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viernes, 28 de febrero de 2020

Un cómic de Astérix y Obélix de 2017 predijo el coronavirus en Italia


Los Simpson han sido noticia en numerosas ocasiones por predecir o apuntar hechos en sus capítulos que al final han acabado sucediendo: ocurrió con la llegada de Donald Trump a la presidencia de EE UU y con el final de 'Juego de Tronos'. Pero en el caso del coronavirus, Astérix se les ha adelantado: el galo más famoso del cómic ya se enfrentó con Coronavirus en el libro 'Astérix en Italia', publicado en el 2017.

En esa entrega, que casualmente también tiene como marco escénico el país del Coliseo, ahora uno de los más afectados por el virus, Astérix y Obélix participan en una carrera de cuádrigas en la que compiten con una malvado personaje enmascarado llamado Coronavirus. Este nombre había pasado inadvertido hasta ahora, sin embargo, en las últimas horas las redes se han llenado de fotos de las páginas del cómic que han subido algunos de los lectores que lo poseen.

En la carrera, que recorre toda Italia, Astérix y Obélix viven mil tropiezos hasta la etapa final, en la que Coronavirus les supera. Sin embargo, este personaje enmascarado sufre un accidente cerca de la meta y al final ganan, una vez más, los galos. Al quitarse la máscara, resulta que Coronavirus es en realidad el emperador Julio César, que quería asegurarse de que un romano ganara la carrera.

jueves, 27 de febrero de 2020

Subastarán el primer cómic original de "Flash Gordon"


Flash Gordon está listo para conquistar nuevos reinos bajo el martillo de subastas con las obras de arte que representan sus historietas originales.

La casa de subastas Profiles in History anunció este miércoles la próxima salida a la venta por primera vez a la historia del dibujo realizado a lápiz y tinta lanzado originalmente en enero de 1934 bajo la firma del artista Alex Raymond.

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No pasó mucho tiempo para que el cómic alcanzara un estats de culto gracias a la enorme influencia generada por sus películas y series de ciencia ficción, las cuales más tarde se convertirián en la "musa" de creadores como George Lucas.

El ejemplar dibujado en una placa de ilustración, muestra la historia de Flash Gordon pasando de ser un pasajero en un avión a ser un rehén en un cohete que se dirige hacia un planeta en curso de colisión con la Tierra.

martes, 25 de febrero de 2020

“Tintín” ha cautivado la atención de más de 4.700 personas que pasaron por el Espacio Cultural MIRA de Pozuelo para visitar su exposición


La colección rinde homenaje al personaje creado por Hergé en 1929, cuyas aventuras han sido traducidas a multitud de idiomas y han creado una auténtica legión de fans.

Más de 4.700 personas han visitado  la exposición “Miradas Tintinófilas” en el Espacio Cultural MIRA de Pozuelo de Alarcón. La muestra, que abrió sus puertas el pasado 23 de diciembre y se cerró el  31 de enero, reunio  traducciones, primeras ediciones en español, figuras y obras de arte contemporáneas, con el famoso reportero creado por Hergé como protagonista.

La muestra rindió homenaje al personaje creado por Hergé en 1929, cuyas aventuras han sido traducidas a multitud de idiomas y han creado una auténtica legión de fans, entre los que se encuentran personalidades como Fernando Savater, Steven Spielberg o Roger Federer.

En la muestra se pudo descubrir algunos de los viajes más largos realizados por Tintín, a través de un mapamundi interactivo con textos de Eduardo Martínez de Pisón, Catedrático Emérito de Geografía de la UAM. También cuenta con figuras y objetos cedidos por Pedro Rey, uno de los coleccionistas más importantes del mundo, o por las asociaciones de tintinófilos “Mil rayos” y “1001”.

A través de ellos los visitantes pudieron ver al capitán Haddock del actor Antonio Resines, la viñeta original de Hergé del escritor Fernando Savater o el cohete del cómico Joaquín Reyes, entre otras curiosidades. Y como no podía ser de otra manera, en la muestra están presentes todos los compañeros de Tintín, desde su inseparable Milú al irascible capitán Haddock, pasando por el despistado profesor Tornasol o los estrafalarios agentes Hernández y Fernández.

Avance de la octava edición del Festival de Cómic Europeo de Úbeda


En la tarde del lunes 24 de febrero se presentó en el Hospital de Santiago un avance de la próxima edición del Festival de Cómic Europeo de Úbeda.En el acto de presentación participaronDiego Cano, Concejal de Juventud del Ayuntamiento de la ciudad y Pablo Lozano, director del evento.

Por tercer año consecutivo la cita se volverá a encontrar enmarcada y en colaboración con la Feria del Libro de Úbeda y se llevará a cabo en La Plaza de Andalucía. Las fechas de su desarrollo serán el fin de semana del 16 y 17 de mayo. Úbeda sigue contando con el único evento especializado en cómic de la provincia de Jaén y, además, uno de los más veteranos de Andalucía.


En el festival la organización contará con la presencia de autores nacionales del noveno arte, tomando parte en presentaciones,charlas y sesiones de firmas. Por primera vez en su trayectoria, este año también estarán presentes autores internacionales en su programación. El número de autores y artistas invitados se ha incrementado notablemente.


Como viene siendo habitual en el Festival, en la programación se ha establecido un “workshop” con editores de diferentes editoriales nacionales, para realizar encuentros de trabajo con aquellos interesadps que quieran mostrar sus trabajos. También su zona “Artist Alley” que el evento dedica cada año a los artistas que quieren vender y darse a conocer directamente al público del Festival.Estos  apartados cuentan con una serie de plazas limitadas, por lo que los interesados en participar deben inscribirse con antelación.Las inscripciones para ambas actividades se pueden formalizar escribiendo al correo electrónico ubedabaezacomic@gmail.com.A lo largo de esta semana en las redes y sitio web del evento se ampliará la información al respecto.

Igualmente, en la octava edición se ha ampliado la zona comercial. En las próximas semanas de irá suministrando al público más detalles sobre la programación.


Desde la organización y el Área de Juventud del Ayuntamiento de Úbeda se prevé un salto cuantitativo y cualitativo de esta edición que va a dirigida a todos los públicos y que cuenta con una gran vocación de acercar el noveno arte y la producción nacional y europeaa la ciudad de los cerros y a todas aquellas personas que pasan durante esos días por la cita.

lunes, 24 de febrero de 2020

RTVE:El cómic que denuncia que el aborto sigue siendo un tema tabú


Según los últimos datos del Ministerio de Sanidad, Consumo y Bienestar Social, en 2018 se practicaron 95.917 abortos en España, 1.794 (un 1,91%) más que en 2017. Esto supone una tasa de 11,12 por cada mil mujeres de entre 15 y 44 años. Un incremento que supone, en términos estadísticos, "una tendencia a la estabilización". Pero aún así, el aborto sigue siendo un  tema tabú en España. Esa ha sido una de las razones que ha llevado a la joven Blanca Vázquez (Guadalupe, Cáceres, 1997) a publicar Juntas en esto (Astiberri), una historia a caballo entre cómic e ilustración, en la que narra la historia de dos embarazadas, una en la década de los 60 y otra en la actualidad.

"He querido hacer un cómic sobre el aborto -asegura Blanca- porque muchas veces me he puesto en la piel de las mujeres que han tenido que abortar y de las que han querido y no han podido. Preguntándome cómo se han sentido, si han tenido el suficiente apoyo moral o si desgraciadamente han sido juzgadas por ello. Creo que todas nos hemos preocupado alguna vez por ese tema y rara vez hemos hablado de ello, incluso con las personas más cercanas. Por lo tanto creo que sigue siendo un tema tabú importante, como si hubiera que avergonzarse por ello".

"Además -añade-, he querido hablar del aborto porque es un tema que tiene mucha polémica detrás. Aunque actualmente sea legal, tenemos que seguir reivindicando este derecho porque todavía hay personas que quieren arrebatárnoslo".

Una nieta, una abuela y dos embarazos no deseados


Blanca nos habla de las dos protagonistas del libro: "Son nieta y abuela, dos mujeres jóvenes que se encuentran en la misma situación, un embarazo no deseado. La protagonista de los años 60, no tenía muchas opciones para enfrentarse al embarazo, ya que en España el aborto era ilegal en esa época. Dejando a un lado la opción de aborto clandestino (mucho más arriesgado tanto a nivel legal como sanitario), podría haberlo hecho en otro país, como Francia o Inglaterra".

"Pero para ello -añade-, se necesitaba dinero y un mínimo de explicaciones a la familia, por lo tanto no era una opción libre a la mano de todas. Así que, podría decirse que sus opciones eran únicamente dos. Continuar con el embarazo y asumir ser madre soltera en un pueblo pequeño, con lo que esto supone, o empezar una nueva vida lejos, libre de prejuicios con su bebé".

"En cambio, su nieta tiene muchas más opciones para enfrentarse a ese embarazo, aunque ninguna de ellas es fácil" -concluye-.

Dos mujeres que comparten la misma angustia

Dos mujers a las que separan casi sesenta años pero que comparten muchas cosas: "Hago esta comparación entre ambas épocas -asegur la autora- para mostrar que tanto en el relato de los años 60 como en el de la actualidad, las dos protagonistas comparten la misma angustia, la misma vergüenza ante su familia (ya que ninguna comparte su secreto) y el mismo silencio que las acompaña durante todo el relato. Aunque haya una diferencia de casi 60 años y el aborto haya sido legalizado, sigue siendo un tabú igualmente. Aunque la ley haya cambiado, la mirada de la gente sigue siendo la misma en muchos aspectos".

"Narrativamente -añade-, esto me permite tratar varios temas, como el miedo al qué dirán, la culpabilidad, los nexos familiares, el desapego en las relaciones actuales...Todo eso sin salirme del hilo conductor, la historia en paralelo de un embarazo no deseado.

"Pero sobretodo -añade-, con esta doble narración puedo mostrar que ninguna elección está mal siempre que se tome libremente. Que aunque la protagonista actual exista gracias al embarazo no deseado de su abuela en los años 60, ella es libre de decidir qué hacer".

