeo.

Pero, sin duda lo más destacado del cómic es el dibujo de George Pérez, que estaba en una de las mejores etapas de su carrera. Pérez está considerado el mejor dibujante de Los Vengadores (Marvel) y de Los Nuevos Titanes (DC) y es famoso por ser uno de los artistas que más personajes es capaz de meter en una ilustración, de forma coherente.

Justo después de Swordquest, Pérez haría historia con la serie Crisis en Tierras Infinitas (1985), una de las más importantes de toda la historia de DC Comics y con la que reescribiría la historia de su universo de ficción, acompañado del gran guionista Marv Wolfman (Nuevos Titanes) y también ayudado por Dick Giordano.

Sus dibujos en esta serie son maravillosos, están a la altura de sus mejores trabajos. Y los personajes mitológicos que pueblan sus páginas parecen avanzar otra de sus obras maestras, su estupenda etapa en Wonder Woman, en la que se encargó del guión y el dibujo y devolvió a la amazona a la grandeza.

Además de la miniserie original de tres episodios, este cómic incluye otro minicómic: La venganza de los Yars, y una galería de portadas con ilustraciones de George Pérez que no llegaron a utilizarse.

Un cómic estupendo que fue pionero en muchas cosas, que descubrirá un mundo emocionante a los nuevos lectores y que nos hará añorar aquellos juegos de Atari a los más veteranos. 


Enlace  articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190708/swordquest-primera-experiencia-multimedia-del-comic-videojuegos/1968760.shtml

martes, 9 de julio de 2019

El último cómic de Paco Roca transcurre en el IVAM


ha abordado la enfermedad del Alzheimer ('Arrugas'), la historia de la Nueve, la unidad militar formada por los españoles que contribuyeron a liberar París en 1944 ('Los surcos del azar'), la muerte y la ausencia del padre ('La casa') y hasta el expolio del patrimonio artístico como el caso Odyssey ('El tesoro del cisne negro'). El dibujante valenciano tiene en su trayectoria títulos que contribuyen a engrandecer el arte del cómic y a acercar las viñetas a un público amplio y diverso. 

En 'Diario de El Dibuixat' el Premio Nacional de Cómic narra en viñetas cómo surgió el proyecto de la exposición, desde el encargo del director del museo, José Miguel G. Cortés, hasta el proceso creativo (reflexiones e inquietudes alrededor de la ilustración) sin olvidar la exposición en la galería 6, que concluyó el pasado 30 de junio.

con la firme voluntad del autor de salir de su zona de confort y de no plantear una exposición al uso. El dibujante habla de «sudor frío» y de «no tener claro los cimientos» de la muestra. Por las viñetas figuran el personal del IVAM que colaboró en la exposición, el director del centro cultural, el comisario de la muestra, Álvaro Pons, y también se recrean instalaciones del IVAM, como los almacenes donde se custodian los fondos artísticos.

El cómic se complementa con un apartado que sirve de catálogo de con fotografías de la exposición del dibujante valenciano en la galería 6 del museo. Los textos y los dibujos son obra de Paco Roca y cuenta con fotografías exclusivas de Juan García Rosell, fotógrafo del IVAM. Se trata de una cuidada edición a color de 24 páginas limitada a 1.500 ejemplares. 
La edición de este cómic es el colofón a la exposición de Roca, «que ha tenido una gran acogida de público y critica», según fuentes del IVAM. Además de esta colaboración el dibujante valenciano ha cedido al museo el diseño de una camiseta que celebra los 30 años de su existencia. Tanto la camisetas como el cómic, que saldrá a la venta con precio especial de tres euros hasta agotar existencias, se pueden adquirir en el mismo museo y la página web del centro cultural.

