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sábado, 29 de septiembre de 2018

Cabreo monumental en DC Comics por el cómic ‘Heroes in Crisis’


El esperadísimo número 1 de ‘Heroes in Crisis‘ ha salido a la venta en Estados Unidos y, a pesar del enorme bombo publicitario con la nueva historia de Tom King, los fans de DC Comics están muy enfadados por cómo han comenzado las cosas. (HAY SPOILERS) La historia presenta algo llamado Santuario, un lugar especial donde los héroes pueden ir para tratar sus trastornos de estrés postraumático y el trauma que experimentan haciendo lo que hacen. Sin embargo, Santuario no termina siendo el lugar seguro que aparenta. Pronto descubrimos que ha habido un asesinato masivo en Santuario, uno que deja muchísimos héroes muertos, entre los que están Arsenal (Roy Harper) y Flash (Wally West). Por si eso no fuera suficiente para que los fans de DC Comics se cabreen, ‘Heroes in Comic‘ también revela que el responsable de estas muertes es, nada más y nada menos, que el superhéroe conocido como Booster Gold.

La premisa para interesante y misteriosa, pero lo sucedido no es algo que a los fans de DC Comics (e incluso a los críticos profesionales) les haya parecido específicamente “impresionante”. Muchos han usado las redes sociales para compartir su reacción ante la llegada de ‘Heroes in Crisis‘ y, si bien hay algunos aspectos positivos (los dibujos de Clay Mann y el color de Tomeu Morey), muchos fans están considerablemente cabreados y decepcionados por la forma en la que se ha manejado este primer número del nuevo gran evento de la editorial de la Liga de la Justicia.

jueves, 27 de septiembre de 2018

«En Francia al guionista de cómic ahora se le llama autor»


Unicómic, el Congreso Internacional de Estudios Universitarios sobre el Cómic, comenzó ayer sus jornadas en la Universidad de Alicante con la conferencia de Antonio Altarriba, Premio Nacional del Cómic 2010 con El arte de volar y profesor de la Universidad del País Vasco. Presentado por el profesor alicantino José Rovira Collado, Altarriba, en una ponencia titulada Misterios del guión. ¿Documento secreto, anual de instrucciones, texto literario?? desgranó las distintas facetas que desarrolla el guionista en el proceso de creación, así como los mayores problemas a los que se somete en la redacción y realización junto al dibujante del cómic.

Altarriba confesó que, tiempo atrás, elaboraba los guiones totalmente cerrados, en unos textos que posteriormente pasaba al guionista para su plasmación en papel. Sin embargo, admitió, eso ya no le convence, y ahora opta por guiones abiertos, que prefiere consensuar con el dibujante para darle a este espacio, margen de creación. «Además, ahora con las nuevas tecnologías, podemos hablar todo el tiempo, y puedo hacer una revisión de lo que está haciendo el dibujante vía Dropbox, por ejemplo. Así veo los dibujos, le comento cosas, y hablamos», aseguró del oficio de guionista.

Altarriba se preguntó dónde comienza y dónde acaba el papel del guionista en el cómic, puesto que también es el dibujante el responsable del otro amplio porcentaje en el proceso de creación de una novela gráfica: «Yo puedo tener en mi cabeza el dibujo de un desembarco a Normandía, pero eso puede complicar mucho el trabajo del dibujante», afirmó sobre la importancia del entendimiento entre ambos.

Aseguró que el guionista en España no está tan valorado como en otros países como en Francia, donde este ha subido de categoría hasta ser citado en las publicaciones como «autor», del mismo modo que el dibujante ya no se considera así en los cómics franceses, sino que es «ilustrador».

Unicómic comenzó ayer sus sesiones con una amplia participación de investigadores y docentes venidos de toda España para abordar, desde distintos prismos, el cómic y la novela gráfica. El profesor David F. Richter, venido expresamente de EE UU, desarrolló su ponencia sobre la adaptación de Federico García Lorca al cómic, centrándose en la obra del alicantino Carles Esquembre, quien estaba entre el público, y ambos se conocieron ayer.

Francia: un cómic acusado de pedopornografía genera polémica

El tema enciende las redes sociales desde hace unos días. El cómic Petit Paul, del francés Bastien Vivès, editado por la editorial Glénat en el marco de su nueva colección Porn’Pop (dirigida por la ex actriz porno Céline Tran, Katsuni), genera una gran polémica en base a su contenido explícito y juzgado pedopornográfico.

Una petición fue lanzada este fin de semana para que sea retirado de las ventas. Casi 2.400 personas la firmaron. “Presentado por su autor como un libro humorístico, pero pretendiéndose excitante ya que está basado en sus fantasías, Petit Paul muestra las peripecias de un niño de diez años con un enorme pene que van a utilizar, les guste o no, las mujeres de su entorno”, reza la petición recordando que el artículo 227-23 del Código Penal prohíbe las representaciones a carácter pornográfico de menores.

Si bien en algunas partes del libro, el chico tiene relaciones de carácter sexual con adultos, como cuando su maestra lo obliga a hacerle sexo oral, el autor niega toda pulsión sexual en sus personajes e insiste sobre el aspecto caricatural de los personajes y las situaciones.

El caso plantea los límites de la creación artística. En 2003, una decisión-marco de la Unión Europea dijo que las imágenes tienen que ser realistas para poder ser consideradas pedopornográficas. Quizás se trate entonces de encontrar un equilibrio entre libertad del autor y protección de la infancia.

martes, 25 de septiembre de 2018

ABC:DC censura el pene de Batman


Después de su célebre boda con Catwoman, Batman ha vuelto a ser noticia. Esta vez, el superhéroe ha hecho ruido por mostrar su cuerpo completamente desnudo en el número 1 de «Batman: Damned», escrito por Brian Azzarello y dibujado por Lee Bermejo.

El cómic revolucionó Twitter por mostrar en una de sus escenas el pene del superhéroe, algo que no había ocurrido hasta el momento.

La decisión de mostrarlo es una declaración de intenciones, pues esta edición de las aventuras de Batman, dentro de la línea Black Label de DC, está pensada para un público más adulto.

La escena en cuestión se produce después de que este esté a punto de morir. Cuando regresa a la Batcueva, decide que queire volver a ser el Bruce Wayne de siempre, dejando de lado el traje y la máscara. Entonces, comienza a sacarse la ropa, dejando su cuerpo completamente desnudo, como un símbolo de un volver a empezar.

Sin embargo, esta escena solo la podrán disfrutar aquellos que han dedicido por comprar el cómic en papel, pues después de todo el ruido que ha generado, DC ha decicido eliminar el pene de Batman en la edición digital.

"El Cid", en cómic, visto por los estadounidenses Gary Reed y Wayne Reid


Este es el sexto libro de la colección "Historia de España en viñetas" de la editorial Cascaborra. En la que ya se han publicado títulos como: Bernardo de Gálvez, Pensacola 1781, 1808 Trafalgar, 1808 Madrid, La conquista y 1553 Tucapel.

Tras la muerte del rey Fernando, Rodrigo Díaz de Vivar se ve envuelto en un mundo de conspiraciones y tramas palaciegas que acabará con su destierro sin honor del Reino de Castilla.

Con unos pocos hombres y con la ayuda del príncipe moro Al-Mutamin, el Cid inicia una aventura llena de épica que les llevará a conquistar, como muestra de lealtad a Alfonso, nuevo rey de Castilla, territorios hasta entonces en poder del temible Ben Yussuff, empeñado a su vez en conquistar toda la península.

El CID cuenta la historia de un hombre que mediante valores universales como la amistad y el honor, forjó una leyenda que perdura hasta nuestros días.

lunes, 24 de septiembre de 2018

'El nuevo mundo': un cómic en el que Estados Unidos es invadido por motivos humanitarios tras ser bombardeado


Si a usted se le da muy mal dibujar, pero además perdió ambas manos... qué sé yo, desactivando explosivos; si solo podría garabatear cogiendo el lápiz con los dientes, no se preocupe. Si le da por hacer un cómic y tiene talento, va a molar igual. El arte de la viñeta es popular, no exclusivo de los Miguel Ángel y Caravaggio de la vida. Ahora, si el que se pone a los lápices es un maestro, se tiene que reconocer. Y ese es el caso de Tradd Moore, coloreado por Heather Moore, que está dibujando para Ales Kot una de sus muchas distopías, The New World en Image Comics.

Esta serie de Kot aparece prácticamente a la vez que su Days of hate, una distopía en la que el gobierno estadounidense, en connivencia con la ultraderecha terrorista, iniciaba una guerra contra las minorías sexuales, nacionales y étnicas de su país. Una historia que daba mal rollo y que también tenía un dibujo magistral, en este caso de Danijel Zezelj. Fue escrita un año antes que Days of hate, aunque esta serie viera la luz primero. Además, de milagro. Porque en el proceso a Kot se le murió el portátil y tuvo que reescribir los últimos capítulos desde cero.


En The New World, Kot ha intentado ser más lúdico. El futuro lo lleva más lejos, al año 2037, y por eso resulta menos terrorífico, por la distancia. Ese año, cinco bombas nucleares estallaron en las cinco principales ciudades de Estados Unidos. Nadie reivindicó el atentado, ningún país ni ningún grupo terrorista. Pero con un pretexto democrático, una coalición de países invadió Norteamérica. El mismo truco de la típica intervención humanitaria yanqui, pero al revés. Contra Washington.

Lo que era Estados Unidos queda dividido en tres. Los Estados Unidos del Este, la Unión de Federaciones y Nueva California. Este último territorio es el que ofrece más resistencia al invasor. Al mismo tiempo, la narración anuncia que California es el único lugar donde se conserva intacto el sueño americano y su espíritu, por eso ahí sigue habiendo prosperidad. Pero claro, hay un detalle. Es el Muro del Sur, que les separa de México, en un momento dado se desliza en una conversación que era un Muro para evitar que llegase gente y ahora su función es impedir que se vayan.


Otomo y Moebius

Antes de seguir con el argumento, hay que detenerse en el dibujo. Una delicatessen. Por su aire de road-movie, con una mujer como protagonista, en un mundo futuro, casi onírico, el recuerdo inevitable son las viñetas espectaculares del belga Guy Peellaert con sus heroínas hippies Jodelle y Pravda en los años sesenta. Por otro lado, en el primer número, las primeras siete páginas son un homenaje a Akira de Otomo y a Moebius, lo que ahora se traduce en retrofuturismo. Pero también son una forma de captar la atención del lector desde el principio con referencias tan reconocibles por las que ya sabes más o menos lo que te van a contar.