No está basado en casos reales


Aunque pudiera parecerlo por la intensidad de los sentimientos que consigue transmitir, Blanca asegura que: "No está basado en ninguna experiencia real ni personal, pero me gusta pensar que si hubiese sido así, el proceso de haber hecho este libro me permitiría hablar del problema sin miedo ni vergüenza. Al haber vivido en un pueblo, he conocido varios casos de embarazos no deseados en mi entorno y cómo ha influido “el qué dirán” en sus vidas. Pienso que en las ciudades no hay tanta sensación de ser juzgada por estos temas".

"También -añade- conozco mujeres que han abortado pero llevándolo con máxima discreción, por ser un tema complicado para ellas".

Por eso le gustaría que este libro: "Lo leyesen el máximo de personas posible, sin importar su género, edad (empezando en la adolescencia), ideología política o clase social. Porque todos podemos vernos involucrados en una situación parecida sin importar nuestra condición. Aunque este tema, por suerte o por desgracia, nos toque más de cerca a las mujeres".

"Se lo recomendaría -continúa- a cualquier persona que esté en una situación similar a la de ambas protagonistas, a sus familiares y amigos, a las personas que están en contra del derecho al aborto, a los hombres que creen tener derecho a decidir por nosotras, a los políticos que nos hacen las leyes y a adolescentes que se hacen preguntas. Con la esperanza de que este libro les permitiera hablar libremente de sus preocupaciones al respecto y también para remover conciencias".

Una historia muda pero con bellas ilustraciones

Lo mejor de todo es que Blanca transmite unpotente mensaje sin usar diálogos, solo con la fuerza de sus maravillosas ilustraciones. "He prescindido de los diálogos por varios motivos -asegura-. Principalmente porque pienso que la narración de Juntas en esto requiere silencio y reflexión. Ambas protagonistas afrontan su problema en solitario, por lo tanto los diálogos no aportarían nada, más bien entorpecerían la historia. El otro motivo es que así cualquier persona que lo lea puede apropiarse de los pensamientos de estos personajes, sin que yo los haya teñido con mi ideología o con mis preocupaciones. Así, la lectura es mucho más íntima y personal".

Para que ese mensaje se interpretase de forma sencilla, Blanca ha conseguido diferenciar perfectamente las dos épocas en las que transcurre la acción, los años 60 y la actualidad: "Utilizo dos técnicas para diferenciar ambas épocas; acuarelas burdeos y azules para el presente y tinta china para el pasado. Los efectos de la tinta china me permiten recrear una época más sombría y turbia, como imagino que fue la España franquista. Con las acuarelas azules muestro la frialdad de la gran ciudad y la soledad que siente la protagonista, aunque ésta siempre está representada en tonos burdeos para mostrar que no todo es negativo, que irradia fuerza y energía interna que le permitirá afrontar sola esta situación".

En cuanto a su estilo de dibujo, Blanca nos comenta que: "Alguien dijo que tengo un estilo “sobrio y sombrío”, y me gustó esta definición. Creo que es válida para el estilo de dibujo de Juntas en esto. También diría que es minimalista porque siempre elimino de mis ilustraciones cualquier elemento que no sea necesario, quedándome con lo esencial. Por lo tanto cada trazo será necesario para la comprensión del relato y no distraerá a los lectores. En esto puedo decir que el estilo de Flavita Banana es una gran referencia para mí".

estacar el epílogo escrito por la periodista Elizabeth Casillas, periodista, fundadora y editora de la revista Cactus. "Queríamos que escribiera el prólogo por su espíritu feminista y por su amplia documentación en el tema del aborto -asegura Blanca-. También porque pronto saldrá su próximo libro, junto con Higinia Garay, sobre la situación de las mujeres en el Salvador. Su epílogo es la conclusión que pedía el libro incluso antes de conocerla".

En cuanto a sus proyectos, Blanca Vázquez asegura que: "Ahora mismo estoy en mi último año de universidad, terminando los estudios de diseño y explorando el ámbito de la animación. Pero ya estoy dando vueltas a un próximo proyecto de ilustración. Seguiré aprendiendo a narrar, a dar vida a mis personajes y sobre todo a investigar y dar protagonismo a temas sociales de los que poco se habla".


Enlace articulo original:  https://www.rtve.es/noticias/20200224/comic-denuncia-aborto-sigue-siendo-tema-tabu/2002606.shtml

sábado, 22 de febrero de 2020

Un cómic nos descubre la increíble historia del vino, de la prehistoria a nuestros días


No se preocupen. Aunque empecemos por el final, no vamos a hacer ningún spoiler. Y es que después de más de 200 páginas de riquísima y abigarrada narración gráfica sobre 10.000 años de historia del vino, llegamos a una viñeta en la que el Dios Baco señala lo siguiente: «Esta historia se sigue escribiendo, sobre todo por el cambio climático y los procesos tecnológicos».

Le pregunta su interlocutora por las nuevas tendencias del vino y ese Baco disfrazado de hipster, vestido con vaqueros, camisa de franela a cuadros y luengas barbas pelirrojas, no duda en explayarse: «¡Oh, sí! Hay tres claramente identificadas. En primer lugar, el rosado, que no es sólo una moda, sino un fenómeno perdurable de reapropiación de un color por parte de los consumidores, sin que entren en juego el sabor ni el terruño. Sólo un vino, con sus cualidades básicas. Sólo el vino que compartimos, el amigo que hemos elegido, retomando los términos del principio de nuestra conversación».

Una conversación que comenzó con una pregunta: ¿por qué la del vino es una historia increíble, si no es más que una bebida como otra cualquiera? Baco, el Dionisos de los griegos, se muestra contundente a la hora de refutar dicha aseveración: «Se equivoca. El vino no es una bebida como las otras. Su recorrido en la historia es extraordinario». Y como muestra, un botón: ¿Cuánto vino se bebe cada año en el mundo? Cerca de 32,5 billones de botellas, según datos de Organización Internacional del Vino correspondientes al 2017.

Efectivamente, el vino se ha convertido en la bebida universal, consumiéndose en todos los países del mundo, hasta en los más remotos. Y produciéndose, también. En la Polinesia o en el Sahel. Tal y como indica Baco, nuestro guía, «la historia del vino es la historia de una larga conquista planetaria que nació en Oriente Medio, en algún lugar entre Anatolia, Georgia, Armenia e Irán».

El cultivo de la vid y la fermentación de la uva para hacer vinos acompaña al hombre desde el principio de los tiempos. ¡Qué le pregunten a Noé, por ejemplo! ¿Qué fue lo primero que plantó al bajarse de su famosa arca, una vez finalizado el diluvio universal? De acuerdo con el Génesis, la vid. De hecho, Noé habría sido el auténtico pionero de vinificación.

'La increíble historia del vino' es un extraordinario cómic de Benoit Simmat y Daniel Casanave que, en España, ha publicado Norma Editorial. Su subtítulo en bien ilustrativo de lo que espera al lector: más de 200 páginas de narración gráfica para narrar la trayectoria del vino 'de la prehistoria a nuestros días, 10.000 años de aventura'.

Repleto de erudición y de información histórica y científica, los autores consiguen transmitir una ingente cantidad de datos de forma tan rigurosa como amena, con numerosos guiños irónicos y humorísticos muy bien traídos en la mayoría de los casos.

Además de hablarse del vino propiamente dicho, el tebeo habla de mil y un objetos relacionados con él, desde los envases para su almacenamiento y transporte a las barricas en que fermenta, las prensas, los corchos y otros medios de sellado y un largo etcétera. Porque, además de ser una bebida deliciosa, el vino es una industria que mueve ingentes cantidades de dinero. Ahora, y desde el principio de los tiempos, hasta el punto de que la historia del vino se confunde con la de las primeras civilizaciones.

viernes, 21 de febrero de 2020

El terror alienígena de los 80 está de vuelta: ‘Depredador’ regresa en forma de cómic


Durante los últimos veinte años, la franquicia Depredador ha pasado por más momentos bajos que altos: la célebre saga de acción, que comenzó con la clásica película dirigida por John McTiernan en el ’87 y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, atravesó todo tipo de versiones y reinvenciones, incluyendo un fallido crossover con la otra gran franquicia del cine de ciencia ficción Alien. No obstante, a pesar de las buenas intenciones y un reboot tardío dirigido por Shane Black, la historia del mítico monstruo cazador parece atravesar un hiatus indefinido en el mundo del cine.

No obstante, la historia podría disfrutar de un revival apropiado gracias al formato de historietas: Dark Horse, el grupo editorial independiente conocido por sus considerables aportes al cómic de temática más transgresora y que tiene entre su catálogo títulos tan exitosos como Hellboy y Sin City, adaptará el guión original de la película de 1987 para crear una miniserie de cómics de cinco volúmenes que se publicará durante el verano de este año.

Dark Horse ya ha llevado a cabo experimentos similares con notable éxito: fue la responsable de convertir a la franquicia Aliens en una serie de historias con la suficiente habilidad para incluso, experimentar con la historia a límites insospechados. El guion original de Alien 3 (basado en la historia de William Gibson) se convirtió en una obra gráfica de considerable éxito. Esta primavera la editorial publicará Alien: The Original Screenplay, una mini serie de Cristiano Seixas, Guilherme Balbi y Candice basada en la idea original sobre la travesía inicial del Nostromo imaginada por Dan O’Bannon, que es lo suficientemente distinta a la historia llevada al cine por Ridley Scott para ser considerada una obra por completo independiente.

De modo que la llegada de Depredador al formato pueden ser buenas noticias no solo para la historia, sino para la supervivencia de la saga fuera de las pantallas de cine. El cómic será escrito y guionizado por Jeremy Barlow y dibujado por Patrick Blaine, lo que, sin duda, será todo un añadido en profundidad visual y argumental a la ya interesante y conocida historia que llegó a la pantalla grande hace casi cuarenta años.

El historia gráfica está basado en el guion escrito en 1984 por Jim Thomas y John Thomas titulado Hunter, que aunque rescata los principales elementos de la primera película de la franquicia, tiene un enfoque por completo distinto sobre la cultura, el comportamiento e incluso, la apariencia física del Depredador, que para la ocasión tiene mucho más semejanza con un reptil de enorme fuerza y considerable inteligencia, que con un cazador alienígena llegado desde un planeta esencialmente dedicado a la caza y rastreo de otras especies intergalácticas.