La historieta, como sucedió también con la exposición 'El dibuixat', es un proyecto artístico y reflexivo. Atractivo para los seguidores del dibujante valencianos, interesante para los amantes de la viñeta y estimulante para los retóricos del cómic. No deja de ser un recorrido por la mente de Paco Roca cuando se pone a crear y a pensar. Para el autor de 'El invierno del dibujante', las viñetas representan su forma de estar en el mundo. Su oficio y su vida.

lunes, 8 de julio de 2019

Paco Roca: “Un cómic del éxito de 'Arrugas' te hace sombra y tienes que reinventarte”


Es el autor de 'Arrugas', 'Memorias de un hombre en pijama' o 'El tesoro del Cisne Negro' entre otros muchos cómics. Como el propio Paco Roca reconoce, ha tocado muchos géneros a lo largo de su obra, a veces de aventuras, otras nostálgica, otras cómicas y sobre la madurez. “Ser el Paco Roca de muchas cosas está bien” asegura el propio autor. “A 'Arrugas' le debo mucho, me permitió dedicarme exclusivamente a los cómics y dejar el mundo de la publicidad. Se ha publicado en medio mundo y eso me llena de satisfacción pero es verdad que te hace un poco de sombra, y buscas conseguir algo que te haga destacar más allá de esa obra” reflexiona sobre un tebeo que ha sido todo un éxito de ventas. “Siempre es difícil porque el éxito o el fracaso son resultado de un cúmulo de cosas”.

Un mercado que siempre trata de captar el mundo del cómic es el juvenil. Por ello, le preguntamos a Roca qué le diría a un niño para convencerle de que compre producto europeo y no se vaya a por la grapa de la Patrulla-X o Los Vengadores: “Hay de todo. En el manga hay cosas interesante, en el mundo de los superhéroes hay cosas interesantes, y en el europeo no todo es bueno” reflexiona el creador de historietas. “Yo me crié leyendo historias de superhéroes como Spider-Man, pero luego descubrí el cómic europeo, y es verdad que me llenó mucho más. No sé si por el formato, el tipo de historias, el tipo de dibujo, que los temas eran mas cercanos... No sé qué fue, pero contacté mucho más”.

En la película de 'Memorias de un hombre en pijama' Paco Roca aparece acreditado como colaborador, pero al preguntarle por su implicación en el proyecto nos deja entrever que la cosa no acabó muy bien: “Estuve trabajando durante la fase de preproducción, pero el mundo del cine es diferente al del cómic. En el cómic estas tú solo y la única limitación que tienes eres tú como autor, hasta donde puedas llegar. En el cine es lo mismo, más un montón de intereses, más el tema del dinero, y hay mucha gente. Si las cosas no salen bien cada uno rema en una dirección diferente. En el caso de 'Memorias' no me sentía cómodo con el camino que estaba tomando la historia, no digo que estuviese mal, pero no es el que me hubiera gustado” reconoce Roca sobre su salida de la adaptación al cine de su saga de novelas gráficas.

Y es que Paco Roca está más de actualidad que nunca porque, en la reciente Feria del Libro presentó la nueva edición de 'Los surcos del azar', una obra sobre la historia de La Nueve, una división del ejército aliado que luchó contra los nazis en la Segunda Guerra Mundial y que estaba compuesta mayoritariamente por excombatientes republicanos de la Guerra Civil. ¿Cómo se le da la vuelta al 'guerracivilismo' y se cuenta una historia original sobre esas décadas hoy en día? “Desde el desconocimiento y por el querer saber algo más” aclara Roca. “En España nos hemos dejado atrás historias que son muy interesantes y que en cualquier país se contarían” explica el autor que matiza que “el problema de la memoria histórica es que está politizada”. “Si dices esto, eres de derechas, y si dices lo otro, eres de izquierdas. La lucha contra el fascismo es la lucha contra el fascismo”, concluye.

jueves, 4 de julio de 2019

'Esta mierda me supera', un nuevo cómic de Forsman adaptado a la TV por Netflix


Esta mierda me supera es el último cómic de Charles Forsman y Netflix ya prepara una serie sobre la obra, tras el éxito que alcanzó la adaptación televisiva de The End of the Fucking World, la primera novela gráfica del autor estadounidense.

Con Esta mierda me supera, que acaba de publicarse en España de la mano de Roca Editorial, Forsman ahonda en su interés por retratar las frustraciones de la adolescencia y, aunque el autor reconoce que su trabajo "a veces es involuntariamente cómico", su última novela gráfica ofrece una nueva aproximación a los desencantos de la pubertad con un relato que "es más drama que otra cosa", según explicó a la agencia Efe .