En este caso, la protagonista no es una motera, pero casi. Stella protagoniza un reality en el que va deteniendo a delincuentes. Luego el público vota, como en Gran Hermano, y decide si le vuela la cabeza in situ o no. Lo que pasa es que a Stella no le gusta matarlos y se enfrenta a la dirección del programa. Ahí, su abuelo, que es un mandamás del lugar, muy enfadado por su actitud, le da una reprimenda de genuina belleza estalinista: "el verdadero amor no es salvar una vida, es imponer los deseos del estado para el bien de la mayoría". Eso le dice.
La historia sigue con dibujos maravillosos, los del muro, enorme, protegido por drones, los de las discotecas donde Stella se va a bailar y a olvidarse de su curro. La paradoja, lo que dará pie al nudo de la historia en las próximas entregas, es que en una fiesta se acuesta con un chaval, un disidente contestatario, straight edge, vegano, anarquista, hacker y todos los complementos, y resulta que al día siguiente, cuando vuelve a trabajar, es el tipo que le marcan como objetivo. Es un romance al estilo de Romeo y Julieta, pero en el futuro y con códigos actuales.

Se niega a cargárselo, el otro se queda con un drama terrible en su conciencia porque se ha acostado con una poli, pero se escapan junto con el padre alcohólico del chaval, y emprenden una larga huida. En la televisión se inventan que han secuestrado a Stella y los demás guardianes asesinos del programa saldrán tras ellos. Es un argumento muy peliculero y muy divertido, pero fundamentalmente uno lo sigue con la boca abierta por, repito, el dibujo.


Una sociedad vigilada donde los guardianes son estrellas

Kot se mantiene en una línea muy crítica con la degradación de la democracia y los derechos fundamentales. En este caso, opta también por plantear la historia en términos como los de 1984 o Fahrenheit 451, con un vigilante que todo lo ve, que en este caso es un reality. Perdemos la intimidad, y sin intimidad la libertad es muy relativa. Los abusos policiales se suceden, con pérdida de vidas humanas por tonterías y se van normalizando. Eso es lo que preocupa al autor y lo que muestra en estos cómics son sus temores. El pasado de su país, Checoslovaquia, con familiares víctimas de todos los totalitarismos, nazi y soviético, es lo que marca su línea como escritor.

En una entrevista a Nerdist, Kot habla de contraponer las dos grandes facetas de este siglo. Por un lado, la tendencia al totalitarismo; por otro, la frescura y profusión de nuevas ideas, y cómo ambos conceptos están enfrentados y tratan de destruirse el uno al otro por su propia naturaleza. Tradd le daba razón de forma escueta: "Estamos rodeados de horror y estamos rodeados de esperanza".

sábado, 22 de septiembre de 2018

El País:Abuelos que pintan tebeos con sus nietos para alejarlos del teléfono y de la ‘tablet’


Andrés tiene siete años y tiene claro que va a dibujar alimentos. Ha venido con su abuela Sagrario a un taller de cómic para abuelos y nietos que servirá, también, para crear buenos hábitos alimenticios. Y aunque le están enseñando a crear un humano de dos dimensiones, Andrés venía con la idea de casa. Sus personajes tienen cabeza de fresa alegre o están tristes como un plátano. Sagrario está encantada. “Me gusta experimentar”, dice, “hacer cosas que no pude hacer mientras trabajaba”. Además, trata de cuidarse todo lo posible, y una manera de hacerlo es a través de la nutrición sana. Y más, si es con su nieto, “que tiene un cebo con la televisión, se pasa el día viéndola”. Así que, cuando lo cuida ella, lo saca “al parque, a jugar” o monta puzles con él. Andrés es un trasto que no para de reír y hablar. Y dibuja bien.

Andrés y Sagrario son una de las parejas que ha reunido un taller organizado por la Universidad de Alicante (UA) a través de sus aulas de Cómic y Salud. La idea nació de los cursos para mayores del aula de Salud. Sus responsables detectaron que “había personas que no podían acudir porque tenían que hacerse cargo de sus nietos”, cuenta Virginia Carrión, responsable de la iniciativa junto a Adela Alonso. Una actividad a la que se dedica más del 30% de los mayores españoles, que suelen pasar unas seis horas diarias con los pequeños de la familia, según datos de la Sociedad Española de Geriatría y Gerontología. De manera que se pusieron a buscar “un espacio que pudieran compartir, alejado de la presencia continua de las pantallas” y que les uniera “en igualdad de condiciones”. Y lo encontraron en un folio de papel. Y un buen surtido de lápices y gomas de borrar.

La brecha intergeneracional es ahora más profunda que nunca en la historia. La tecnología ha convertido a abuelos y nietos en seres de planetas distintos, en especies diferentes. El predominio analógico o digital los convierte en pingüinos del polo y ñus de la sabana. Y además, la diferencia es casi irreconciliable. “Con este tipo de iniciativas”, asegura Rosa, que ha venido al taller con su nieta Alejandra, de siete años, “se estimula la creatividad y se crean hábitos positivos que ayudan a quitarles otros hábitos negativos”. Estos últimos tienen casi ficha policial: la tablet y el móvil. Los identifica Rosa, pero también el resto de abuelas presentes. Como María Dolores, que dibuja junto a Lucía, de nueve años, e Iris, de siete. “Me manejo bien con las nuevas tecnologías”, subraya, “pero en mi móvil no hay juegos para ellas y la tablet solo se utiliza para consultar cualquier duda”. Sus nietas pasan casi todo el día con ella. Y ha encontrado en la propuesta de la UA “una manera diferente de disfrutarlas”. A Lucía le gusta la idea; a Iris, no tanto. “Yo me paso el día dibujando”, relata la hermana mayor, “y ella da vueltas a la mesa quejándose todo el rato de que se aburre”. Iris asiente. Tiene el día atravesado. La abuela se parte de risa.

A lo largo de cuatro sesiones, abuelas –no se ha presentado ningún abuelo- y nietos deberán “crear una tira cómica con dos personajes, en la que deberán colaborar y decidir el reparto de tareas”, explica Ulises P. López, dibujante y editor de cómic reclutado para impartir “nociones básicas” de cómo se dibuja en los tebeos. Los guiones serán suyos, los personajes serán los mismos para todos. Pero cada pareja o grupo deberá compartir el diseño. “Es importante que decidan juntos quién se encarga de los personajes y quién de los fondos, quién da color, quién redacta los bocadillos”. Como colofón al taller, “se editará un cómic con los trabajos realizados para concienciar sobre los buenos hábitos alimenticios” y también se montará una exposición de los originales.

La decisión de que el hilo argumental de las viñetas sea la nutrición no es casual. “La mayoría de los nietos comen con los abuelos”, destaca Adela Alonso, quien además de coordinar el Aula de Salud de la UA, es adjunta de enfermería en el departamento de salud del Hospital de Alicante. Adoración participa en el taller porque quiere “aprender cosas que no se suelen tener en cuenta a la hora de comer”, porque, a su juicio, “ahora mismo, toca luchar para alimentarse bien”. Es decir, para encontrar “alimentos ecológicos, que encima son muy caros”. Junto a ella está Marina, su nieta, la mayor de todos los presentes, con once años. Le encanta “dibujar, hacer deporte y la música”. De hecho, quiere dedicarse al clarinete de manera profesional. Asegura que no le gusta mucho la tecnología. A su abuela, aún menos. “Me paso días sin descolgar el teléfono”, asevera. “Estamos muy contentas de haber venido, si el curso fuera de Informática, no estaríamos aquí”.

Otra de las intenciones del curso, según Carrión, es “poner en valor el papel educativo de los abuelos y demostrar que tienen un bagaje que compartir”. Como Amparo, que es ceramista y ha venido con Gabriel, de nueve años. Pero cada persona es un mundo. Y cada uno encuentra sus razones. Mari recibe la visita de su nieto Víctor, de siete años, “ocasionalmente”. Así que hace todo lo posible por “hacer cosas juntos” en cuanto surge la oportunidad. María Elisa, acompañada por Daniel y Hugo, de ocho y nueve años, respectivamente, asegura que sus nietos le “enseñan muchas cosas” y le aportan “otra cultura”. Y Maxi es viuda, vive sola y le gustaría que hubiese “más unión, que todos disfrutáramos más de las familias”. Además, quiere que a David, su nieto de siete años, le quede “un buen recuerdo de su abuela”. Parece que lo tendrá fácil. “Me encanta pasar tiempo con ella y me gusta comer con ella”, señala David. Es de los que habla sin que se les pregunte. “El agua hace chof”, grita de repente, cuando el profesor les pregunta por una onomatopeya. Tampoco deja de sonreír. Tampoco es mal dibujante.

viernes, 21 de septiembre de 2018

Censura en el primer cómic de Batman para adultos tras el éxito de su miembro viril


Con el objetivo de llegar a un nuevo tipo de audiencia, la editorial DC Comics desarrollaba hace seis meses la línea Black Label. Tras el éxito de películas de superhéroes como 'Deadpool' y 'Logan', dirigidas ambas a mayores de 18 años, la popular editorial de cómics decidía crear un nuevo tipo de historias orientadas a un público más adulto.

Meses más tarde, y después de prometer que los grandes héroes de DC contarían con su propia historia para adultos, la clásica editorial de cómics ha lanzado el primer número de esta línea: 'Batman: Dammed'. Una historia, que era publicitada como intensa, provocativa y atrevida que se iba a saltar todo tipo de censura y límites con el objetivo de atraer a un nuevo tipo de público. Sin embargo, apenas ha hecho falta un día para que DC haya decidido tomar cartas en el asunto y censurar uno de los momentos más icónicos del número.

Batman muestra su miembro viril por primera vez


En esta nueva línea de cómics, el Joker está muerto. Sin embargo, el popular superhéroe desconoce si ha sido cosa suya o si alguna otra fuerza siniestra de Gotham ha acabado con la vida del príncipe payaso. El problema es que Batman es incapaz lo que ha sucedido con su archienemigo. De hecho, cuanto más profundiza en el caso del Joker, más dudas tiene. Es entonces cuando formará equipo con John Constantine, quien le ayudará a resolver el misterio de la muerte del popular villano.

A lo largo de este primer número, Batman regresa a su Batcueva tras una pelea y pide a su ordenador que le haga un chequeo de su cuerpo. En ese preciso instante, Bruce Wayne comienza a desnudarse, dejando al descubierto por primera vez el miembro viril del superhéroe. Una escena que ha causado furor en Internet, llegando a convertir el hashtag #BatmanPenis en trending topic a nivel mundial.

DC censura el pene del superhéroe

Tras el éxito de esta escena, DC Comics ha decidido censurar el pene de Batman en la versión digital del cómic. Según ha podido saber el medio especializado CBR, el equipo de Black Label ha decidido censurar la escena porque el desnudo de Bruce Wayne "no es aditivo" para la historia.