También, hay cambios sustanciales en el argumento mismo de la historia, en la que se analizará como un grupo de militares tendrán que enfrentar una red de mentiras y encubrimientos gubernamentales, mientras son cazados uno a uno por una criatura invisible y cada vez más peligrosa.

El primer volumen de la saga en formato cómic titulada Predator: The Original Screenplay estará disponible en tiendas y en formato digital el 10 de junio de este año.

jueves, 20 de febrero de 2020

El País:Netflix convertirá en serie el cómic de ciencia ficción argentino ‘El Eternauta’


Nieva en Buenos Aires. Los copos son de un verde fosforescente que llama la atención de los porteños, que aún no saben que matan al primer contacto. Las calles de la capital argentina pronto serán un cementerio nevado, regado de víctimas de una invasión alienígena, los “ellos”, que “la resistencia” combatirá en escenarios tan bonaerenses como la cancha de River o la avenida General Paz. No hay estatuas de La Libertad ni aviones enviados por el Pentágono en El Eternauta, considerado el cómic más emblemático de Argentina. El Eternauta es una historia de ciencia ficción creada en 1957 por el guionista Héctor Germán Oesterheld y el dibujante Francisco Solano López. Seis décadas después de la publicación de las primeras tres páginas de la saga, Netflix ha anunciado en Buenos Aires que convertirá la historia en una serie.

La principal plataforma de streaming saldará una vieja deuda: pese a su popularidad arrolladora, El Eternauta nunca fue llevado a la pantalla. Lo intentaron directores como Adolfo Aristarain, Pino Solanas o Lucrecia Martel, que siempre chocaron con problemas de presupuesto y conflictos legales. Netflix hará ahora una inversión que no precisó y Juan Salvo, como se llama el protagonista creado por Oesterheld, vivirá bajo la dirección de Bruno Stagnaro, responsable de Pizza, birra, faso y la serie Okupas. La serie estará disponible en todo el mundo, no solo en Argentina, entre “2021 y 2022”, y será una “versión contemporánea inspirada en la novela gráfica”. El anuncio estuvo a cargo del director ejecutivo de la plataforma, el estadounidense Reed Hastings, quien viajó especialmente para ello hasta Buenos Aires. Desde un auditorio en el barrio de La Boca, Hastings dijo que Netflix producirá también una serie sobre Juan Manuel Fangio, gloria del automovilismo argentino.

“Argentina es uno de los diez países con más suscriptores del mundo. Brasil y México le ganan por poco. Lo que vamos a hacer es seguir invirtiendo en contenidos”, dijo Hastings el miércoles. Un día antes, el directivo se reunió con el presidente Alberto Fernández, con quien “repasó las inversiones de la compañía en el país y los futuros lanzamientos de producciones argentinas para la plataforma audiovisual”, según dijeron desde la Casa Rosada.

La apuesta de Netflix por regionalizar los contenidos de la plataforma está clara: Fangio es un héroe argentino sin discusión y El Eternauta es la primera historieta de ciencia ficción ideada en escenarios locales, lejos de los tópicos estadounidenses. La tira se publicó entre 1957 y 1959 por entregas de tres páginas por semana en la revista Hora Cero Semanal. Pronto fue un éxito.

En una entrevista al diario Clarín en 1997, Solano López (1928-2011) daba las claves de semejante repercusión: “Un tema fuerte, la invasión, acá, en Buenos Aires, peleando en la General Paz y en la cancha de River. Y un elemento subyacente: nuestro sentimiento de país periférico, acosado, a merced de lo que decidan otros. El Eternauta expresó eso directamente, y como muchos lo sentían, la historieta prendió”. Oesterheld dijo alguna vez que el secreto del éxito estaba en la idea de comunidad que transmitía el guion, opuesta a las escenas de héroe solitario, y siempre estadounidense, que los lectores recibían desde el norte. “El héroe verdadero de El Eternauta es el héroe colectivo, un grupo humano. Refleja así mi sentir íntimo: el único héroe válido es el héroe en grupo, nunca el héroe individual, el héroe solo", dijo.

La historia personal del guionista de El Eternauta ayudó a la permanencia de la historia en el imaginario colectivo. En 1975, Héctor Germán Oesterheld se había sumado al grupo armado peronista Montoneros. Dos años después, las Fuerzas Armadas lo secuestraron, lo torturaron y lo asesinaron. También cayeron víctimas del terrorismo de Estado sus cuatro hijas (dos de ellas estaban embarazadas), sus dos yernos y dos nietos. En 2010, la juventud kirchnerista tomó el personaje de El Eternauta para ensalzar al presidente Néstor Kirchner. Con el traje de submarinista que López puso a Salvo y la cara del expresidente, nació El Nestornauta.

miércoles, 19 de febrero de 2020

RTVE:El guionista de cómic Josep Busquet se muestra "ilusionado" por premio nipón


El guionista español de cómic Josep Busquet se siente "muy ilusionado" por el premio que Japón ha dado a su obra Korokke y la chica que dijo no, un reconocimiento por parte de autores consagrados que ha favorecido la divulgación de su trabajo.

La obra ha sido reconocida con el premio de plata en los Premios Internacionales de Manga del Ministerio de Exteriores y aunque no supone su publicación en Japón, "consigue que la obra se conozca y haya llegado hasta aquí", dice Busquet  en Tokio.

Busquet (Barcelona, 1975) es la mitad de Korokke, un relato ilustrado por Jonatan Cantero (Barcelona, 1988) que se inspira en los "yokai", criaturas monstruosas del folclore nipón, para narrar la historia de Anzu, una niña que se rebela contra su aciago destino y busca la ayuda de un atípico "oni" (demonio/ogro), Korokke, que quiere ser recordado como un héroe legendario.

Busquet, profesional veterano con más de 20 años de experiencia, guionista consagrado y autor completo ocasional con obras publicadas en España, Francia, Italia e Inglaterra, conoció a Cantero hace algo más de dos años, y en busca de una visión común descubrieron su mutua fascinación por Japón, su mitología y por el humor.

Sigue la tradición de Akira Toriyama

El lector con cierto conocimiento de japonés se sentirá intrigado al leer el título de la obra. "Sigue la tradición de Akira Toriyama de ponerle nombres de comida a los personajes. Korokke es la croqueta japonesa y fue cosa de Jonatan", cuenta Busquet.

El guiño les gustó y lo llevarán al siguiente nivel en el segundo volumen de la historia, en el que ya están trabajando y que se publicará en 2021.

En él, los nombres de una serie de protagonistas "forman parte de los ingredientes del plato principal", revela.

Ambos tebeos están publicados por Spaceman Project, "un concepto un poco nuevo de editorial, con plataforma propia de 'crowdfunding', que pide una cantidad para que el adelanto que tengamos los autores sea igual, similar o bastante alto con respecto a otros países", que les permite empezar a trabajar con una buena base, explica el autor.

Para Busquet, de 44 años, que compagina su trabajo en guiones más convencionales con proyectos en YouTube, Webtoon o webcómics como Actividad extraescolar (ilustrado por Manu Ortega) porque no puede "parar quieto", las nuevas tecnologías y las redes sociales son una herramienta indispensable para los nuevos talentos del cómic.

"Mostrad vuestro trabajo en redes, haceos portafolios en muchos sitios. Los editores contactan en el sitio más inesperado", dice el guionista de "Manticore" (Camaleón Ediciones, 1996), que aconseja que también se aproveche la conexión que posibilitan las redes para contrastar ofertas con gente con más experiencia y asociaciones para tomar decisiones "conscientes" y evitar que se aprovechen de ellos.

El escritor también recomienda "cambiar el chip" del papel y mirar el potencial del cómic digital, al que se ve como algo "provisional" a la espera de que salga "el formado bueno, el de papel", cuando es igualmente válido y "nos está llevando a un tipo de cómic muy interesante", que fomenta el "feedback" o incluso la influencia de los aficionados en el desarrollo de la obra.


"Es una época buenísima para el lector de manga"

Preguntado sobre la situación actual del manga/cómic en España, Busquet considera que "como lector es una época buenísima, porque hay un montón de material" y en los últimos años se han recuperado clásicos, en vez de publicarse series más comerciales.

Desde el punto de vista profesional, el barcelonés reconoce que "es complicado vivir única y exclusivamente de hacer cómics solamente para que se publiquen en España", aunque haya excepciones, razón por la que la mayoría trabaja para el exterior. Esta situación no se limita a los autores, también a los editores, destaca.

"Soy un guionista bastante atípico, porque llegué por accidente a escribir guiones para los demás y nunca he tenido que estar buscando dibujantes, siempre son amigos o gente que me ha pedido que haga guiones para ellos", explica Busquet, que llegó en los años 90 a la Escuela de Cómic JOSO de Barcelona para aprender a dibujar y terminó dando "voz" a los personajes de decenas de obras variopintas.

La más reciente, "Korokke", que ha conquistado a Machiko Satonaka, Ban Ippongi o Mitsuru Miura, consagrados mangakas en Japón y miembros del jurado de los XIII Premios Internacionales de Manga.

Busquet y Cantero comparten galardón de plata con la tailandesa Pitsinee Tangkittinun y el brasileño Guilherme Petreca, mientras que el máximo reconocimiento, el de oro, recayó en los israelíes Guy Lenman (dibujante) y Nimrod Frydman (guionista).


Enlace articulo original:  https://www.rtve.es/noticias/20200219/guionista-comic-josep-busquet-se-muestra-ilusionado-premio-nipon/2002703.shtml

martes, 18 de febrero de 2020

La historia de ‘El tren en el cómic’ en una exposición de viñetas


Lucky Luke, Superman, Mortadelo y Filemón, El Coyote, Tin tin, Spiderman, Súper López o el teniente Bluberry se dan cita hasta el próximo 10 de marzo en el Patio de Luces de la Diputación de Almería como algunos de los protagonistas de la exposición ‘El tren en el cómic’, organizada por la Asociación de Amigos del Ferrocarril de Almería, ASAFAL, y que se ha inaugurado este lunes.

La exposición se compone de 35 paneles explicativos divididos por diferentes temáticas que narran la fructífera relación del tren con un medio de expresión tan artístico y popular como el cómic o el tradicional tebeo español. De esta forma encontramos el tren en el lejano Oeste, el tren en la guerra, el tren y los superhéroes, el tren en la línea clara…, o un apartado protagonizado por Mortadelo y Filemón, entre otros.