La serie de Netflix adoptará el título original del cómic, I Am Not Okey With This, y contará en la dirección con Jonathan Entwistle, que ya estuvo al frente de The End of the Fucking World. Estará protagonizada por Sophia Lillis y Wyatt Oleff, un reparto del agrado de Forsman, que cree que "la amistad en la vida real" de ambos intérpretes favorecerá "la autenticidad en la serie".


Esta mierda me supera sigue los pasos de Sydney, una quinceañera depresiva, enamorada de su mejor amiga e incapaz de convivir con su madre. Sydney, además, esconde un secreto más allá de sus problemas: es capaz de transformar toda su rabia contenida en manifestaciones de dolor físico hacia los demás.

miércoles, 3 de julio de 2019

El cómic ‘The Sandman’ de Neil Gaiman se convertirá en serie en Netflix


La historia de The Sandman, uno de los cómics más populares y considerada una de las mejores obras de su autor, Neil Gaiman, se había resistido hasta ahora a las adaptaciones audiovisuales. Hasta que ha llegado Netflix. Según publican medios estadounidenses como The Hollywood Reporter, la plataforma online y Warner Bros. Television han llegado a un acuerdo para adaptar estas historietas a una serie de imagen real.

Aunque el acuerdo no es oficial todavía, The Hollywood Reporter cita fuentes cercanas que aseguran que será la serie más cara de DC Entertainment (empresa perteneciente a Warner Bros). Allan Heinberg (guionista de series como Anatomía de Grey y The Catch y de la película Wonder Woman) será el responsable de la serie, mientras que Gaiman se mantendrá como productor ejecutivo junto al guionista David Goyer.

Ya había habido varios intentos de trasladar esta historia de fantasía, terror y mitología a la pantalla, pero todos habían fracasado. En los años noventa se intentó adaptar en forma de película en un proyecto que fue pasando por diferentes guionistas durante los noventa y primeros 2000, pero que terminó quedando en nada. El propio Gaiman anunció en 2013 otro intento de convertirlo en película con Joseph Gordon-Levitt como protagonista y director. Pero terminó abandonando el proyecto en 2016 alegando "diferencias creativas" con el estudio.

Según The Hollywood Reporter, el proyecto de serie de The Sandman se llevó a varios canales y plataformas, incluido HBO, que lo rechazó por el alto precio que suponía. A pesar de que Neil Gaiman tiene un acuerdo con Amazon Prime Video para crear series en exclusiva, finalmente fue Netflix quien se hizo con The Sandman. Gaiman acaba de estrenar en Amazon la miniserie que adapta la novela que escribió junto a Terry Pratchett, Buenos presagios (Good Omens). Además, está involucrado en la versión televisiva de su novela American Gods, que cuenta con dos temporadas.

martes, 2 de julio de 2019

RTVE:Los Fraguel regresan en un cómic

El centro del universo es un lugar maravilloso, excavado en la roca, llamado Fraguel Rock”. Seguro que muchos de vosotros habéis retrocedido a vuestra infancia al leer esta frase con la que se iniciaban los episodios de Fraguel Rock, la mítica serie de televisión de Jim Henson que se emitió de 1983 a 1987 (y que pudisteis ver en La 2 de TVE). En esos años fueron tan populares que hasta Marvel publicó un tebeo con sus aventuras.

Y ahora se recupera una joya que se publicó en Estados Unidos hace 5 años, la miniserie Los Fraguel: Viaje al gran manantial (Medusa Kids), en la que nuestros muñecos favoritos viajarán hasta donde ningún Fraguel ha llegado nunca antes (salvo quizás el tío Matt, el viajero) . Un divertido viaje durante el que visitarán escenarios realmente espectaculares y conocerán a un poblado de singulares personajes.

Una historia escrita por la guionista superventas del New York Times Kate Leth (también escritora del cómic de Eduardo Manos tijeras) y dibujada por el gran artista Jake Miller (Orphan Blade, Chip y Chop, Monstruos S.A.). Sus páginas son realmente fantásticas, destacando la gran expresividad de los personajes y el maravilloso abanico de colores.