Por esa misma razón, el sello que prometía una versión sin censuras ha decidido oscurecer las escenas en las que el popular superhéroe muestra su miembro viril. De hecho, también ha anunciado que las próximas ediciones de este cómic estarán editadas digitales para ocultar el que ya es conocido como 'bat-pene'.

jueves, 20 de septiembre de 2018

La guerra civil en el cómic



 «Tengo sed de robar y asesinar. Por algo soy rojo», se presentaba el protagonista de Un miliciano rojo, que Castanys caricaturizaba casi como un monstruo en las viñetas de la revista infantil Pelayos, cual «bruto comunista, animal cruel y sanguinario que torturaba a sus oponentes y asesinaba a mujeres y ancianos». En Flecha, su director, Aróztegui, ridiculizaba al adversario republicano, «sacando partido a la estupidez o la embriaguez de los milicianos», con el personaje de un joven falangista llamado Edmundo Vence Siempre a Todo el Mundo. Eran publicaciones «virulentas y propagandísticas» que entre 1936 y 1938 fueron armas de apoyo del bando nacional para anatemizar al enemigo. A diferencia de ellas (que acabarían fusionándose en Flechas y Pelayos), los cientos de tiras de corta vida de las llamadas revistas de trinchera, en las filas de la República, pretendían educar y entretener al combatiente, expresar la solidaridad entre el frente y la retaguardia y llamar la atención de las potencias extranjeras.

Remontándose a aquellos años empieza el francés Michel Matly el completo, riguroso y profusamente ilustrado ensayo El cómic sobre la guerra civil (Cátedra). Matly, ingeniero químico y amante de la viñeta, ya dedicó al tema su tesis doctoral y numerosos artículos. Él, que alcanzó «la edad adulta en los 70» y no pisó la España de la dictadura, se casó con una española. Ahora documenta y analiza cómo, desde el inicio de la contienda hasta prácticamente hoy, 500 obras han abordado la guerra civil en los últimos 80 años. Desde los 70, estima que han sido 350 (8.000 páginas; 150 álbumes y 200 historias cortas) de 250 autores. Aunque el 60% de las que estudia son españolas, no olvida las publicadas en otros 14 países, principalmente en Francia, Argentina, Italia y Estados Unidos.

«A pesar de los esfuerzos reales por relegar la guerra civil al pasado y al olvido, su memoria permanece viva, y conflictiva, en España, por supuesto, donde casi no hay familia que no conserve las heridas», pero «también entre los descendientes del exilio republicano», constata Matly, quien además del recorrido cronológico dedica atención a tres «temas sensibles»: la violencia contra civiles, y contra mujeres en particular, la Iglesia católica -en «su doble dimensión de violencias perpetradas contra ella y de su alianza y complicidad con el franquismo» y el exilio y la cárcel.

Con la excepción del citado miliciano rojo, con las manos rojas de sangre de sus víctimas, la violencia contra civiles es casi inexistente en el cómic español (que no en el argentino) hasta los 80, cuando, según Matly, es denunciada, tanto la de un bando como la del otro, por «estúpida y gratuita». Quien más la expone en los años 2000 es, condenándola, Carlos Giménez. El dibujante, que desde 1975 viene regresando a su infancia en un Hogar del Auxilio Social de la dictadura en sucesivas entregas de la magna Paracuellos (la última, el año pasado), la reflejaba en la portada del primer tomo de Malos tiempos 36-39, donde una mujer clama que no le maten al marido, al que se llevan detenido, o en montones de cadáveres de asesinados. Imágenes de la represión que también evoca Sento en Un médico novato, sobre las vivencias de su suegro, o Miguel Gallardo en Un largo silencio, sobre las de su padre. Los autores españoles apenas tocan el tema de la violación, pero sí destaca Matly las humillaciones a republicanas, rapadas y desnudadas, en Y tú, ¿qué has hecho por la victoria?, de Víctor Mora y Alfonso Font, y cómo la miseria obliga a las mujeres a prostituirse, mostrando una cruda secuencia del propio Font en La broma, donde una niña ofrece su cuerpo a cambio de un poco de sopa.

miércoles, 19 de septiembre de 2018

RTVE:Érase una vez... el cómic


"Érase una vez un planeta triste y oscuro. Y la luz, al nacer, descubrió un bonito mundo de color. Un león, un dragón, una flor y una mariposa y el señor que pensó: desde hoy todas esas cosas cuidaré"

Seguro que muchos todavía sois capaces de cantar las primeras estrofas de la canción de Érase una vez... el hombre, que interpretaba el grupo infantil Caramelos. Y es que sigue siendo una de las series más recordadas para toda una generación que nos preguntamos: ¿por qué no hay cosas similares en la actualidad dirigidas a los niños?
Una serie de 1978 que este año cumple su 40 aniversario, aunque en España se emitió en 1979, y que compaginaba de una forma muy original y novedosa el aprendizaje y la diversión. En sus 26 capítulos se hacía un repaso de la historia de la humanidad, con el que muchos niños aprendimos un montón de cosas que se nos han quedado grabadas. Ahora, coincidiendo con ese 40 aniversario, nos llega la versión en cómic: Érase una vez... el hombre (ecc Ediciones), cuyo primer tomo está dedicado a la prehistoria.

Un cómic en el que nos reencontramos con los famosos personajes que nos acompañaron en nuestra niñez: el Maestro (un entrañable anciano con una larga barba blanca que tenía las respuestas a todas las preguntas), Pedrito, Flor y Gordo (un simpático trío que nos acompañó a través de la toda la historia de la humanidad) y los traviesos Tiñoso y Canijo (siempre dispuestos a cometer alguna trastada para alterar la historia, aunque nunca lo consiguieran).


Un cómic muy fiel con la serie original

Esta nueva colección de cómics respeta fielmente las premisas de la serie original, aunque esté convenientemente actualizado para incluir los últimos hallazgos científicos e históricos (en estos 40 años han cambiado muchas cosas) y con un aspecto totalmente renovado gracias a los dibujos de Jean Barbaud, un gran artista francés que sabe dotar de expresividad a los personajes.

Pero que, a la vez mantiene todas las señas de identidad de la serie, desde el reloj que nos mostraba el paso del tiempo hasta las numerosas anécdotas y peripecias de los personajes que permiten conocer todos los datos históricos con una sonrisa en los labios.

Un cómic ideal para compartir con los chavales, porque también nos permite recordar algunos acontecimientos históricos que se nos han olvidado, y nos hace revivir algunos de los recuerdos más felices de nuestra infancia.


Una de las primeras series de animación educativas

Ahora hay muchas series de animación educativas (aunque no tan ambiciosas), pero en aquella época Érase una vez el hombre... fue toda una revolución por esa forma de conjugar entretenimiento y aprendizaje. Fue un proyecto del francés Albert Barillé que se convirtió en un éxito inmediato.

La mejor prueba es que en los años siguientes hubo numerosas secuelas de la serie original igual de interesantes y educativas: Erase una vez... La vida, Érase una vez... El Espacio, Érase una vez... Las Américas, Érase una vez... Los Inventores y Érase una vez... Los Exploradores.  Seis series desde 1978 hasta 1996, siempre con los mismos protagonistas, lo que nos permite hacernos una idea del éxito que tuvo en su momento.

Por cierto que estos no son los primeros cómics de Érase una vez... El Hombre. En 1979 ya se publicó una serie cuya versión española tenía textos del gran Víctor Mora, el inolvidable creador del Capitán Trueno.

Una serie que fue revolucionaria en su momento y cuyo espíritu de aprendizaje y diversión continúa ahora con esta serie de cómics publicados en España en la línea infantil Komomo, de ECC Cómics, que también incluye versiones para niños, absolutamente deliciosas, de los principales superhéroes de DC.

martes, 18 de septiembre de 2018

El País:El Vértigo de una mujer que cambió la historia del cómic


Todo empezó con una película terrible. La cosa del pantano, dirigida por un intocable del terror, Wes Craven, el padre de Freddy Krueger. Aquella lamentable adaptación hizo que DC Comics desperezara al personaje y que lo pusiera en las manos de un veintiañero con fama de virtuoso llegado de las islas británicas. Aquel veintiañero se llamaba Alan Moore y lo que hizo con el maltratado hombre-planta es historia indeleble del cómic.

Lo que es menos historia es la mujer que estaba tras ese hito, la que movía los hilos para iniciar una revolución que, como reconocía Frank Miller o Paul Levitt el año pasado a este periódico en conversaciones informales, fue cambiar el cómic norteamericano para siempre. Iniciar una revolución en temas, hondura y calidad artística que es perfectamente comparable a la Nouvelle Vague o su explosiva mímesis en el Nuevo Hollywood de los setenta, capitaneado por Coppola, Scorsese, De Palma, Lucas, Spielberg y cía.

Esa revolución se llamó igual que otro mito de la cultura, el Vértigo de Alfred Hitchcock, y fue capitaneada por la editora Karen Berger. Vivió con esplendor veinte años, los noventa y la primera década de los 2000, ofreciendo tebeos inolvidables como lo fueron Los libros de la magia, 100 balas, La fuente y más que ninguno Sandman, amén de reediciones de clásicos como la etapa de Alan Moore de La cosa del pantano o V de Vendetta o los propios de Grant Morrison, Animal man y Doom patrol.

La segunda década de los 2000 y los múltiples cambios que han sacudido —aún en pleno seísmo— al mundo del cómic tambaleó a Vértigo. Hasta muy reciente fecha, en la que se ha anunciado un auténtico renacimiento del sello con un buen puñado de nuevas series. Pero Vértigo fue y es lo que Berger soñó hace 25 años, en un mundo de viñetas poblado por superhéroes y sus eternas batallas, un paréntesis para aquellos lectores que buscan otra clase de hondura en los tebeos sin renunciar por ello a un imaginario de envergadura.

Esta pasada semana, en el marco de las XXIII Jornadas Internacionales del cómic de Avilés, dos autores de fuste de Vértigo, el guionista Mike Carey (Sandman presents: Lucifer, Sandman presents: Petrefax) y el dibujante R.M. Guerá (Scalped), homenajearon los 25 años de Vértigo y a su creadora durante una mesa redonda. Ambos llegaron a Vértigo antes como lectores que como escritores. “Yo por aquel entonces era periodista en medios pequeños y recuerdo que fue precisamente escribiendo una reseña del primer número de Sandman de Neil que me di cuenta de la enorme revolución que se estaba gestando en el medio.”

Guerá precisó más los cimientos artísticos que singularizan a Vértigo y su propuesta, asemejándola a un gusto mucho más europeo por lo artístico: “Yo tuve una infancia singular por crecer en Yugoslavia y allí está muy claro que algo interesante es mucho mejor que algo generalista. Cosas que están bien se han hecho muchas en la historia; pocas realmente interesantes. Vértigo, y por eso su supervivencia era tan importante, era uno de esos pocos lugares donde las historias siempre tenían algo interesante. Para mí, representaba lo más europeo que había en Estados Unidos.”