El presidente de la Diputación, Javier A. García, ha agradecido a ASAFAL, especialmente a su presidente, Jesús Martínez, y al socio Alejandro de la Paz, como impulsores de esta muestra, su trabajo a favor de la divulgación de la cultura ferroviaria en la provincia de Almería, “un objetivo que alcanza una nueva dimensión con esta muestra que nos ofrece un recorrido por un medio de expresión tan atractivo como el cómic en este espacio que se ha convertido en el punto de referencia de las actividades culturales de la asociación”.

Por otro lado, el presidente ha recordado que el Patio de Luces se ubica en la calle Navarro Rodrigo, en honor al ministro de Fomento del Gobierno de España que, en 1887, junto al obispo Santos Zárate, reivindicaron a la Reina Regente que subieran la subvención de la línea Linares-Almería de 18 millones de pesetas a 30 millones para que pudiese ser adjudicada, hecho que ocurrió en 1889. “Navarro Rodrigo fue una de las personas que más contribuyó para que el tren pudiera llegar a la provincia de Almería”, ha detallado el presidente.

A su vez, Javier A. García, ha explicado que la historia de Navarro Rodrigo casa con lo que quiere hacer la Diputación para “defender permanentemente los valores del ferrocarril en nuestra tierra y con el trabajo que hacéis a diario para que todos juntos reivindiquemos a las administraciones que el tren es un valor que nadie nos va a quitar, y que además nos merecemos, para ponernos acorde con lo que se merecen los almerienses”.

Una idea antigua
Por su parte, el presidente de ASAFAL, ha explicado que la idea de esta exposición tuvo lugar hace 20 años, poco después de la fundación de ASAFAL: “mi cabeza no paraba de dar vueltas sobre las actividades relativas al mundo del tren que podíamos realizar y que fueran asumibles en su grado de dificultad y coste económico. Ya, desde el primer momento se me ocurrió el título que es el mismo con el que hoy inauguramos esta muestra: “El Tren en el cómic”. 

Del mismo modo, Martínez ha matizado que la idea residía en que “tanto me gustaban los tebeos y el tren, y había reunido una considerable cantidad de cómics antiguos y modernos, ¿por qué no mostrar de alguna manera las viñetas en las que el tren fuera protagonista en forma de publicación, vídeo, exposición o de cualquier otro modo? Tras la exitosa exposición 'Trenes a escala' empezamos a pensar en la próxima exposición volviendo a recobrar su vigencia aquella lejana idea. Presentamos el proyecto a Diputación, y aquí tienen ustedes el resultado, que estamos inaugurando”.

El presidente de ASAFAL ha concluido su discurso con un anuncio: el pasado 1 de enero, en la última Asamblea General anual de ASAFAL, los socios decidieron por unanimidad nombrar socio honorario de ASAFAL a la Diputación Provincial de Almería por “sus relevantes méritos como patrocinador de nuestra asociación en su esfuerzo por la difusión de la cultura”.

jueves, 13 de febrero de 2020

El País:El cómic que desvela la historia del 'hip-hop'


Hip Hop Family Tree (HHFT) es mucho más que un cómic. Es también una gran foto de familia y árbol genealógico de un tiempo. A mediados de la década de 1970 del siglo pasado, el clima social de Estados Unidos estaba en uno de sus puntos más bajos. Rotas las costuras de un imaginario colectivo feliz, especialmente tras la luchas por los derechos civiles de la década anterior, los ecos del Black Power y con la resaca reciente de la derrota en la Guerra de Vietnam, en muchas ciudades del país surgía una nueva composición social dentro de los barrios de mayoría afroamericana. Nueva York era el crisol donde convergían muchas realidades culturales, puerto de llegada de tendencias y emigraciones, la propensión a la creatividad, a pesar de la dureza cotidiana, estaba en la atmósfera

En ese contexto, en el sur del Bronx, en encuentros públicos de disc jockeys comienza a experimentarse con los discos: se mezclan dos copias del mismo vinilo, se superponen distintos cortes musicales, se "inventa" el scratch, se añade el micrófono abierto –hasta entonces propiedad de los populares maestros de ceremonias de las fiestas– para improvisar versos sobre la música... El cóctel se hace tremendamente popular desde el primer instante. Es una explosión de creatividad nueva, grupal, efervescente y tremendamente accesible. La cultura del Do it Yourself! (DIY) en su máxima expresión. Una generación de chavales sin apenas perspectivas laborales y con un racismo institucional asfixiante comenzaba a construir, sobre las bases de la potentísima cultura musical negra anterior, un nuevo ritmo. Nacía el hip-hop en el sur del Bronx. Probablemente, de los cinco distritos metropolitanos, el de mayor combustión social, junto con Harlem. La llama que se prendió allí no tardó en extenderse.

Desde la industria musical del momento, mayoritariamente blanca, se ignoró en un principio el fenómeno. En las televisiones también se relegó o se banalizó de forma estereotipada, cuando no se vinculó directamente con la delincuencia. Fueron las radios locales y comunitarias, las discotecas de barrio y los conciertos en canchas de baloncesto al aire libre las que viralizaron el fenómeno de forma brutal. Empezaron a venderse discos de rap y las tiendas de música eran paraísos para el barrio. Además, coincidió con la explosión de un baile, el breakdance, que requería muchísima destreza, agilidad e improvisación. Por si fuera poco, se incorporó un lenguaje de arte urbano propio, el grafiti, que inundó toda la ciudad, especialmente el metro que transitaba la ciudad en territorios y mundos aparentemente alejados y que constituía en sí mismo otro universo en paralelo.

Ed Piskor (Pennsylvania, 1982) recoge todo este ambiente desde sus orígenes. Con un trazo que conecta con las formas tradicionales del cómic estadounidense, desarrolla con paciencia un trabajo minucioso de recopilación de información, fechas, conversaciones y situaciones reales que dan a cada uno de los volúmenes —tres hasta el momento en nuestro país, que abarcan desde 1975 hasta 1984— una fuerza narrativa y visual impresionante. Diseño gráfico e ilustración en su máxima potencia en cada viñeta.

Por las páginas de HHFT aparecen nombres imprescindibles de la escena: Grandmaster Flash, DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa, The Sugarhill Gang, Run DMC (aportando su propio estilo desde Queens), Rick Rubin con Beastie Boys dando una vuelta a todo, la creación del sello Def Jam Records, KRS-One o los inicios de Ice-T y Public Enemy, incluso hay un cameo de New Kids On The Block en el segundo volumen. Auténtica canela en rama en la historia del hip-hop. Un trabajo que además está acompañado en cada volumen de una sección de Pinups en formato galería de retratos de distintos artistas, bibliografía recomendada, discografía del momento y apuntes útiles para que el lector pueda profundizar en cada una de las etapas y personajes que aparecen retratados.

Ganador del prestigioso premios Eisner 2015 al mejor trabajo basado en la realidad, su éxito alcanza ya una dimensión global. Traducido al francés, alemán, italiano, polaco, portugués y español, HHFT es una auténtica enciclopedia. “Cuando montamos la editorial nos parecía increíble que aún estuviera disponible en español. Hasta el momento es el título que mejor funciona de nuestro catálogo. De hecho, estamos preparando la tercera reedición del primer volumen...que es el que arrastra a los demás”. Lo explica Diego Rosembuj, director de Flow Press, una editorial orientada hacia “libros visuales que expliquen el mundo, con especial interés por el conjunto de la cultura pop”.

El trabajo de Piskor gusta a gente que no conoce la escena de aquellos años y a los que sí saben del asunto. “Es un cómic bastante riguroso, va al grano. Se nota que es la visión de alguien que domina el tema y es un apasionado. El tratamiento que han hecho con páginas amarillentas y ese toque underground le da un punto de autenticidad de la época”. Lo cuenta Zeta1970, “Art as Activism desde 1984”, como se define en su perfil de Facebook. Dj, grafitero, productor, b-boy y miembro destacado de la vieja escuela de la cultura hip-hop en España. Para él, un “descubrimiento” que aporta HHFT es que lo que apareció como un fenómeno particular de la cultura afroamericana neoyorquina rápidamente conectó con otras expresiones artísticas de la ciudad que estaban experimentando nuevas formas de expresión, como el punk y arte urbano que encabezaban personajes como Keith Haring o Jean-Michel Basquiat, también con músicos como Blondie o The Clash. “Había una inquietud similar”.

En 2019 en Los Ángeles y Nueva York se programó la exposición Beyond the Streets (Más allá de las calles), comisariada por Roger Gastman, conocido antropólogo urbano. En la muestra —con obras de artistas como Beastie Boys, Emory Douglas, DAZE, Dennis Hopper, Jean-Michel Basquiat, José Parlá, Keith Haring, Kenny Scharf, LADY PINK y TATS CRU entre otros— se apuntaba que el objetivo de Beyond the Streets es mostrar cómo el arte urbano puede influir en el “diálogo público”. Esa conversación con la sociedad es algo que de alguna manera también tiene que ver con la expresión más genuina del hip-hop de entonces y ahora. Para Sonia Cuevas, que estuvo en el mítico sello discográfico Zona Bruta y que actualmente es colaboradora del artista urbano y programador Suso33, lo que se conoce como “movimiento hip-hop” tiene que ver con la imagen que llegó a España a través del trabajo que hicieron —y que también sale reflejado en HHFT— los fotógrafos Martha Cooper y Henry Chalfant en el libro Subway Art, sobre el paisaje urbano del Bronx en loa década de los setenta. “Hay diversidad de opiniones respecto al origen del arte urbano, pero para la gente que empezamos a interesarnos a través del trabajo de Martha y Henry todo aquello —grafiti, breakdance y música rap— conformaban el movimiento hip-hop, la conexión era total”.

Zeta1970, nació en Alcorcón, una de los referentes geográficos del hip-hop de nuestro país: “Esos chavales del Bronx vivían en una situación socioeconómica bastante sórdida, sin perspectiva de salir del gueto, rodeados de mierda. El hip-hop fue un camino para poder ser algo. En Alcorcón era un poco la misma historia, con la heroína y la precariedad en los ochenta. Nosotros empezamos contagiados por el breakdance y los b-boys, aquello también tenía un punto de actitud contestataria. Hay algo en común, sobre todo cuando se es adolescente, tiene que ver con la rebeldía, querer expresarse y reivindicarse. La esencia del hip-hop es ser uno mismo”.