“Vamos a jugar…”

Seguro que muchos ya estáis cantando eso de “Vamos a jugar, tus problemas déjalos…” y es que este cómic es pura diversión, e ideal para que los padres (que disfrutaron de los originales) lo compartan con sus hijos (que se enamorarán de esta nueva versión).

La historia comienza cuando el agua deja de llegar a Fraguel Rock, la ciudad subterránea donde viven estos simpáticos seres (bajo la casa en la que el anciano Doc reside con su perro Sprocket). Ni siquiera los trabajadores curris saben qué puede haber pasado. Así que Gobo, Musi, Rosi, Dudo y Bombo tendrán que emprender un largo viaje hasta un lugar legendario ¡El Gran Manantial!

Por el camino se encontrarán con criaturas aterradoras, lugares tan bellos como las alucinantes cuevas de cristal… y con un poblado de nuevos y curiosos personajes.

Además, entonarán canciones tan divertidas como las de la serie y lanzarán mensajes positivos a los niños como el consabido “solo no puedes, con amigos sí” y potenciarán otros valores como la amistad y el respeto por los demás.

Porque, como pasaba en la serie, el cómic parte de la idea de que todos estamos conectados y dependemos de los demás, de una forma o de otra. De ahí la importancia de que colaboremos.

"La raza tonta"

Por supuesto, en esta aventura no faltará una carta del tío Matt, ese viajero incansable que recorre el mundo exterior (el nuestro) describiéndonos a los humanos y a nuestras costumbres bajo un punto de vista tan original y divertido que terminaba demostrando lo ridículos que somos. Por eso los Fraguel se referían a nosotros como “La raza tonta”

Unas criaturas que siguen siendo bastante hippies, que hicieron las delicias de toda una generación, y que vuelven dispuestos a conquistar a los niños de hoy en día

Esperemos que el cómic tenga el suficiente éxito para que se recuperen otras series de Los Fraguel que también merecen mucho la pena, como Fraguel Rock: Monstruos del Espacio Exterior (¿A que el título ya os ha puesto los dientes largos?).

La edad dorada

Los Fraguel nacieron en 1983 y duraron cuatro temporadas, hasta el 87, con un total de 96 episodios emitidos, que conquistaron a toda una generación de niños.

Además de los Fraguel, los curris, Doc y su perro Sprocket, otros personajes recurrentes eran los gigantescos Goris y la Señora Montaña de Basura, un ser hecho de residuos que ponía un toque ecológico en la serie, mucho antes de que estuviera de moda.

El éxito de Fraguel Rock fue instantáneo y se convirtió en una de las series emblemáticas de los años 80 (nos extraña que todavía no se haya hecho un remake), además de generar toneladas de merchandising de todo tipo.

Un cómic que se apunta a esa revisión de los ochenta pero con un punto de vista fresco y divertido que encantará tanto a los fans veteranos como a los nuevos.


Enlace articulo original:  http://www.rtve.es/noticias/20190630/fraggel-regresan-comic/1962320.shtml

lunes, 1 de julio de 2019

Arabia Saudí, la nueva 'Meca' del cómic manga


A simple vista, sus trazos parecen llegados directamente del país del sol naciente. Cualquiera diría que son nipones hasta la médula. Salvo por la facha de sus personajes. En sus armarios no hay rastro de yukata ni kimono. Reinan la túnica blanca para ellos y la negra para ellas. El manga tiene una legión de forofos allá donde Mahoma predicó el islam como una victoria sobre los ídolos. Una publicación febril de cómics y decenas de dibujantes alimentan el furor de una población insultantemente joven. El 70% de sus 28 millones de habitantes tienen menos de 30 años. "Hay una gran concentración de 'mangakas' [dibujantes de manga] en Arabia Saudí. La mayoría se han hecho un nombre en las redes sociales", reconoce Samah Hashim, una de las primeras saudíes en abrirse paso por el mundo de las viñetas. "Cuando era niña, veía 'anime' doblado al árabe en la televisión saudí y, siendo adolescente, conocí el manga al viajar a Malasia. Recuerdo que me compré muchos libros aunque ni siquiera estaban en inglés porque sus dibujos me parecían fascinantes", evoca la autora, con un primer volumen de manga en las librerías.