Vértigo, para Carey, nació de una hipérbole: “Se creyeron que en nuestras islas había 58 millones de Alan Moore, y eso, a mí también en lo personal, nos vino muy bien. Venían año a año a ver a quiénes se llevaban”. Fue así, los Berger y Levitt del momento rastrearon las huellas que explicaran una obra de la magnitud de Watchmen y se encontraron con lo que Berger describió, en una entrevista para el canal televisivo Syfy, como una “vibrante escena underground”. Revistas como 2.000 A.D. o Warrior eran las trincheras en las que autores de la talla de Garth Ennis, Neil Gaiman, Grant Morrison, Mike Carey o el propio Moore se batían el cobre. Un filón a explotar por un mercado americano sobresaturado de superhéroes. Y una oportunidad de DC Comics para ofrecer algo que su competidora de siempre, la Gran M, nunca ha logrado sublimar: el tebeo de autor con alcance de fenómeno de masas. Guéra lo define de manera sucinta: “En Vértigo hubo corazón. Todo el mundo lo daba todo. Es algo que en Marvel no ha pasado mucho.”

Pero no fue algo inmediato, como recuerda Carey. “Los primeros cómics de Vértigo [como La cosa del pantano de Moore] llevaban el sello de DC Comics porque el sello en sí no existía. Fue Karen Berger la que se dio cuenta de que estaban publicando una serie de cómics que compartía un espíritu, una sensibilidad entre sí. Y ello le llevó a crear el sello que podía englobarlas a todas. Karen creó Vértigo por entero, era su visión”. Carey abundó en el papel esencial de esta editora en pavimentar una continuidad en una apuesta tan experimental, tanto por el trabajo que hacía en primera persona como por la cultura que transmitía a sus compañeros de edición: “Si nos fijamos en la lista de los grandes editores de Vértigo, nos damos cuenta de una cosa: todos empezaron como asistentes de Karen Berger. Axel Alonso, Will Dennis, Shelley Bond… Todos aprendieron sus instintos editoriales de ella. Era una suerte de linaje”.

El legado de Berger ha dejado un poso palpable que ha tenido una continuidad incluso más allá de Vértigo. Guéra ve en la editorial indie del momento, Image, la gran heredera de este espíritu: "Para mí es el futuro del cómic. Es una editorial de pocas personas, infinitamente menos que DC Comics o Marvel o, si nos vamos a Europa, Glénat. Ellos se encargan de dos cosas, marketing y distribución. Como autor, desde luego, incurres en muchos más gastos, pero también ganas luego mucho más. Yo creo que tienen mejor futuro que DC o Marvel porque en estas editoriales se siguen usando ideas porque en el pasado funcionaban. Jamás he creído en eso. Nadie puede tener certezas en el cómic sobre qué va a funcionar. Lo único que se puede poner es el esfuerzo." Además, Image coincide con la estrategia multicultural de gigantes como Netflix, apostando por equipos de guionista-ilustrador inusuales como el que conforman por ejemplo la española Emma Ríos como guionista y la malaya Hwei Lim en Mirror.

El cómic atraviesa por un momento particularmente tumultuoso. En ventas y en cuestionamiento ético, con una terrible tormenta bajo el hashtag Comicsgate amenazando en el horizonte, un colectivo de exaltados de extrema derecha que quieren dinamitar la diversidad en cómics y crear una industria paralela que lleve a la praxis sus ideas retrógradas. Entre otras cosas, ridiculizando a las mujeres que se dedican a la viñeta, como hicieron acosando a un grupo de editoras de Marvel por subir una foto a Instagram para celebrar su compañerismo. No está mal recordar que el momento más crucial de la historia del cómic contemporáneo se le debe a una mujer. Una mujer con una visión muy clara, que recordó en el día más duro, hace seis años, cuando dejó marchar su Vértigo tras 20 años de maternidad: "Estoy increíblemente orgullosa de haber creado un hogar para que guionistas y dibujantes puedan contar historias progresistas y provocadoras que ampliaron los horizontes del tebeo". Exactamente eso es lo que hizo.

lunes, 17 de septiembre de 2018

RTVE:Rompetechos, un "visionario" del cómic


No hemos podido evitar hacer el chiste del título pero es que creemos que a pesar de que fuera bastante cegato, Rompetechos también fue un visionario del cómic español. Posiblemente el personaje de Ibáñez con mayor crítica social. Una parodia de aquellos señores de negro, de los años 60, que propugnaban los valores tradicionales de una sociedad anclada en el pasado. Ahora Bruguera Clásica publica el segundo integral de las aventuras dibujadas por su creador, Francisco Ibáñez. Un cómic no sólo para nostálgicos, que tendréis en las librerías en octubre.

En una de las ocasiones en que hemos hablado con Ibáñez nos reconocía que: “Mi personaje favorito, más que Mortadelo y Filemón, es Rompetechos. Ahí se cumple el tópico de que el personaje se parece al autor. A cualquiera de los dos nos quitan las gafas y nos tienen que llevar a casa de la mano"

"Rompetechos me gusta horrores. Ten en cuenta que mis personajes son siempre por parejas o por tríos, pero Rompetechos era uno solo, y además chiquitajo. Cundía mucho, te ventilabas la historieta en un momento. Ha sido siempre mi personaje favorito" -concluía Ibáñez-.

Ese cariño queda patente en este volumen en el que los gags se acumulan a una velocidad de vértigo, sin dar ni un respiro al lector. Pero es que esa era la marca de fábrica de Ibáñez.

Edición integral

Destacar esta lujosa edición en un tamaño mayor al que las páginas se publicaron en su día, lo que nos permite apreciar mejor el arte de Ibáñez. Y también el nuevo coloreado. Aunque permanece la rotulación mecánica propia de las revisas de Bruguera de la época.

El autor deja patente en estas viñetas el cariño que sentía por el personaje. Destacando sus espectaculares portadas, llenas de detalles (como las de la revista Din Dan que se incluyen en este volumen).

También destacamos las 150 páginas de aventuras de Rompetechos que Ibáñez publicó entre 2003 y 2009, para la revista Top Cómic. Por su estupendo dibujo y porque era el reencuentro del autor con el personaje tras 25 años (Super DDT 62, 1978), después de los problemas que tuvo con los derechos de sus personajes y de dedicarse casi en exclusiva a Mortadelo y Filemón. Además, es la primera vez que se recopilan juntas.

Sin olvidar que en esas nuevas aventuras de Rompetechos también vemos una de las aficiones del autor desde esa época, la de caricaturizar a políticos y famosos. Aquí Rompetechos estará a punto de acabar con el mismísimo José María Aznar, por entonces presidente de España.

Una edición en la que también destacamos los prólogos. El del primer tomo es de uno de los mayores expertos de cómic de este país, Antoni Guiral, que hace un repaso de la historia del personaje lleno de anécdotas. Y el prólogo del segundo tomo es del acto Carlos Areces, que es uno de los mayores coleccionistas de Bruguera de España. Areces recuerda una anécdota de su niñez que nos hace retroceder a esa maravillosa etapa, a todos las que leímos estos tebeos de pequeños.

Bajito, cegato y con mala leche

Rompetechos nació en 1964, en el Nº 161 de la segunda época de Tío Vivo, cuando Ibáñez ya era el dibujante más popular gracias al éxito de Mortadelo y Filemón (1958). En una entrevista realizada por Víctor Colomer, en 2003, Ibáñez describía así el origen del personaje: “El dueño de Bruguera vio una película americana con un piloto alto y delgado al que llamaban Rompetechos y me obligó a bautizar así al personaje. Obedecí, pero lo cambié totalmente” (La película en realidad era una producción alemana de 1941 en la que la impericia de un piloto le hacía destrozar los techos de varias casas . Y de ahí el apodo de “Rompetechos”).

El principal cambio físico de Ibáñez fue convertirlo en un señor bajito, con lo que también hizo un chiste con el nombre del personaje. Además de que así, Rompetechos se diferenciaba claramente de Mortadelo que también es bastante corto de vista.

En el imprescindible prólogo del primer volumen, Antoni Guiral destaca que: “Rompetechos se convirtió en uno de esos señores solteros, huraños, vestidos implacablemente de negro, que abundaban en la vida cotidiana de los años sesenta. Un hombre de principios morales y éticos rígidos que, condicionados por sus problemas de visión, acaba por poner en solfa las reglas más convencionales de la convivencia, entrando de lleno en el caos… es una de las series más gamberras, burlonas y, en su momento, más políticamente incorrectas”.

“Carne de ternera” o “Carnet de tercera”

Lo cierto es que las aventuras de Rompetechos siempre empezaban con el protagonista de muy buen humor y dispuesto a ayudar a sus semejantes, pero en cuanto algún cartel se cruzaba en su camino, la lectura errónea del mismo daba lugar a confusiones que acababan con Rompetechos sembrando el caos a su alrededor.

Y al final ese buen humor era sustituido por enfados monumentales porque Rompetechos acababa pensando que nadie le entendía y que el mundo entero se conjuraba en su contra. Cuando en realidad era él el que iba causando problemas a su paso.

Como decimos Rompetechos se convirtió en uno de los personajes favoritos de su autor, y también de los más populares, por lo que habitualmente aparecía de estrella invitada en las otras series de Ibáñez, desde 13, Rue del Percebe hasta Mortadelo y Filemón o Pepe Gotera y Otilio.

Y en estos últimos años, en los que Ibáñez ya solo dibuja Mortadelo, es habitual encontrarse a Rompetechos haciendo algún cameo. Al igual que también aparecía en la película de Mortadelo y Filemón de Fesser. Por cierto que Emilio Gavira hacía una gran interpretación del personaje.

Destacar que este segundo volumen de Rompetechos llega solo un mes antes de la anunciada recuperación del sello Bruguera por parte de la editorial Penguin Random House que, a partir de octubre, publicará 45 novedades al año entre reediciones y material nuevo. Entre los primeros títulos anunciados destacan Lo mejor de Sir Tim O'Theo (octubre), que recoge las aventuras largas del personaje de RAF; Lo mejor de las aventuras cortas de Mortadelo y Filemón, de Ibáñez (Octubre); o Lo mejor de Vázquez, de Manuel Vázquez (Noviembre).

sábado, 15 de septiembre de 2018

Muñecos gigantes o carreras de automóviles en IX Fiesta del Cómic de Bruselas


Muñecos gigantes, carreras de automóviles y multitud de actos inundan desde hoy el centro de Bruselas por la celebración de la IX Fiesta del Cómic, que se inauguró con el célebre tebeo franco-belga Alix como principal protagonista.