Flow Press prepara la siguiente entrega para otoño de éste año.“Publicaremos el volumen 4 que cubre los años 1984 y 1985. Por el momento la saga llega hasta aquí. El septiembre pasado estuvimos con Ed Piskor y nos comentó que tenía previsto llegar hasta la década de los 90…pero no sabe cuándo se podrá poner”, comenta Diego Rosenbuj. Un punto importante y destacado es la traducción, que firma para la edición en castellano Gema Moraleda. “El proceso de traducción de la serie HHFT es complejo y apasionante a la vez. Requiere de mucha documentación para poder captar todas las referencias. Ed Piskor es muy minucioso y detallista, nada está puesto al azar”, y añade Rosenbuj, “decidimos desde un principio no traducir las letras para transmitir su esencia, el ritmo, las rimas, y para permitir que los lectores localicen las letras enteras o las grabaciones a través de Internet. Solo en los casos en que la letra tiene carga en la narración, incluimos una traducción literal, no rimada, en las últimas páginas”.

En HHFT hay rimas, fiestas, grabaciones, encuentros y anécdotas a raudales. También drogas, bandas, edificios quemados, violencia policial, represión contra el activismo vecinal, apagones y disturbios. Una completa radiografía sociológica de un tiempo que se construyó a partir de una reivindicación personal y colectiva de unas generaciones alimentadas culturalmente en discotecas, canchas de baloncesto, equipos de música potentes y emisoras de radio que inventaron un género musical sin el que hoy no se entienden los sonidos de las calles de todo el mundo. Una historia de aquellos primeros años del hip-hop como nunca se había visto hasta ahora, una guía de consulta musical muy potente.

miércoles, 12 de febrero de 2020

El País:Muere Claire Bretécher, pionera del cómic crítico y social


La dibujante francesa Claire Bretécher, uno de los grandes iconos de la bande dessinée, ha muerto este martes en París a los 79 años. Su carrera comenzó en 1963, tras llamar la atención de René Goscinny, uno de los grandes guionistas del cómic galo que la introdujo en la revista L’Os a Moëlle. A partir de entonces su evolución fue meteórica, pasando por cabeceras tan importantes como Le journal de Tintin o Spirou, para recalar finalmente en Pilote.

El surgimiento de Bretécher coincidió con la renovación formal, en los años sesenta, del cómic francés, que se había basado en la fuerza de personajes femeninos empoderados como Barbarella o Jodelle. Sin embargo, las redacciones de las revistas de cómic más famosas como Spirou, Tintin o Pilote demostraban que la normalización de la presencia de la mujer en la ficción se correspondía bien poco con lo que ocurría en el mundo real. La bande dessinée, el cómic francés, era patrimonio netamente masculino, y la aparición de autoras era una excepción anecdótica.

En 1969, Bretécher comienza a dibujar su serie Cellulite, vitriólica parodia de los cuentos de hadas protagonizada por una joven princesa a la espera de su príncipe encantador, un antiheroína que rompía todos los esquemas de las series habituales de la revista. Su humor miraba más a la provocación de Hara-Kiri que a la tradición aventuresca de la cabecera, matizada por la sutileza británica de autores como Johnny Hart o Reg Smythe y cargada de un feminismo reivindicativo y activista.

Tras esta obra, la dibujante participó en una de las primeras experiencias de edición colectiva autogestionada en Francia, la revista L’Echo des Savanes. Junto a Gotlib y Mandryka, Bretécher dirigió la que es para muchos la primera gran publicación francesa de cómic para adultos, aglutinando tanto las influencias de las carismáticas obras publicadas por Eric Losfeld en los sesenta, como la fuerza de publicaciones satíricas como Hara-Kiri o Charlie Hebdo, haciéndolas convivir con las nuevas tendencias del underground americano o referentes como Harvey Kurtzman.

En paralelo a la dirección de L’Echo des Savanes y las colaboraciones que realizaba para ella, en 1973 comenzó otra serie para el Nouvel Observateur: Los frustrados. Un año antes de que Gerard Lauzier se hiciera famoso con sus Tranches de vie, dando nombre a todo un género del cómic, Bretécher ya dio voz en su serie a la gente corriente, usando la vida cotidiana como perfecto laboratorio de estudio de la realidad política y social de su época, armada siempre de una mordacidad y un sarcasmo demoledores que le permiten diseccionar tanto los excesos del machismo imperante como las contradicciones de un feminismo emergente. La serie encumbró a la dibujante, pero no restó ni un ápice de su fuerza provocadora, demostrando su iconoclastia militante en La apasionada vida de Santa Teresa de Ávila (1979), una obra fuertemente criticada en su momento pese a que, para algunos teólogos, la autora comprendía mejor a la santa que sus hagiógrafos.

A finales de los ochenta comienza su última gran serie, Agripina, feroz retrato de una burguesía desencantada a través de las andanzas de una adolescente malcriada y consentida. Una serie que, para el sociólogo Pierre Bourdieu, era una “rigurosa etnografía de la burguesía intelectual de izquierda parisiense”.

El dibujo sencillo y expresivo, siempre al servicio de unos diálogos brillantes y de humor acerado y arrollador, siempre al servicio de un discurso comprometido y feminista, marcaron un estilo reconocible para una obra que influyó decisivamente a autores posteriores y que fue siempre respetada como una de las grandes del cómic francés.

martes, 11 de febrero de 2020

El cómic sale al rescate de las olvidadas de la ciencia y de las vocaciones futuras


Cierre los ojos y piense en el nombre de una mujer científica. Muy bien, Marie Curie. ¿Alguna más? ¿Su hija, Irene Curie? Si no le viene nadie más a la mente, es posible que sienta algo parecido a lo que Paco Vega, técnico de laboratorio de la ETS de Ingeniería Informática de Sevilla, sintió hace unos años, al darse cuenta de lo limitado de sus conocimientos en la materia. "Se me ocurrió que había que visibilizar el papel de la mujer, sobre todo para los niños y las niñas pequeños, que están muy influenciados por los estereotipos femeninos. Había que explicarles que las preguntas sobre el mundo en que vivimos se las hacen personas, no hombres o mujeres, y que las respuestas las buscan todos", recuerda.

Con la colaboración de varias expertas, como la catedrática Adela Muñoz o las profesoras María del Carmen Romero, Clara Grima, Isabel Fernández y María José Jiménez, Vega empezó a dar forma a un texto teatral titulado Científicas: pasado, presente y futuro. "Tengo hijos pequeños y voy con ellos a muchos teatros y cuentacuentos, y se me ocurrió que sería una forma apropiada de hablar de la vida de cinco mujeres científicas. Pero había que hacerlo bien, con rigor en el contenido, y que resultara a la vez ameno para niños de 8 a 14 años. El resultado nos sorprendió a todos", añade Vega, que recibió junto a sus compañeras el premio Equit@t de la Universidad Oberta de Catalunya, el premio Ciencia en Acción y el premioUniversidad de Sevilla a la Divulgación Científica.

En el montaje se desgranan las vidas de Hipatia de Alejandría, cabeza de la escuela neoplatónica y maestra destacada en matemáticas y astronomía; Ada Lovelace, matemática que desarrolló la calculadora; Marie Curie, pionera en el campo de la radicatividad; Rosalind Franklin, autora de importantes contribuciones en la comprensión de la estructura del ADN y el ARN; y Hedy Lamarr, inventora del espectro ensanchado, precursor del actual wi-fi.

Salto a la viñeta
El año pasado, el equipo de trabajo dio un nuevo paso adelante haciendo un corto de 20 minutos, que también tuvo una difusión extraordinaria. Pero todavía quedaban ganas de más. Fue entonces cuando a alguien se le ocurrió que el tema daba para un cómic. Y que Raquel Gu era la dibujante indicada para acometerlo.

"Yo conocía a Clara Grima desde hacía tiempo, he ilustrado varios libros suyos”, comenta la artista. "Fui a ver una de las representaciones de la obra, acabamos tomando algo y surgió la idea, ¿y si lo hacemos en cómic? Se propuso a la Unidad de Igualdad de la Universidad de Sevilla, y empezamos a trabajar para adaptar el guión. No fue fácil, porque había muchas interpelaciones al público, mucha interactividad, y un cómic es otra historia".

Raquel Gu asegura que "me documenté mucho, pero también me concedí libertades. Se me ocurrió que estaría bien, más que retratar a las protagonistas, dibujar por ejemplo a Adela Muñoz haciendo de Marie Curie. Y fue muy divertido".

Otra de las cuestiones clave era ofrecer el resultado gratuitamente, a través de internet. "Además de visibilizar a la mujer en la ciencia en el pasado, era importante reflejar los referentes del presente. La vocación científica de las chicas es muy vulnerable, había que transmitirles el mensaje de por qué no estudiar Química o Ingeniería aeronáutica. Y lo mejor para ello era la fórmula de la descarga gratuita, sin pedir datos ni nada".

Descarga masiva
Según Paco Vega, "no se trata tanto de alentar vocaciones científicas, como de que no se pierdan las que hay. Tenemos estudios que demuestran que, a partir de los 6 años, las niñas empiezan a sentirse menos capacitadas que los niños para los campos científicos", apunta. "En todo caso, en los últimos años estamos viviendo un momento dulce, se están realizando muchas actividades en torno a la mujer en la ciencia".

La estrategia ha resultado un éxito arrollador, con más de 54.000 descargas gratuitas contabilizadas hasta el momento, una cifra sólo al alcance de algunos fenómenos en el ámbito de la viñeta. 

"Queríamos que todo tuviera mucho rigor, y también mucho humor", prosigue Raquel Gu, quien reconoce que "a mí me gustaron desde siempre las Ciencias Naturales, pero las matemáticas, la física o la química me costaban un pelín. Empecé a reconciliarme con ellas cuando empecé a colaborar con Clara, y he seguido haciéndolo porque soy curiosa".

En palabras de Clara Grima, "todavía falta mucho por hacer. Los números de graduadas en nuestras carreras están por encima de los graduados, pero algo sucede en el camino, que a medida que avanza la carrera se produce el llamado efecto tijera. Y al final, a catedráticas llegan menos de un veinte por ciento", lamenta.