El reino ultraconservador -patria del wahabismo, una radical interpretación del islam- ha comenzado a renegar de su pasado más reciente. Décadas oscuras en las que el fundamentalismo cerró salas de cine, prohibió la música y obligó a saciar las dosis de ocio extramuros, en los países vecinos. El príncipe heredero Mohamed bin Salman impulsa ahora una controvertida reforma que persigue convertir el país en una Meca del entretenimiento, con un frenesí de torneos deportivos, parques temáticos e incluso una versión local de los Sanfermines. El manga -nacido del encuentro del arte gráfico tradicional japonés y la historieta occidental- también forma parte de la ecuación que maneja la monarquía saudí. "El Gobierno nos apoya. Ha creado una empresa llamada Manga Productions que respalda a los artistas que quieren publicar sus cómics. También se encarga de invitar a profesionales japoneses para mejorar la formación del gremio", narra Majid Azrai, al frente de un equipo editorial que lanza cada tres meses una publicación manga.

"Aprendimos a través de vídeos de Youtube. Luego decidimos establecer nuestra propia empresa", cuenta el joven. Las páginas del arte manufacturado en Riad, la capital, y Yeda, una ciudad ubicada a orillas del mar Rojo y más liberal, son un ejercicio de adaptación al medio. "Es manga al estilo árabe", admite Samah. "Muchos de los elementos que usamos en las viñetas son saudíes. Mis personajes masculinos llevan túnica y shemagh [pañuelo palestino] y las femeninos 'abaya' [la túnica negra que las saudíes deben colocarse encima de su ropa] y 'hiyab' [pañuelo islámico]", detalla la artista. Las localizaciones por las que desfilan los personajes son también un guiño a una geografía local que fue modelada en las últimas décadas tras el hallazgo del petróleo. "Incluimos detalles y edificios emblemáticos de Yeda. Los personajes comparten nuestra cultura y usan refranes y palabras de nuestra habla coloquial. Usamos las historias para lanzar mensajes positivos o reírnos de algunos asuntos como nuestra impuntualidad", comenta Azrai.

"Es una comunidad en crecimiento. Organizamos encuentros y compartimos nuestra afición con otros dibujantes, lectores y aficionados", apunta Rahaf Shujaa, una artista 'freelance' que prepara su segundo libro de manga saudí. En un país con escasa vida cultural, la autoridad general de entretenimiento se ha propuesto alentar entre las nuevas generaciones la afición por el arte procedente de Japón, un universo que fascina al heredero al trono. Recientemente una competición eligió al 'mangaka' con más talento del reino. Unos vientos de aperturismo y modernidad que se han granjeado el rechazo o la incomprensión de los sectores más recalcitrantes, guardianes de una ortodoxia que creen en grave peligro.

"Por desgracia, hay gente que aún necesita comprender que el manga y el 'anime' no son solo para niños. Es un proceso", dice Hanan al Nomani, una enfermera que alterna sus guardias en un hospital con su arrebato. "Se requiere más conciencia. Muchos tienen una visión muy superficial", agrega Hashim, que compagina sus encargos con su "labor como ama de casa". "Primero me encargo de la casa y de ver las necesidades de mi marido y mi hija. Luego, me pongo a trabajar en mi oficina. Cuando necesito más inspiración, me desplazo a un café para poder captar el movimiento de la gente", añade. En el cada vez más numeroso gremio de mangakas saudíes, donde el arte japonés es espejo de los cambios que azotan el país, el sueño de Al Nomani es "tener marca propia" y "enseñar la belleza del reino a través del manga". Para Azrai, el futuro resulta más ambicioso: "Lo que muchos preguntan es por qué no empezamos a publicar esto hace tiempo. Mi anhelo es convertir a mi país en la Disneylandia del mundo árabe".