En la edición de este año, en el parque junto al Palacio Real, se podrán ver a los personajes más queridos del cómic belga, como Tintín, Los Pitufos, Spirou o Lucky Luke, a través de los cuales las distintas editoriales han querido reivindicar la posición del noveno arte como otro de los artes mayores.


La gran cita europea del cómic, que se prolongará hasta el próximo domingo, ofrece cada año desde 2010 una amplia programación de actividades diseminadas por toda la ciudad y congrega a cerca de 100.000 personas y 250 historietistas y profesionales del cómic distribuidos por cuatro pabellones.

"Bruselas es una de las capitales mundiales del cómic. Hergé con Tintín, Los Pitufos... tenemos numerosos autores que nacieron, caminaron o se radicaron en Bruselas", declaró a Efe el organizador del festival, Micha Kapetanovic, que agregó que por ello "hay una relación muy tradicional entre el cómic y Bruselas, porque es parte del ADN de la ciudad".


Los autores participan además en casi 20 actividades, donde pueden "reunirse, intercambiar y firmar contratos", aseguró el Kapetanovic, quien aseveró que "hay que estar en Bruselas para poder pertenecer a la familia del cómic".


El festival celebrará además en esta edición el 70 cumpleaños de la serie de cómic franco-belga Alix, que será el personaje de honor y que hoy estuvo omnipresente, empezando por la inauguración hoy de la exhibición "Alix, el arte de Jacques Martin", en el Museo del Cincuentenario.
Alix promete jugar un papel protagonista durante la marcha de globos gigantes el sábado, en la que, como todos los años, los personajes más representativos del noveno arte franco-belga se pasearán como colosos por las amplias calles aledañas a la Estación Central.


Y es que es precisamente en las calles donde las historietas belgas cobran vida durante todo el año de mano de los llamados "paseos del cómic", más de 40 murales pintados por todo Bruselas con viñetas de cómics tan queridos como Tintín, Corto Maltés o los Pitufos.


Alix toma el relevo este año de Gaston Lagaffe (Tomás el Gafe, en español), un antihéroe "típico bruselBruselas, 14 sep (EFE).- Muñecos gigantes, carreras de automóviles y multitud de actos inundan desde hoy el centro de Bruselas por la celebración de la IX Fiesta del Cómic, que se inauguró con el célebre tebeo franco-belga Alix como principal protagonista.


En la edición de este año, en el parque junto al Palacio Real, se podrán ver a los personajes más queridos del cómic belga, como Tintín, Los Pitufos, Spirou o Lucky Luke, a través de los cuales las distintas editoriales han querido reivindicar la posición del noveno arte como otro de los artes mayores.


La gran cita europea del cómic, que se prolongará hasta el próximo domingo, ofrece cada año desde 2010 una amplia programación de actividades diseminadas por toda la ciudad y congrega a cerca de 100.000 personas y 250 historietistas y profesionales del cómic distribuidos por cuatro pabellones.

"Bruselas es una de las capitales mundiales del cómic. Hergé con Tintín, Los Pitufos... tenemos numerosos autores que nacieron, caminaron o se radicaron en Bruselas", declaró a Efe el organizador del festival, Micha Kapetanovic, que agregó que por ello "hay una relación muy tradicional entre el cómic y Bruselas, porque es parte del ADN de la ciudad".

Los autores participan además en casi 20 actividades, donde pueden "reunirse, intercambiar y firmar contratos", aseguró el Kapetanovic, quien aseveró que "hay que estar en Bruselas para poder pertenecer a la familia del cómic".


El festival celebrará además en esta edición el 70 cumpleaños de la serie de cómic franco-belga Alix, que será el personaje de honor y que hoy estuvo omnipresente, empezando por la inauguración hoy de la exhibición "Alix, el arte de Jacques Martin", en el Museo del Cincuentenario.


Alix promete jugar un papel protagonista durante la marcha de globos gigantes el sábado, en la que, como todos los años, los personajes más representativos del noveno arte franco-belga se pasearán como colosos por las amplias calles aledañas a la Estación Central.


Y es que es precisamente en las calles donde las historietas belgas cobran vida durante todo el año de mano de los llamados "paseos del cómic", más de 40 murales pintados por todo Bruselas con viñetas de cómics tan queridos como Tintín, Corto Maltés o los Pitufos.


Alix toma el relevo este año de Gaston Lagaffe (Tomás el Gafe, en español), un antihéroe "típico bruselense" y conocido por sus meteduras de pata.


El año pasado, para celebrar el 60 cumpleaños de este personaje de André Franquin, creador también de Spirou y Fantasio, se vistió como él al turístico Manneken Pis, con su característico jersey verde, vaqueros, calcetines rojos y zapatos azules.

Además de famosas editoriales belgas de la "bande dessinée" (BD; "cómic" en francés), como se denomina al cómic francófono europeo para distinguirlo de las tradiciones estadounidenses o japonesas, los pasillos de los pabellones se atestaron asimismo de aficionados agolpados ante stands como Belgotaku, dedicado al "manga" japonés, Fanwars 501st Garrison, sobre Star Wars, o la Zone Geek, con juegos de mesa, "cosplay" (disfraces) y parafernalia pop.


Por cuarto año consecutivo, el cómic vasco tendrá su lugar en el pabellón internacional, esta edición de la mano de los ilustradores Begoña Durruty y Marko Armpach, que participarán, respectivamente, en un taller para niños y en una mesa redonda con autores de Luxemburgo, Portugal y Turquía, y en colaboración con la Delegación de Euskadi para la Unión Europea.


"Da gusto ver que todo el mundo lee cómics en Bélgica, no sólo los niños", contó a Efe Durruty.
"En el País Vasco somos un pueblo muy pequeño, por lo que el mercado en euskera es minúsculo. Nos gustaría poder ser otro granito de arena en el panorama y nos parece importante estar en esta plaza".ense" y conocido por sus meteduras de pata.

martes, 11 de septiembre de 2018

Pau", un cómic educativo para visibilizar a jóvenes Lgtbq y prevenir acoso


"Con la pretensión de promover y de trabajar por escuelas más inclusivas, que sean espacios de convivencia que respetan y aprueban la diferencia es por lo que presentamos estos materiales", ha explicado el secretario general de FE-CCOO, Paco García, en la presentación de esta herramienta educativa que ha tenido lugar en la liberaría Mujeres, en Madrid.

Con 19 páginas, esta guía pretende sensibilizar sobre la diversidad afectivo-sexual y de género. La guía está formada por varias historias narradas en formato cómic y tienen como protagonista a Pau, una adolescente trans, acompañada por sus compañeros de instituto.
De este modo, el material explica conceptos relativos a la identidad o la sexualidad, como por ejemplo, qué es la orientación sexual y la identidad de género; las diferencias entre transexual y transgénero; qué es la LGBTfobia; qué significa para una persona 'salir del armario'; la relación y el papel que juega la familia; o la prevención ante las infecciones de transmisión sexual.

El acto ha contado con la participación de la presidenta de FELGTB, Uge Sangil; de la secretaria de Mujer, Políticas de Igualdad y LGTBIQ de FE-CCOO, Belén de la Rosa; y de Paris Espinosa, una joven trans que ha ofrecido su testimonio para dar visibilidad la realidad del alumnado LGTBI y el trans. "Esto es muy, muy necesario", ha asegurado Paris.

"No quiero explicar experiencias en concreto porque me parece que es imaginable la pesadilla, la situación de auxilio que se vive pasando por una infancia donde tienes una falta de comprensión y la necesidad de información", ha asegurado la joven.

Paris cree que ofrecer información en materia de diversidad sexual "debería ser obligatorio" en los colegios. "Ojalá, en el centro donde yo he estudiado, un día, que no hubo ninguno, alguien me hubiese iluminado con esto, y que no hubiese tenido que esperar a tener 17 años para darme cuenta de que ni estaba sola, ni que estaba enferma de la cabeza o que era una desgracia", ha relatado visiblemente emocionada.

Por su parte, la presidenta de FELGTB, Uge Sangil, ha hecho hincapié en la necesidad de seguir trabajando porque siguen existiendo "unos niveles de acoso muy altos entre la población LGTBI en los centros escolares" y ha añadido que hay cifras que "alarman".

EL ACOSO EN CIFRAS


Según ha indicado Sangil, hay estudios que revelan que el 43% del alumnado LGTBI ha sufrido acoso; en la Comunidad de Madrid, el 60% de adolescentes ha presenciado agresiones homofóbicas en su instituto y el 15% del alumnado LGTBI o percibido como tal sufre ciberacoso. En Aragón, un 75% del alumnado LGTBI encuestado afirma tener miedo al rechazo y no sentirse a gusto en clase.

"Somos el segundo motivo de acoso en los centros escolares" (por detrás del acoso por el aspecto físico), ha destacado, para después poner el acento en otra situación que afecta a los profesores y docentes LGTBI. Así, Sangil ha afirmado que es una figura que "no es visible", cuando debe ser "el referente del alumnado".

Entre las reivindicaciones de la Federación, su presidenta reclama que el Ministerio de Educación trabaje la educación en diversidad de manera transversal y lo introduzca en el currículo; protocolos específicos para el alumnado LGBTI; y que se apruebe la Ley de Igualdad LGTBI que está en tramitación en el Congreso. Sangil entiende que el nuevo Gobierno es "pro-diversidad" y espera que la norma sea aprobada antes de final de año.

La secretaria de Mujer, Políticas de Igualdad y LGTBIQ de FE-CCOO ha explicado que la mayoría de los niños que sufren acoso escolar no suelen contárselo a la familia o al profesorado, sino a sus compañeros. Belén de la Rosa ha denunciado que existen leyes autonómicas en la mayoría de las comunidades que "no se están implementando" y ha reclamado financiación pública para ponerlas en marcha.

Finalmente, Paco García ha reclamado "la puesta en marcha inmediata de medidas que promuevan una educación libre de sexismo, LGTBIfobias y acosos, como la creación de agentes de igualdad en los centros, la incorporación de contenidos curriculares a favor de la coeducación, el aumento de recursos humanos y la reactivación real del Observatorio estatal por la convivencia escolar".

Articulo:Necesitamos a Tintin



«Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí». El microrrelato de Monterrosso define a la perfección el estado del mundo tras cualquier tregua vacacional. El dinosaurio sigue ahí. Sucede desde que el mundo es mundo, cierto. Tal vez por ello, desde la infancia se nos educa en la necesidad del héroe, o de los superhéroes, capaces de estabilizar el progresivo desorden mundial. Ahora bien, también en esto hay estilos. No es lo mismo Guillermo Brown que Superman. Pero, a decir verdad, ninguno más necesario que aquel en quien Charles de Gaulle advirtió su 'único rival'. Un joven periodista llamado Tintín, nacido de la pluma del belga Georges Remi-Hergé, quien nos regaló veinticuatro álbumes míticos. Un siglo de pervivencia y trescientos millones de copias justifican todo lo más.