Vocaciones interrumpidas
¿Las causas? "En España y en casi todo el mundo, el cuidado de la familia, ya sean hijos, padres o familiares enfermos, sigue recayendo sobre la mujer, lo que resta tiempo para la carrera científica y a menudo no se ve recompensado", comenta la profesora. "La mujer es una figura muy importante en la sociedad, pero esa dedicación no se ve reflejada en la carrera científica. Sobre el papel, hombres y mujeres tenemos las mismas oportunidades, pero la realidad es muy diferente".

Según Grima, la situación es aún peor en los estudios de Tecnología, Ingeniería y Matemáticas, donde "hay menos mujeres que en las carreras bio. Y eso es un problema anterior, de estereotipos y educación. Ahí tenemos a un 93 por ciento de alumnos y un 7 de alumnas. Algo triste y peligroso, porque el futuro va a ser muy tecnológico, y no podemos desaprovechar el 50 por ciento del talento de la sociedad, ni dejar que ese poder caiga solo en manos de los hombres. Mira lo que ocurrió con la mortalidad por infarto: había muchas más mujeres que morían por ello debido a que nadie se había preocupado por investigarlas", apostilla.

sábado, 8 de febrero de 2020

'Dune' estrena cómic en 2020 con trazo de Valladolid


El universo imaginado por Frank Herbert en 'Dune' (1965) estrenará este 2020 su adaptación al mundo de las viñetas del puño y trazo de dos dibujantes vallisoletanos: Raúl Allen y Patricia Martín, un regalo hecho "con mimo" para los fans de la novela canónica de ciencia ficción y con portadas a cargo de Bill Sienkiewicz, quien ya llevase al cómic bajo la seña de Marvel la película homónima de 1984 dirigida por David Lynch.

"Como fanático de 'Dune' para siempre, estoy encantado de hacer las portadas de esta adaptación de novela gráfica del clásico de ciencia ficción definitivo. Charles Kochman, Brian Herbert, Kevin J. Anderson, Raul Allen y Patricia Martín están creando magia", afirmó Sienkiewicz el pasado enero a través de su perfil de Twitter.


Más de medio siglo después la publicación de la novela y en el mismo año en que llegará a la gran pantalla su segunda adaptación cinematográfica --a cargo de Denis Villeneuve--, Allen y Martín afrontarán la titánica tarea de llevar Arrakis al cómic.


"Vemos dunas por todas partes", han reconocido, en declaraciones a Europa Press, para explicar que este proyecto "tiene mucho hambre" y se come todo su tiempo, lo que les obliga a buscar inspiración en cualquier rincón cotidiano, tanto es así que Allen incluso invitó a posar a un captador de socios para una ONG.


El proyecto, de una extensión hasta ahora desconocida para los vallisoletanos, tendrá una duración de cuatro años, en los que la editorial Abrams Books pretende publicar tres tomos --de 150 páginas cada uno--, correspondientes a los tres capítulos en los que se divide el primer libro de 'Dune', que narra el regreso al planeta Arrakis de la familia Atreides y sus tensiones con los Harkonnen.


El primero de ellos verá la luz este octubre, aprovechando la promoción que también se dará a la película, cuyo estreno se prevé para diciembre, aunque también con la "presión" que eso implica. En cualquier caso, explica Martín, "una industria tira de la otra aunque los proyectos no tengan nada que ver ya que cuentan con Brian Herbert --hijo del autor de 'Dune'-- como centro común". "Cine y cómic se retroalimentan, porque la película atraerá a un nuevo público que no conocía la obra: todo lo que suponga abrir puertas es bienvenido", ha añadido Allen.


Los bocetos de los protagonistas, el duque Leto, la dama Jessica y el hijo de ambos, Paul Atreides, ya se han dado a conocer, pero tanto Allen como Martín han acusado la dificultad que plantea "desmarcarse" de la película y de "estéticas tan poderosas" como la de Star Wars que, a su vez, bebe también del mundo de 'Dune'.


"El hecho de que el cómic no se pueda parecer a la película nos ata un poco", ha señalado Martín, a lo que Allen ha añadido que, a veces, tienen "la sensación de estar andando por un campo de minas". Además, influye el recelo por los derechos de imagen que reina en EEUU: "hay que intentar que en los personajes no se reconozcan rasgos de ningún actor", explican.
Se trata de un "reto" que ambos afrontan con el "vértigo" que implican la "magnitud y exposición" del proyecto, pero también con gran "ilusión", ya que se han confesado "fans" de la novela. "Es un trabajo hecho desde el cariño y el mimo de dos seguidores de la saga", ha incidido Martín, que se acabó "enganchando" de la novela aunque al principio "cuesta meterse" en un universo nuevo con tantos "términos desconocidos".

viernes, 7 de febrero de 2020

RTVE:La crisis del cómic adulto que cambiaría la industria para siempre



Tras la muerte de Franco (1975) comenzó el llamado “Boom del cómic adulto” en España, cuando se editaron un montón de revistas, con tiradas de decenas de miles de ejemplares, como El Víbora, 1984, Cimoc… Una edad de oro en la que el cómic fue protagonista de movimientos culturales como “La movida madrileña”. Pero ese espejismo no duró mucho y en 1986 llegó una tremenda crisis que cambiaría la industria de los cómics para siempre y que culminaría en la aparición de la Novela Gráfica.

Julio A. Gracia Lana, doctor en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza ha hablado con los dibujantes que vivieron esa época en el libro Las revistas como escuela de vida.Díalogos sobre el cómic adulto (1985-2015), de la imprescindible colección Grafikalismos (de ensayos teóricos sobre el cómic), que editan la La Universidad de León y Eolas Ediciones.

Julio comienza explicándonos cómo se produjo ese boom: “Los orígenes del boom se encuentran, en gran medida, en el propio auge de la prensa en papel que se dio durante la Transición. Revistas como El Papus o Hermano Lobo retrataron de forma precisa los cambios y la nueva apertura de la época. Las revistas de cómic adulto se sumaron a la ocupación del quiosco, siendo pioneras dos editoriales: Nueva Frontera y Toutain Editor”.

“Las razones que llevaron a su desaparición fueron múltiples y todas ellas tuvieron que ver con su final –añade-. Podemos decir que se produjo una verdadera “tormenta perfecta” que llevó al naufragio de las revistas. Una de estas causas fue la ampliación de la “tarta” del ocio. Los lectores de los ochenta y noventa se encontraban con muchas más opciones para divertirse que los de años anteriores: los canales y la oferta de televisión se habían multiplicado, el cine ofrecía nuevas opciones con la apertura que propició la Transición y apareció un actor nuevo: el videojuego. Las máquinas recreativas y la videoconsola doméstica fueron dos realidades a tener en cuenta en esta etapa. Se sumaron problemas económicos y se creó un contexto en el que, además, se consolidó la introducción de material americano (con Cómics Forum y Ediciones Zinco) y japonés (auspiciado en buena medida por el gran éxito de Dragon Ball)”.

Entrevistas con grandes autores

El volumen se estructura a través de entrevistas con los autores de la época (Josep Maria Beà, Laura, Max, Miguel Ángel Martín, Montesol, Nazario, Miguelanxo Prado, Paco Roca, Marika Vila) y editores, teóricos de la hisotrieta, propietarios de tiendas de cómic…

“El libro parte de mi tesis doctoral, que desarrollé durante más de cuatro años en la Universidad de Zaragoza –asegura Julio-. En ella analizo las causas que llevaron a la progresiva desaparición del formato revista de cómic propia de los años ochenta y cómo muchos autores tuvieron que trabajar tras ese hecho en otras manifestaciones artísticas, como la pintura, el cine, la ilustración, el diseño o la literatura. Llevaron consigo muchos elementos procedentes del lenguaje del cómic, entre los que se encontraba el trazo o la forma de entender la angulación y el enfoque en las viñetas”.

“Llegué a este tema –confiesa- porque siempre me llamó la atención que en otras nacionalidades (como Japón, Estados Unidos, Francia o Italia), siguiera existiendo la idea del cómic de publicación periódica con un “continuará”, mientras que en España dicha fórmula había prácticamente desaparecido. El paso siguiente fue lógico: acercarme a un periodo en el que esto era posible y que, a pesar de ser muy cercano, no había recibido un gran número de aproximaciones teóricas que pusieran claridad a nivel histórico”.

Un libro que tiene detrás un trabajo de años: “El libro parte de mi tesis doctoral, a la que dediqué más de cuatro años. La preparación propiamente de Las revistas como escuela de vida me ha llevado casi un año. Durante este tiempo he seleccionado y revisado múltiples veces las entrevistas que mejor podían encajar en el texto y he buscado las imágenes que las acompañarían”.
“Para publicarlo –añade Julio- ha sido capital el apoyo del director de la colección Grafikalismos, José Manuel Trabado, profesor en la Universidad de León. La serie de libros está coeditada entre la universidad y Eolas Ediciones. Se trata de la única especializada en teoría del cómic editada por una universidad española. El diseño del libro, pleno de color, ha sido realizado por Alberto R. Torices”.

Cómics que reflejaban su época
Como nos comenta Julio: “Esas revistas de cómic eran un reflejo absoluto de la sociedad del momento. Los cambios y avances políticos o sociales quedaron perfectamente plasmados en estas publicaciones. Los personajes y los escenarios en los que estos se movían, estaban muchas veces extraídos de la vida cotidiana de guionistas y dibujantes”.

Además, el cómic tuvo un papel fundamental en la cultura de la época. “Esas revistas fueron básicas para entender la contracultura en Barcelona o La Movida en Madrid –asegura Julio-. Anarcoma, de Nazario, retrataba universos que hasta ese momento apenas se habían incluido en las viñetas pero que resultaban representativos de la Barcelona contracultural. El mundo de chulos, travestis y prostitutas de unas Ramblas llenas de vida que conocieron, acompañaron e hicieron posible el tardofranquismo y la democracia. Del mismo modo, la Movida madrileña no puede entenderse sin la efervescencia de fanzines y publicaciones y sin el nacimiento de revistas como Madriz”.
Aunque eso no significa que estuvieran más relacionadas con la actualidad que el cómic de nuestra época. “No especialmente. Creo que el cómic siempre ha sido un reflejo fiel de su época, como cualquier otra manifestación artística. Por disponer un ejemplo, en la actualidad, existe una corriente de novela gráfica “social” que trata, entre otros temas, aspectos o problemáticas provocadas por la crisis económica”.