Sobre él se han publicado infinidad de estudios. Prevalecen los freudianos que ven en el joven reportero una homosexualidad latente, o una edípica búsqueda del padre en la figura de su inseparable capitán Haddock. Pero, sin duda, el más compatible con esta página es el que firma Pierre Assouline. ¿Y si Tintín implicara un modelo avanzado de resolución de conflictos, frente al uso y abuso de la fuerza propio de los superhéroes Marvel? En los primeros álbumes todavía afectaba el imaginario colonial de la Europa de los años 20, como vemos en 'Tintín en el Congo'. Todo comienza a cambiar con su inmersión en la China de 'El Loto Azul'. Aquí, Tintín desactiva el cliché del peligro amarillo y llega a afirmar: «los pueblos se conocen mal». Conocerlos mejor no le lleva a evadirse, sino todo lo contrario. En sucesivas incursiones desenmascara a las oligarquías del Golfo -'El cangrejo de las pinzas de oro'-, las tensiones de la Guerra Fría, y tanto a las multinacionales o a las mafias norteamericanas como a los dictadores bananeros. Ya en 'El cetro de Ottokar', nos enfrenta a un tirano llamado Müsstler -híbrido de Mussolini y Hitler-. Pese a la ocupación alemana de Bruselas, en 1940, nadie se atrevió a retirarlo de las librerías.

Para Assouline el estilo de Hergé, la línea clara, implica una exigencia ética de alcance político. Intentar resolver los conflictos de una manera inteligente y no creerse jamás un superhéroe. Hoy nos venden en alta definición un mundo donde todo tiende a oscurecerse. ¿Porque ya no quedan periodistas a lo Tintín o porque la línea clara nos parece cosa de niños? Craso error: sus álbumes siguen siendo prescriptivos para lectores de entre 9 y 99 años. Como usted mismo. 


Enlace: https://www.diariovasco.com/opinion/necesitamos-tintin-20180911202118-nt.html

lunes, 10 de septiembre de 2018

RTVE:Una colección para aprender a amar y a respetar la naturaleza


Por mucho que nos estén avisando seguimos sin renunciar a nuestro lujoso estilo de vida, a pesar del serio perjuicio que conlleva para la naturaleza. Esperamos que las próximas generaciones sean más respetuosas con el Medio Ambiente y para ello nada mejor que nos eduquen desde pequeños a amar la naturaleza. Por eso hoy os recomendamos la colección Los pequeños salvajes (Errata Naturae), que tiene como objetivo que niños, jóvenes (y no tan jóvenes) nos concienciemos de que hay que amar y respetar la naturaleza.

Una colección en la que habrá álbumes ilustrados, cuentos clásicos y modernos, novelas, cuadernos de aventuras e incluso guías que nos descubrirán los secretos más sorprendentes de la naturaleza. Y que busca enseñar divirtiendo, algo fundamental en la épcoa en que vivimos. En todos estos libros la naturaleza será la gran protagonista, destacando su belleza y la importancia de su preservación. Así que ya va siendo hora de que empecemos a pensar en verde, antes de que tengamos que llorar la pérdida de más ecosistemas.
Una colección que también nos enseña que la naturaleza está a nuestro alrededor. Solo hace falta querer verla o sentirla.
'En busca de lo salvaje'

El primer libro de esta colección, que ya está a la venta, es un bello cuento, En busca de lo salvaje, de la escritora Megan Wagner Lloyd y la ilustradora Abigail Halpin, ambas norteamericanas. Megan confiesa que una de sus mayores aficiones ese pasear por el bosque y perderse, a ver qué descubre.

Y eso, precisamente, es lo que nos propone este bello libro, que nos alejemos momentáneamente del asfalto de las ciudades para reencontrarnos con lo salvaje, con la naturaleza, que nos ofrecerá un montón de sensaciones realmente maravillosas.
Los protagonistas son dos niños que salen del metro y se despistan por una hoja a la que lleva el viento y deciden seguir, conduciéndolos a una maravillosa aventura que les alejará de su ciudad para sumergirles en toda la belleza del mundo salvaje.

Siguiéndoles, nos perderemos en un bosque en el que descubriremos que lo salvaje es tan frágil "como un recién nacido" y que si no cuidamos la naturaleza, podemos perderla. Pero, a la vez, descubriremos que la naturaleza es una fuerza imparable, capaz de sobrevivir a las mayores catástSi seguimos sus reglas, si convivimos con la naturaleza, descubriremos un maravilloso mundo lleno de colores, olores, sabores... en definitiva, un paraíso para nuestros sentidos, abotargados por los ruidos y los malos olores de la ciudad. Y si nos empeñamos en maltratarla descubriremos que la naturaleza no está indefensa y que es capaz de arañarnos, de pincharnos o de quemarnos.

Un libro que nos demuestra que no hay nada más relajante que un baño en un río o las golosinas que nos ofrece la naturaleza, como la miel de las abejas, la menta fresca o las moras.

Y es que la naturaleza es una fuerza irresistible que no se puede contener y que termina por aflorar. Por eso hay que saber dónde buscarla.

Un libro que destaca por las serpenteantes y bellísimas ilustraciones de Abigail Halpin que parecen florecer en cada página, que desembocan una explosión de formas y colores, como la naturaleza misma a la que representan. Ideal para compartir en familia, sin importar la edad. rofes medioambientales. 


Próximos títulos de la colección

Este es solo el primer título de la colección, que se ampliará en los próximos meses con otros títulos igual de bellos e imprescindibles:

-Cuaderno de aventuras, de Keiko Brodeur. Una invitación a salir de excursión. Una guía que nos enseña a reconocer las setas y las constelaciones del cielo y detalla lo que necesitamos para salir de excursión. (15 de octubre)

-La increíble vida de los paisajes, de Claire Leceuvre y Vincent Mahé. La historia de algunos de los lugares más bellos de la tierra, de cómo evolucionaron, y las leyendas que han surgido en torno a ellos. (12 de noviembre)

-El libro de los pájaros, de Nathalie Tordjman, Judith Gueyfier y Julien Norwood. Un libro en el qué lo aprenderemos todo sobre los pájaros ¿Por qué cantan? ¿Cáales son sus alimentos preferidos? Y con juegos y actividades para poner a prueba nuestros conocimientos sobre ellos. (Próximamente)

-Natcha, de Mélodie Baschet.  Un precioso cuento que también es un canto de amor a la naturaleza, protagonizado por Natchalak, el bello chacal dorado hijo del sol. (Próximamente)

-El señor arquitecto y los animales del bosque, de Kunihijo Aoyama. Un viejo enano gruñón y solitario deberá aceptar la ayuda de los animales del bosque para construir la casa de sus sueños.

sábado, 8 de septiembre de 2018

Salvador Larroca: "No hay personajes malos, sino equipos creativos malos"





Durante los últimos 25 años, Salvador Larroca (València, 1964) ha averiguado qué se siente al ser Darth Vader, Lobezno o el Capitán América. Sus manos han salvado el mundo en un incontable numero de ocasiones y podría pasarse horas hablando del aspecto que tiene cada centímetro de algunos planetas con los que la mayoría de simples mortales apenas pueden soñar. Ante sus ojos se han sucedido los enfrentamientos entre mutantes y las conspiraciones de genios del mal. Larroca ha vivido todo eso y lo ha hecho, además, casi sin moverse de su escritorio. No en vano, este dibujante lleva cinco lustros trabajando para Marvel, el indiscutible titán de los cómics de superhéroes. Un aniversario que celebrará el próximo mes en Madrid con charlas y una exposición sobre su obra.

En el portfolio de este valenciano se apretujan casi todas las grandes estrellas de la compañía estadounidense, desde X-Men hasta Los Vengadores. Si lleva mallas y lucha contra el mal, hay altas probabilidades de que haya pasado ya por sus lapiceros. Y es que, Larroca es el dibujante en activo con mayor volumen de producción (número de páginas entregadas y publicadas) y el séptimo en toda la historia del cómic. Además, en 2009 se convirtió en el primer ilustrador español en ganar un Premio Eisner a la Mejor Serie Nueva con Invencible Iron Man, pieza creada junto al guionista Matt Fraction

Según explica él mismo, llegó al imperio de Magneto y compañía casi por casualidad: “Cuando empecé a dibujar envié a todas las editoriales una muestra de lo que hacía y los que primero me contestaron fue la editorial Forum,  que en esa época  eran los responsables de editar a Marvel en España”. Su trabajo fue calando entre los mandamases de la empresa y el resto es historia ilustrada. Estos 25 años de trabajo han supuesto también una evolución en su estilo: “al entrar en el negocio había una serie de tendencias predominantes a las que más o menos me ceñía”, explica. Pero fueron pasando los años y Larroca comenzó a incorporar a sus creaciones “las referencias que recibía, a reinterpretarlas. Pienso que los artistas somos todos recicladores de ideas”, apunta el dibujante. De todas formas, el arte de Larroca no se basa en premisas monolíticas, sino que es moldeable y camaleónico “intento adaptar mi estilo a lo que el proyecto me pide y, en ese proceso, se va modificando también tu manera de crear, se va añadiendo background a tu propia visión”, indica el artista.

De hecho, preguntado sobre las corrientes gráficas con las que se identifica hoy por hoy, puntualiza que, en estos momentos, cultiva un trazo “realista” ya que se encuentra inmerso en una colección de Star Wars “en la que me piden precisamente eso. Por ejemplo, debo reproducir las caras de los actores que aparecen en las películas. Pero en el resto de encargos intento seguir un estilo más ‘superheroico’, más caricaturesco”, subraya.

Visto desde fuera, cualquiera podría pensar que trabajar para una marca tan potente y consolidada como Marvel supone ciertas trabas en cuanto a la libertad creativa. Al fin y al cabo, hay todo un conglomerado comercial que mantener y un legado visual al que honrar. Sin embargo, Larroca apunta justo en la dirección contraria. “Cuando yo era un chaval y leía los tebeos Marvel, había un estilo muy propio de la compañía basado en la líneas que habían popularizado John Buscema, John Byrne, Jack Kirby…Casi todos los autores de esa época eran estadounidenses, la ubicación geográfica resultaba primordial porque tenías que enviar las páginas por correo. Pero las nuevas tecnologías abrieron el espectro de colaboradores, se sumaron artistas de otras muchas culturas y países que han dejando la impronta de sus propias estéticas. En el momento en que me incorporé ya no existía esa estética tan característica de Marvel. Es más, yo hice un Iron Man realista que no tiene nada que ver con esos diseños clásicos. Marvel nunca me ha dicho «no hagas esto de tal manera» porque, realmente, esa diversidad les enriquece a ellos como editorial”, resalta el valenciano. En ese sentido, señala como una excepción la previamente nombrada Star Wars, “en la que sí que te marcan más el camino. En el resto de encargos simplemente hay ciertas normas según el público al que va dirigido".

Y donde hay una viñeta de cómic hay un guión. Respecto al funcionamiento de los textos en Marvel, Larroca asegura que se trata de un ecosistema “muy variopinto”. “Stan Lee, por ejemplo, escribe de una forma muy abierta, te dice «de la página 2 a las 16 hay lucha» y ya tú te apañas con una coreografía de pelea. En cambio, los escritores actuales casi todos provienen del mundo de la televisión y tienen una formación más literaria, algunos hasta conocen las artes marciales, te explican que en cierto punto tienes que meter una patada lateral y te mandan una foto de ese movimiento”, indica el artista. “También es verdad que, normalmente, los guiones cambian muchísimo. Se reenfoca, se quitan o ponen ideas…Normalmente, cuando me fichan para un proyecto no suelo proponer imágenes concretas hasta que tengo el primer guión, por si las moscas”, concreta.

Como sucede con casi todo en esta vida, ser dibujante de cómics es también un proceso basado en hábitos y rutinas. Un oficio que requiere de precisión y destreza. “Lo que yo hago cada mañana es cogerme mi página de viñetas  y empezar a dibujar hasta conseguir dos al día. En general, a la semana hago nueve viñetas (porque el viernes por la tarde me lo cojo libre jejeje). Tenemos unos deadlines de unas tres semanas por tebeo, mientras tú lo entregues a tiempo, lo demás da igual”, explica Larroca.

Tomar el testigo de personajes tan conocidos y admirados por el público como Yoda o Hulk podría verse como una gran carga (tal y como reza el dicho arácnido, un  gran poder conlleva una gran responsabilidad). Sin embargo, el ilustrador valenciano asegura no sentir presión al respecto: “A lo mejor debería notarla, pero la verdad es que no me ha pasado nunca. He crecido con estos personajes, los conozco desde niño. Así que, cuando los he tenido que dibujar, me ha podido más la ilusión que la presión. Jamás he pensado en si me iban a comparar con los grandes. Y la verdad es que esa técnica me ha venido muy bien para sentirme más libre”. En este sentido, admite que las historias con las que trabaja son tan populares que “todo el mundo tiene algo que decir sobre ellas, si empiezas a escuchar cada crítica no podrías dormir. Me mantengo al margen de lo que opinen los demás y siempre he hecho lo que creía que debía hacer”.

Llega el momento de hablar de favoritismos ¿Cada personaje es como un hijo para Larroca o hay alguno con el que disfrute especialmente? “Supongo que a la hora de dibujar influyen mucho tus gustos como lector. En mi caso, no tengo personajes favoritos, aunque de pequeño era asiduo a Spiderman y X-Men. También leía mucho cómic europeo… Es curioso, pero al principio no me veía dibujando Iron Man, me parecía un personaje demasiado macarrilla, una especie de James Bond…esa imagen me chirriaba. Sin embargo, cuando empezó como guionista Matt Fraction vi que quería cambiar esas dinámicas y conseguimos un Iron Man del que estoy muy orgulloso. Seguía siendo ligón, pero ya no era ridículo. Si me hubieran preguntado antes por mis personajes preferidos, jamás le hubiera mencionado y ahora tengo que decir que es uno con los que mejor me lo he pasado”, señala.

“Al final, he llegado a la conclusión de que no hay personajes malos sino  equipos creativos malos”, confiesa Larroca, pues, a veces, "un superhéroe que te gusta lo escribe alguien nuevo y te parece una patraña". Y otras sucede al revés, figuras secundarias se han convertido en iconos de la empresa "gracias a los autores que los han reinterpretado”. Como muestra de estos vaivenes lanza dos nombres. El primero es Lobezno, quien, al principio,  “llevaba un traje horrendo, pero hubo creadores que supieron jugar con él y convertirlo en una estrella de Marvel”. El segundo en aparecer es Spiderman, “que tiene desde el principio un diseño tan bonito que es imposible de mejorar. Si me lo pidieran me negaría en redondo a dibujarle con otra vestimenta porque ya no sería él”, reconoce el creador.

Cuando se piensa en las grandes mecas del cómic es más que probable que España no aparezca entre los primeros puestos de la clasificación. Sin embargo, el dibujante cree que esta tendencia está virando y, poco a poco, se está dejando de considerar al tebeo como un género menor. A este respecto, señala que con la celebración de estos 25 años empieza a ser consciente del cambio: “Hay mucha más gente interesada en los cómics de lo que yo pensaba. Creo que ya no se ve como algo tan minoritario, pero sí es cierto que el ratio de lectores es mucho menor que en países como Estados Unidos. A nosotros se nos conoce más por nuestro trabajo en el extranjero que por lo que publicamos aquí”.

Un género en constante transformación

El cómic es un género muy vivo que se va adaptando a los cambio sociales, tanto a nivel argumental como estético. Y es precisamente en esa potencial para la evolución donde encuentra la piedra angular de su supervivencia. “De hecho,-apunta Larroca- uno de los trabajos de los autores de cómic es estar al día de lo que pasa en el mundo y relatar con cierta rapidez cómo el entorno social va evolucionando. Se habla de las drogas, del abuso sexual, de la integración social…Hay cuestiones más delicadas, como el terrorismo, que quizás se toquen de una forma tangencial porque necesitarían un análisis más complejo”. Eso sí, el dibujante también trata de contextualizar, “aunque intentamos que las viñetas reflejen las transformaciones que se viven en la realidad, no hay que perder de vista que estamos hablando de historias de superhéroes, de un contexto en el que todo está magnificado”.

Lo que sí se puede afirmar sin temor a la equivocación es que Marvel apuesta mucho más por la transgresión en sus cómics que en sus películas. Algo que no resulta demasiado extraño si se tiene en cuenta que las películas “están diseñadas para todos los públicos, mientras que en los cómics se segmenta más por edad y tipo de audiencia, por lo que se puede hacer un acercamiento a cuestiones más controvertidas”, incide el creador valenciano. Además, las adaptaciones cinematográficas “lo que buscan es acercar al  público más joven sagas que llevan muchos años de vida. Es una forma de poner al día y traer a la actualidad historias que ya cuentan con muchísimos episodios publicados”.

De hecho, el universo Marvel es un campo tan extenso que para un lector novato en la materia puede resultar terriblemente abrumador. Sin embargo, ante tamaña crisis existencial, Larroca tiene la fórmula perfecta, “la películas sirven a los recién llegados para ponerse en situación y saber por dónde van los tiros. Luego, lo ideal es coger algún tomo recopilatorio del personaje que más te guste y, si te convence, ir introduciéndote poco a poco en las distintas líneas argumentales. Lo que me parece que puede resultar angustioso es intentar coleccionar las historias de alguno de los protagonistas más veteranos desde el primer número, porque resulta inabarcable: hay tantas colecciones, tantas interacciones y crossovers… Hay tanto publicado que a veces me pierdo hasta yo”. Y es que, las tramas “se amplían continuamente con nuevas figuras y aventuras. A la compañía le interesa que haya múltiples ramificaciones porque supone tener novedades que vender”, resume.

¿Hay vida más allá de los guerreros en mallas y los superpoderes? Parece que sí, aunque no de momento."Por ahora tengo la exclusividad con Marvel y, aunque mantengo algún proyecto por mi cuenta, resulta un trabajo muy exigente en el que no puedes despistarte. Tener que encargarte de tantas páginas al mes acaba quitándote mucho tiempo. Pero es verdad que sería genial hacer otras cosas además de superhéroes”, indica Larroca, quien clausura la conversación con un contundente “a mí lo que me gusta es el cómic en general”. El cómic ha muerto, larga vida al cómic.

viernes, 7 de septiembre de 2018

Divulgación científica a través del cómic en un curso de verano


El curso, pionero en España, tal y como ha afirmado su directora, la profesora de la UCLM Rosario Sabariegos, cumple un triple objetivo al "proveer herramientas para que los alumnos las puedan utilizar; al ser un foro de discusión y debate y al ampliar conocimientos sobre este tema a nivel nacional", dijo. Igualmente, Sabariegos, que fue la encargada de detallar el programa del seminario, agradeció su participación a los ponentes, así como la colaboración a la Universidad regional y a la Fundación Dr. Antoni Esteve.

 Por su parte, Julián Garde, subrayó la importancia que tiene este curso como herramienta de comunicación y divulgación científica, por lo que felicitaba a la organización por esta iniciativa y agradecía su participación al elenco de ponentes que contribuyen a que el programa del curso sea "fantástico".

 El curso, que se prolongará hasta este viernes, 7 de septiembre, comenzó con la intervención de la doctora en Traducción e Interpretación Blanca Mayor Serrano, que habló sobre la importancia de la medicina gráfica para la formación integral de estudiantes de Ciencias de la Salud. Tras la conferencia, se desarrollará el taller práctico: Dibujar lo invisible y una mesa redonda por la tarde sobre comunicación y divulgación científica a través de cómic, según ha informado la UCLM en nota de prensa.

La jornada de este viernes también contempla la celebración de diferentes ponencias y talleres.

jueves, 6 de septiembre de 2018

Un cómic para acercar el sentido de la Justicia Gratuita a los más pequeños


Un deshaucio, una agresión o un despido son las tres situaciones elegidas a las que deberán hacer frente tres abogados, dos mujeres y un hombre, que con aspecto de súper héroes protagonizan el cómic que ha editado la Abogacía Española (CGAE) para acercar a los más pequeños la labor que desarrollan estos 51.300 profesionales del Turno de Oficio.

El cómic, al que se puede acceder a través de la web del CGAE en una versión para que los más pequeños la coloreen, se compone de un conjunto de viñetas que permiten a los niños conocer cómo se inicia el trabajo que realizan los abogados de oficio, 24 horas al día, 365 días al año mediante los Servicios de Asistencia Jurídica Gratuita y Turno de Oficio.

Las tres historias de la tira cómica hacen una descripción gráfica de las actuaciones cotidianas que desempeñan estos letrados.

Junto a esta tarea divulgativa, el cómic traslada mensajes de respeto, igualdad y tolerancia.


‘El desahucio’


En el caso de ‘El desahucio’ todo empieza con la llegada de una notificación a casa de Juan y Silvia. Tras un momento de gran desconcierto, Juan recuerda una información que ha visto en el periódico donde se habla de que los abogados del Turno de Oficio garantizan que todas las personas puedan reclamar sus derechos ante la Justicia.