El libro
Julio A. Gracia Lana nos comenta cómo está estructurado el libro: “Tras el prólogo firmado por Antonio Altarriba, desarrollo una aproximación al panorama de los magacines del boom que contextualiza y da sentido al libro. Las entrevistas las estructuro en dos partes claramente diferenciadas: la primera se dedica a las autoras y autores que se vieron afectados por la desaparición de estas publicaciones. Me parecía totalmente adecuado que los historietistas, como base principal del sistema creativo, tuvieran una importancia capital en el libro. La segunda parte explora al resto de componentes del ecosistema del cómic: autoeditores, editores o libreros que fueron protagonistas destacados del contexto y sin los que tampoco es posible entender los diferentes prismas que convivieron en esos años”.

“En total –añade-, incluyo en el libro dieciséis capítulos con entrevistas. Algunas de ellas son complementarias o dobles (como la realizada a Max y Pere Joan por Nosotros Somos Los Muertos)”.
En cuanto a los criterios que ha tenido en cuenta para seleccionar a los entrevistados, Julio asegura que: “He buscado seleccionar perfiles representativos de la época y crear un contraste entre diferentes perspectivas que formaban parte de un mismo universo. Por ejemplo, entrevisto a Emilio Bernárdez, editor de La Cúpula y por lo tanto uno de los responsables de la revista El Víbora. Pero también a Joan Navarro, el primer editor de la revista Cairo. Magacín en cierta manera “rival” a nivel estético y de público de El Víbora”.

Casi no había mujeres en el cómic adulto
En el libro, Julio entrevista a Laura Pérez Vernetti y Marika, dos de las pocas mujeres que trabajaban en el cómic adulto de la época. Laura confiesa que ganaba menos que los hombres y que le publicaban muy de vez en cuando.

“El cómic era un ámbito puramente masculino, tanto a nivel de producción como en lo que respecta a la edición y al propio público lector –asegura Julio-. Las mujeres que publicaban en estas revistas estaban sometidas a especial presión y tenían que trabajar insistiendo en todo momento en su calidad estética y narrativa. A muchas de ellas les acompañaba la etiqueta de “cómic femenino” o “hecho por mujeres”, una forma más de encasillarlas y de crearles compartimentos estancos de los que no pudieran escapar”.

“A pesar de las dificultades, autoras como Laura o Marika realizaron una producción fantástica en la que trataron de descomponer los estereotipos sobre la representación de la sexualidad o el papel de la mujer en la sociedad del momento” –concluye Julio-.

Con la crisis muchos abandonaron el cómic para siempre
La desaparición de las revistas (apenas sobrevivieron El Víbora, Kiss Comics y El Jueves que es la única que permanece en la actualidad) hizo que muchos de esos dibujantes se quedaran sin trabajo. Julio nos comenta como se reciclaron: “Muchos de ellos pasaron a trabajar en otros medios. Por ejemplo, Nazario se dedicó mayoritariamente a la pintura en los años noventa. En sus primeros lienzos, apostó por temáticas que parecían alejarse del cómic, como los bodegones o naturalezas muertas. Más adelante, poco a poco, volvió a surgir la figura humana, el personaje, que más claramente podemos vincular con sus historietas”.

“Contemporáneamente, Miguelanxo Prado trabajó para Xabarín Club de TVG o para la serie internacional Men in Black, producida por Steven Spielberg. Marika Vila formó parte de la productora EQUIP, que fue responsable de la serie de animación Mofli, el último koala o de la película Despertaferro”.

“La pintura o el audiovisual –añade Julio- fueron solo dos de los medios que abrazaron: la ilustración, el diseño o la escritura se constituyeron también como ámbitos recurrentes para las y los historietistas. Los casos más sangrantes tienen que ver con aquellos que abandonaron el cómic para no volver nunca al medio. Sin embargo, lo cierto es que otros guionistas y dibujantes tuvieron la oportunidad de regresar a las viñetas. Por ejemplo, tras muchos años en el ámbito pictórico, Montesol realizó la novela gráfica Speak Low . En ella, por cierto, el trazo recuerda mucho a su etapa en la pintura”.

Obras que habría que rescatar
Entre toda la ingente producción de esa década prodigiosa, preguntamos a Julio qué cuatro o cinco obras habría que recuperar: “Seleccionar siempre es difícil. Pero entre las muchas que podríamos destacar estaría Trazo de tiza, de Miguelanxo Prado, una obra maestra de la intertextualidad que condensa mucho en muy poco.

Vidas ejemplares, de Montesol, constituye un reflejo mordaz e inteligente de la época. De sus ansias de avance cultural y del egocentrismo de algunos de sus protagonistas.

Las historias cortas realizadas por Marika Vila en revistas como Rambla son pequeñas deconstrucciones del papel que se espera de la mujer en la sociedad. El libro incluye dos páginas de la historia Reflejos, representativas de su producción.

Laura tiene también breves propuestas como Safo, publicada en Nosotros Somos Los Muertos, muy interesantes en la búsqueda de nuevas vías para explorar el erotismo. La propia revista Nosotros Somos Los Muertos, editada por Max y Pere Joan desde Mallorca, contiene aportaciones gráficas impresionantes y sin las que no se entiende buena parte de la experimentación de los años ochenta y noventa.

Y, en general, existe todavía mucho material de estas dos décadas por rescatar o que hay que dar todavía más a conocer. Resulta interesante referir en este sentido a Calonge, un autor que falleció, desgraciadamente, muy pronto. Sus viñetas plasman un cromatismo maravilloso y todavía no son tan conocidas como deberían” –concluye-.

Qué va a pasar con el actual boom de la novela gráfica
Actualmente se supone que tenemos el boom de la novela gráfica. Pero… ¿Podría llegar a desaparecer, como esas revistas de los ochenta? “La novela gráfica actual resulta una hija directa del cómic para adultos de los años ochenta –nos cuenta Julio-. Los autores empezaron a desarrollar en las revistas de género historias tremendamente personales y arriesgadas que serían uno de los orígenes de la futura idea de “novela gráfica”.

“Hay diferencias entre ambas épocas –añade-, pero podemos quedarnos con la que aporta el formato: en los ochenta los autores cobraban por página en las revistas y publicaban acompañados de otros historietistas. En la actualidad, se cobra mayoritariamente por el proyecto completo y se publica en solitario. Las revistas permitían una continuidad económica y de producción. Eran, como comenta Max, “escuela de vida” para los autores y esa idea se ha perdido con la novela gráfica. El sistema ha cambiado y tiene aportaciones positivas, pero se han perdido otras muy importantes por el camino”.
Entre esas aportaciones positivas de la novela gráfica Julio destaca que:“No creo que el boom de la novela gráfica termine con un crac, como el de las revistas. Desde mi punto de vista, el medio está relativamente consolidado y mantendrá una cierta estabilidad. Sin embargo, hay algunos puntos que habría que trabajar desde muchos ámbitos, tanto a nivel editorial como, por ejemplo, desde las diferentes etapas educativas. Entre ellos, potenciar todavía más la extensión de la lectura de cómic a otros públicos y ámbitos de la población, insistiendo en su valor como objeto artístico, su poder didáctico o su interés para comprender la historia y la sociedad”.

Sus proyectos
Para fomentar la lectura de los cómics es fundamental la labor de divulgación que realizan instituciones como la Universidad de León con publicaciones como su colección Grafikalismos. Preguntamos a Julio en que está trabajando actualmente: “Preparo la publicación del cuerpo de mi tesis doctoral, donde analizo a modo de ensayo y de forma mucho más amplia las causas que posibilitaron el final de las revistas y la transición de un medio a otro, a través de autores como Nazario (del cómic a la pintura); Miguelanxo Prado (al cine) o Max (a la ilustración)”.
“Además, en unas semanas presentaremos el primer número de la segunda época de la revista  Neuróptica Estudios sobre el cómicN Recupera la mítica cabecera que editaba Antonio Altarriba en los años ochenta. Es una revista científica con apoyos y contribuciones internacionales que esperamos que suponga un importante aporte para la progresiva consolidación de la historieta en el ámbito académico. Seguimos asimismo elaborando el libro que contendrá las contribuciones del II Congreso Internacional de Estudios Interdisciplinares sobre Cómic, que organizamos desde la Universidad de Zaragoza” –concluye Julio A. Gracia Lana-.

Enlace articulo original: http://www.rtve.es/noticias/20200201/crisis-del-comic-adulto-cambiaria-industria-para-siempre/1997029.shtml

jueves, 6 de febrero de 2020

El cómic de Azagra ‘Pedro Pico y Pico Vena’ da el salto a la pantalla


Pedro Pico y Pico Vena, los emblemáticos personajes creados en 1984 por el dibujante Carlos Azagra, están ultimando su salto a la pantalla. Las historietas de este punki y este red-skin apasionado de la música Oi! se publicaron con gran éxito en la revista satírica 'El Jueves' hasta principios de la década del 2000, convirtiéndose en un símbolo para toda una generación de jóvenes. El impulsor de la idea y productor de la película, Arcadio Garrido, sabía bien de este cariño y quiso rendir un homenaje a los subversivos personajes creados por el dibujante criado en Zaragoza.

«El proyecto surgió hace bastantes años y contó desde el principio con el apoyo de Azagra, pero por razones económicas tuvimos que dejarlo hasta que por fin se va a convertir en realidad», explica Garrido, que destaca que la iniciativa ha tenido una gran acogida. La apuesta, además, es novedosa ya que se trata de una película de animación 3D. El proyecto se encuentra ya en fase de tercera generación de los modelos y se está preparando un crowdfunding para el mes de abril. «Queremos priorizar la calidad de la animación, así que dependiendo del dinero iremos sacrificando el metraje», indica Garrido, que recuerda que la película no se plantea con ánimo de lucro. Lo más probable es que dure en torno a 20 minutos, aunque si todo va muy de cara no se descarta llegar incluso al largometraje. «Tenemos tres guiones y dependiendo de la pasta nos adaptaremos», añade el productor.