Inmediatamente se ponen en contacto telefónico con el Colegio de Abogados de la zona de España donde viven que activa, en este caso, a una abogada con súper poderes para resolver su problema judicial.

Lo siguiente es que Juan y Silvia recibe de su abogada el escrito donde se confirma que el desahucio se ha suspendido.

En la segunda de las historias, Luis y Pablo son atacados en su ciudad cuando daban un paseo por la noche. Inmediatamente mandan una señal de auxilio y pronto ya tienen a su lado una abogada para ayudarles. En este caso, nuestra heroina también lleva capa y, además, pronto también será súper mamá ya que luce un avanzado estado de gestación.

Con su asistencia, el cómic muestra cómo las víctimas tendrán voz en el proceso contra los agresores.

Finalmente, en ‘El despido’ es donde interviene el abogado súper héroe que cumpliendo con el mensaje que se traslada a lo largo de la tira cómica consigue la readmisión de Marta porque “la abogacía te defiende”.

Esta iniciativa se suma a las ya desarrolladas desde el CGAE y los distintos colegios de abogados para promover y poner en valor la importancia de la Justicia Gratuita como derecho fundamental.

miércoles, 5 de septiembre de 2018

El cómic clásico de "Los 4 Fantásticos" y "Daredevil", en la pared

En la Casa de Cultura de Avilés está ya colgada "una exposición para verla y verla un poco cada día". Lo dice Germán Menéndez, que es el director de "Dolmen", una de las revistas más importantes dedicadas a la historieta, y, además, uno de los tres directores de las Jornadas del Cómic "Villa de Avilés", que inician la próxima semana su edición número veintitrés.

Sin embargo, el entusiasmo de Menéndez no viene sólo por los cargos que detenta. "La muestra reúne más de medio centenar de páginas originales de clásicos desde 1950: 'Daredevil', 'Los 4 Fantásticos'... pero no sólo eso. Recoge páginas de otros géneros. La editorial EC se dedicó a publicar historietas bélicas y Warren de terror. Lo que quisimos es contar la historia del cómic norteamericano y esta tanda llega hasta mediados de los ochenta", recalcó Menéndez.

Y todo esto lo han logrado los responsables de las Jornadas del Cómic de la mano de Jaume Vaquer, que es el propietario de las láminas, una muestra que cuenta con trabajos de autores tan superlativos como Alan Moore, Al Felstein, Jack Kirby, George Perez o Robert Crumb. O sea, "lo mejor de lo mejor", concluyó Menéndez. "Terminamos con una página de 'Watchmen'. Pero Jaume Vaquer tiene muchos más originales. Es el coleccionista más importante de España en este campo, al menos, el que más ha cedido para organizar exposiciones. La idea que tenemos ahora es poder seguir contando la historia hasta el presente, aunque a lo mejor se nos ocurre otra idea por la que tirar el año que viene", explicó Menéndez. "Vaquer ha colaborado con nosotros muchas veces. El año pasado lo hizo con una muestra de portadas", confesó.

Las Jornadas Internacionales del Cómic "Villa de Avilés" se desarrolla, como todos los años, en el entorno de la Casa de Cultura. La relación de invitados ronda el medio centenar de nombres, entre ellos, Daniel Torres, Federico del Barrio, Rayco Pulido (actual premio Nacional de Cómic), Natacha Bustos, Al Erwing, Andrés Guinaldo, Bernard Chang, Enrique Vegas, Goran Sudzuka, Lolita Aldea, Mamen Moreu, Raquel Lagartos, Mike Carey, R. M. Guera y Sean Chen. Y es que los aficionados a la historieta pueden conocer de primera mano no sólo los trabajos más legendarios de la exposición que abrió ayer, que también cuenta con trabajos de nombres Joe Orlando, Carmine Infantino, Steve Ditko o Mike Ploog, el creador del "Motorista Fantasma".

martes, 4 de septiembre de 2018

Marvel relanzará el cómic de ‘Guardianes de la Galaxia’ en el 2019


En las copias de prensa adelantadas del cómic Thanos Legacy #1, que será lanzado este 5 de septiembre, Marvel ha anunciado el relanzamiento de la historieta de Guardianes de la Galaxia en enero del 2019. La fecha coincide con el 50 aniversario del equipo de superhéroes intergalácticos.

En la declaración, que aparece antes de una imagen a doble página con más de 35 personajes, incluyendo al equipo original de Guardianes, así como a los integrantes más recientes, como Cosmo, Howard el Pato, Galactus, Eros, los Starjammers, la Guardia Imperial Shi'ar, Dragón Lunar, Cosmic Ghost Rider, Fantasma, Beta Ray Bill, Nova, Super-Skrull, Smasher y Silver Surfer, se lee:

    [El escritor] Donny Cates y [el artista] Geoff Shaw pronto revelarán... #QuienesSonLosGuardianes.

Creados por Stan Lee, Arnold Drake y Roy Thomas, los Guardianes de la Galaxia originales debutaron en 1969 en la historieta Marvel Super-Heroes #18, la cual fue ilustrada por Gene Colan. El equipo original consta de por Adam Warlock, Drax 'El Destructor', Quasar (Phyla), Gamora, Star-Lord, Mantis, Groot y Rocket Raccoon.

Desde entonces, los integrantes han cambiado varias veces. Con el relanzamiento de abril en el 2008, los escritores Dan Abnett y Andy Lanning y el artista Paul Pelletier hicieron al equipo moderno, que incluye a personajes existentes y anteriormente no relacionados, creados por una variedad de escritores y artistas. Aparecidos por primera vez en Aniquilación: Conquista #6, llegaron a la pantalla grande con la primera película de Guardianes de la Galaxia en el 2014.

La alineación más reciente fue formada en el 2017. Escrita por Gerry Duggan y dibujada Aaron Kuder, la serie All New Guardianes de la Galaxia finalizó este año con el número #150, en el que regresa Adam Warlock. La historia de Duggan y Kuder continuó en la miniserie Infinity Countdown, que se estrenó en febrero del 2018.

Escrito por Cates y Duggan y dibujado por Brian Level y Cory Smith, el especial Thanos Legacy, que es la secuela de Thanos Wins, cierra la brecha entre Thanos y Guerra del Infinito, antecediendo el relanzamiento de Guardianes de la Galaxia.

lunes, 3 de septiembre de 2018

El cómic más antiguo sobre las islas Cíes


Vigo, retratada en la revista gráfica más popular del mundo. The Graphic (El Gráfico) nació en el Reino Unido en 1869 como pionera en el periodismo de imágenes y se convirtió en un fenómeno que pervivió hasta 1932. Y, repasando sus ejemplares en la Biblioteca Británica, encontramos esta página con un grabado que representa la expedición de caza que varios militares ingleses realizaron a Vigo en 1882, embarcando hasta lo que parecen ser las islas Cíes. El reportaje está narrado como un cómic, sin apenas texto. Y se desconoce al autor de las viñetas, aunque en el pie de página se señala que la historia está inspirada en «los bosquejos de un oficial naval». Quizá este militar remitió los dibujos a la revista o un ilustrador propio reinterpretó sus notas. No hay más datos. Como tampoco en el resto de la revista, publicada el 30 de diciembre de 1883.

Pero, al margen de las incógnitas, el valor de esta página es enorme. Estamos ante lo que podría ser el primer «cómic» o historia ilustrada realizada sobre Vigo y también sobre las islas Cíes. La historieta se titula A shooting trip at Vigo (Spain) -Una excursión de caza en Vigo (España)-. En la primera escena vemos un barco que zarpa de puerto y la nota: «Comenzamos alegremente», mientras que en la segunda viñeta hay unas viandas enlatadas con el lema: «Unas pocas provisiones para nuestro viaje de dos días». Vemos luego una lancha de desembarco, ocupada por personas que portan armas de fuego y luego a dos cazadores, con unas notas al pie ilegibles que parecen representar sus nombres. En los dibujos, continuamos viendo a los expedicionarios durmiendo a bordo del barco en la ría de Vigo y finalmente el viaje de regreso, con la embarcación azotada por el mal tiempo. La viñeta de cierre lleva la anotación «nuestro zurrón» y se ven varias aves muertas y colgadas a secar.


No es raro que The Graphic publicase historias gráficas sin texto. En este sentido, se adelantan al cómic moderno. Sus editores creían que un reportaje se puede cubrir casi sin necesidad de palabras. Y este rasgo de modernidad fue muy apreciado en su época, al punto que se dice que el pintor Vincent Van Gogh fue un gran admirador de esta revista, aunque se distribuía principalmente en el Reino Unido y sus colonias. The Graphic fue fundado por William Luson Thomas, un grabador y reformista social que reclutó un buen número de talentosos artistas entre los que se contaban Luke Fildes, Hubert von Herkomer, Frank Holl y John Millais. The Graphic salía los sábados y su precio original era de seis peniques. En su primer año se describía a sí mismo en su publicidad como «un periódico semanario de ilustración superior que contiene 24 páginas de tamaño folio imperial, impreso en perfectos tonos de papel de máxima calidad, hecho expresamente con el propósito de admirar la adaptación del grabado».

La revista contaba con suscriptores en todo el mundo en donde tenía presencia el Imperio Británico y también en América del Norte. Entre sus artistas estaban figuras de la época como Alexander Boyd, Frank Brangwyn, James H. Dowd, Harry Furniss, Phil May, Leonard Raven-Hill, Edmund Sullivan, George Stampa, Sidney Sime, Bert Thomas o F. H. Townsend. Y fichaba a grandes escritores como George Eliot o Thomas Hardy. Además de rodearse de talento, el editor de The Graphic jamás despreció su preocupación social. Y tuvo gran éxito en 1869 su Houseless and Hungry (Sin casa y hambriento), con imágenes dramáticas de Luke Fildes que mostraban la vida de los habitantes más pobres y marginales de Londres.

El periódico cubría noticias nacionales y provenientes de los territorios del Imperio Británico con un gran énfasis en la literatura, el arte, las ciencias, el mundo del espectáculo, el deporte, la música y la ópera. La historia gráfica dedicada a la ría de Vigo cerró el año 1882 en una posición relevante: la última página de la revista. Aunque no puede decirse con certeza, todo parece una partida de caza a las islas Cíes, ya que toman un barco, el desplazamiento parece largo (al punto de que duermen a bordo) y en una viñeta afirman que se dirigen a The Peak (El Pico), lo que encajaría perfectamente con el actual monte do Faro, en la isla central. En cualquier caso, se trata de un documento inédito en Vigo, probablemente el primer retrato de nuestra ría realizado con técnicas del cómic. Porque, aunque existen incontables ilustraciones anteriores, esta es la primera que cuenta una historia completa gráficamente. Acabamos de encontrarla en la Biblioteca Británica en un ejemplar de The Graphic de 1882.