Los responsables del proyecto están ultimando las colaboraciones y por el momento todo pinta muy bien. Así, para doblar a los distintos personajes ya están confirmados Fray (cantante de la banda barcelonesa Decibelios), Mamen, del grupo Vulpes, o Tonino Carotone, mientras que se barajan otros nombres como Manolo Kabezabolo o Evaristo Páramos (La Polla Records). «También estamos hablando con figuras inglesas porque vamos a doblarlo a varios idiomas», apunta Garrido.

Azagra reconoce que el proyecto le hace «especial ilusión». Al fin y al cabo, Pedro Pico y Pico Vena ya forman parte de él, siendo sus personajes más emblemáticos. El aragonés de adopción (aunque reside en Barcelona desde hace años) recuerda que están basado en personas reales. «Cuando empecé a trabajar en El Jueves se me ocurrió una historieta protagonizada por el mítico borracho de bar, pero el director de la revista me dijo que metiera a un punki», explica Azagra a este diario. Por aquel entonces el dibujante vivía en Santa Coloma de Gramanet y justo debajo de su casa había un bar en el que de vez en cuando tocaba un grupo de Oi! y Ska-Punk. El cantante se llamaba Pedro Pico y el batería Pico Vena. «Comencé a charlar con ellos, les pedí prestado el nombre y ahí empezó todo», recuerda Azagra, que reconoce que entonces «no tenía ni idea de lo que era el punk».

El dibujante, que desde muy joven colaboró con grupos clandestinos como la Unión de Juventudes Comunistas de España, aprovechó la serie para volcar en ella luchas sociales y diversas reivindicaciones. «Contaba las andanzas de los personajes, pero también recurría a las historias para transmitir el mensaje», indica Azagra, que recuerda que utilizaba las viñetas para dar a conocer grupos de música o diferentes colectivos en un momento en que «no había internet».

Muy vigentes

Aunque han pasado más de 30 años desde que que nacieron, Pedro Pico y Pico Vena siguen muy vivos e igual de vigentes. «Sus historietas siguen de actualidad, igual que cualquier canción de La Polla Records», subraya Azagra.

En este mismo sentido se manifiesta Garrido, que destaca que los personajes «están más vivos que nunca en esta época en la que no se ha ganado ni en derechos laborales y sociales ni en libertades». «Al revés, ahora si te descuidas te detienen por una canción, un cómic o un tuit», lamenta el productor.

¿Nuevo libro?

Hace años que las historietas de 'Pedro Pico y Pico Vena' ya no se publican en 'El Jueves', pero los personajes «no han muerto», tal y como subraya Carlos Azagra a este diario. De hecho, el dibujante publicó en el 2017 su último libro de la serie (Dando Caña) con el colectivo aragonés Malavida y no descarta que en un futuro vea la luz otra publicación. «Los personajes siguen vivos y hay muchos temas para reivindicar; ahí está el drama del paro, la lucha por las pensiones o el cambio climático», indica Azagra, que recuerda que en el 2012 ya publicó también con los Malavida Los jueves al sol.

El dibujante y aragonés de adopción explica que hace años se planteó envejecer a Pedro Pico y Pico Vena, pero reconoce que «al final no funcionaba». «Son personajes eternos que es mejor no tocar; con actualizar las historias ya vale», indica Azagra, que apunta, por ejemplo, que en una futura publicación los subversivos personajes podrían realizar un recorrido por toda España para narrar lo que acontece en diferentes ciudades del Estado.

martes, 4 de febrero de 2020

Huelga en el cómic francés: el ejemplo de la precariedad en una industria aún potentísima


Amenazaron y cumplieron. El pasado viernes 31 de enero los stands del festival de Angulema, al sur de Francia y el más prestigioso dentro del noveno arte en toda Europa, estaban prácticamente desiertos salvo la participación de algunos autores extranjeros. La imagen no debería haber sido esa, sino un espacio en ebullición donde los artistas se encontrasen con sus fans provenientes de todos los rincones del continente. Pero los creadores se han hartado de su situación y, después de muchos años de silencio y transigencias, han decidido hacer boicot y huelga en busca de mejorar su situación laboral.

Por qué los franceses han colgado los lápices: hay dos detonantes. El primero es el informe Racine (en honor al actual director de la Biblioteca Nacional francesa) publicado hace dos semanas que desvela en 141 páginas la precaria situación del sector. El otro es el lanzamiento del “Año BD 2020” (en honor a bande dessinée, las siglas de cómic en francés) por el cual los políticos locales y nacionales querían hacer un acto de reivindicaciones y ayudas cosméticas pero muy útil a nivel político sobre la importancia del tebeo como industria cultural de su país.

Cómo se ha sucedido el estallido: el pasado 30 de enero el alcalde de Angulema, el Ministro de Cultura, el director del festival y más tarde Macron iban a vender su compromiso con el cómic francés en el centro de la ciudad, pero los cánticos de los manifestantes  eclipsaron la atención mediática e hicieron que el Presidente de la República decidiese anular su asistencia en el último momento (luego sí fue al interior del recinto del festival). Los representantes de las organizaciones de autores se reunieron con el Ministro de Cultura en busca de soluciones y advirtieron que, en caso de que no se llegase a propuestas lo suficientemente valiosas, boicotearían el importantísimo certamen de los siguientes días. Así lo han hecho. Hoy han vuelto a salir a la calle, unas 500 personas, la mayoría de ellos autores y muchos conocidos, paseando con pancartas por los alrededores del Ayuntamiento.

¿Cuál es la situación de los dibujantes en Francia? El informe Racine revelaba lo que todo el mundo ya sabía: que el 53% de los autores de cómics del país viven por debajo del salario mínimo, lo que se traduce en un 50% de historietistas con un nivel económico por debajo del umbral de pobreza, y que las más afectadas son las mujeres y los jóvenes. Al recoger el prestigioso premio Goscinny los autores Fabien Vehlmann y Gwen de Bonneval subieron al escenario junto con un centenar de artistas y leyeron un extracto sobre la precariedad. “A algunos autores se les está pagando 4.000 euros por producir 200 páginas, el equivalente a dos años de trabajo. Algunos de ellos están en esta selección [de los mejores títulos del año]”.

El arrastre de las pensiones: a nadie se le escapa que es este un momento muy apropiado para que haya surgido la chispa de un sector, el del arte, en el que hay una tendencia histórica al individualismo y a la falta de camaradería o movimiento sindical. Con sus altos y sus bajos, sus sectores más y menos encendidos, Francia lleva ya dos meses encendida por las huelgas por la famosa reforma de las pensiones. El saldo del pasado 2019 ha dejado al menos 2.448 manifestantes heridos y once muertos, y cuando parece que el movimiento se va a extinguir salen los bomberos a luchar contra la policía.

Y por qué los autores españoles leen la noticia con ilusión y amargura: si en España, comparado con nuestros vecinos, no hay industria cultural de ningún tipo a nivel literario o cinematográfico, el tebeo no iba a ser menos. La paradoja es que mientras en Francia protestan por las condiciones de sus ilustradores, en España se publican artículos donde se explica que la única vía de supervivencia para nuestros talentos pasa por mudarse al mercado estadounidense y, sí, francés.

Aunque las condiciones son sobre el papel similares en ambos mercados (el autor se lleva entre un 8 y un 10% frente a los jugosísimos márgenes del 40% para editoriales y 50% para distribuidores y las librerías), la diferencia es que la relación de ventas entre ambas naciones tiende a ser de 10 a 1 ganando los galos. Sergio Bleda, historietista e ilustrador profesional, dice que conversando con compañeros del gremio estima unos ingresos (que no ganancias) medios de los profesionales de entre 5.000 y 18.000 euros anuales. Poco más se puede decir.

Enlace articulo original: https://magnet.xataka.com/preguntas-no-tan-frecuentes/jornada-historica-para-comic-frances-dibujantes-boicotean-festivales-busca-mejoras-laborales

lunes, 3 de febrero de 2020

EL País:El dibujante Emmanuel Guibert gana el Gran Premio de Angulema


El dibujante de cómic Emmanuel Guibert (París, 56 años), autor de volúmenes como El fotógrafo y La guerra de Alan, se ha alzado con el Gran Premio del Festival de Angulema, principal cita del mundo de la historieta en Europa, cuya 47º edición ha quedado inaugurada este jueves en la ciudad francesa. Guibert ya había sido finalista a este premio, que reconoce el conjunto de la trayectoria de una gran personalidad del cómic, en las últimas tres ediciones del festival. En esta ocasión, competía con el estadounidense Chris Ware, un revolucionario de la viñeta, y con la francesa Catherine Meurisse, superviviente del atentado contra Charlie Hebdo en 2015.

Guibert es un autor inclasificable, explorador infatigable de distintos géneros y técnicas que ha ido alternando a lo largo de una carrera que arrancó a finales de los ochenta. “Muy pronto, después de comenzar a trabajar, quise ver si los lectores de mis primeros álbumes tratarían de seguirme si daba golpes de volante. Acostumbrarlos a giros de 180 grados fue una manera de asegurarme la libertad”, declaró hace unos días en una entrevista con Le Monde.

Su obra más conocida es La guerra de Alan (Salamandra Graphic), serie en tres tomos firmada entre 2000 y 2008, en la que narra la vida de un soldado estadounidense que permaneció en Francia tras la Segunda Guerra Mundial, inspirándose en la historia real de Alan Ingram Cope, a quien conoció paseando por una isla de la costa atlántica. Guibert también es autor de otro tomo fundamental como El fotógrafo, firmado junto al reportero Didier Lefèvre, que relataba el viaje de un grupo de Médicos Sin Fronteras en el Afganistán de 1986. Además, Guibert es responsable de la serie de cómics infantiles Ariol, que este año cumple dos décadas de existencia, y ha firmado con Joann Sfar títulos como Sardina del espacio y Las olivas negras. En 2017, Guibert ya recibió en el Festival de Angulema el premio René-Goscinny por toda su obra.

El dibujante y guionista, uno de los más reconocidos por la crítica en territorio francés, es conocido por su hiperactividad. Este año publicará en su país un volumen de dibujos realizados en las salas de los museos durante las últimas décadas y editará un disco de jazz inspirado en la saga protagonizada por el soldado Alan. Guibert también tiene a punto un libro no ilustrado, titulado Mike, que la editorial Gallimard lanzará el próximo otoño, inspirado en la vida de un arquitecto estadounidense.